或許現今搖滾真的再難有開創性，大家都只管在過去找不同的經典音樂類型來重塑。但重塑，也分高手和低手。
來自洛衫磯Silver Lake的四人樂隊Local Natives，他們最初要重塑的是Psychedelic Folk。
Psychedelic Folk最早可以追溯到上世紀60年代，代言樂隊首推The Byrds，他們由最初的單純Folk Rock，到迷幻熱潮爆發時加入了迷幻式彈奏，以Psychedelic Folk來回應那一個迷幻年代。然後，自然是追隨者眾。
迷幻除了體現在音樂上，說到底始終是Hippies的一種態度，一種在60年代作為反戰的生活態度。
當進入了70年代，全球政治局面不是穩定，但相對來說已經沒有一個重大戰役需要去反（反戰思潮也冷卻下來），作為迷幻守護者的Hippies已退下火線，而體現在流行文化上的Psychedelic Folk，也漸被認為不合時宜。搖滾已經隨著外圍氣候變遷，進入了另一個新紀元。
到了90年代，Psychedelic Folk才再次被年輕的音樂人重新挖掘出來，賦予新生命，即使已經不可能再成為甚麼主流，但有不少人就是願意樂此不疲地，去重塑這種可能比他們還老的搖滾類型。
Local Natives的三名原始成員Taylor Rice、Kelcey Ayer及Ryan Hahn，在同一所High School唸書時，已有走在一起玩音樂；後來，Andy Hamm和Matt Frazier相繼加入，五人便組成了Local Natives。
不得不提是，身為鼓手的Matt Frazier，對樂隊尤其重要。
跟一眾同樣玩Psychedelic Folk的當代樂隊的最大分別是，Local Natives很重視鼓擊——由首張專輯《Gorilla Manor》開始，鼓擊已經不僅止於一種伴奏方式，而可以是組成一首歌曲結構的重要部分，他們不少歌曲都會以強烈、沉實的鼓擊作為引導，引導以外，在整首歌曲中鼓擊更加是張揚的部分，所以當你聽Local Natives時，你會感受到強烈的節奏感，而不是只聽到其他同類型樂隊一味以抒情的Acoustic Guitar彈奏來貫串。
另一點較特別是，Local Natives有著三個主音，所以大部分作品都用上並很強調三重唱。三把聲音的重疊及交替，使樂隊的歌曲有著一種優美空間感。
《Gorilla Manor》（專輯名字來自他們五人曾經合租的一間屋名稱）先於2009年在英國推出，一年後才在美國正式發行。這專輯雖不足以令他們立即成為甚麼一線流行樂隊，但《Gorilla Manor》獲得近乎一致好評，甚至為他們贏得「西岸Grizzly Bear」的美譽（Grizzly Bear正是來自美國東岸紐約的Psychedelic Folk代表樂隊）。
後繼專輯《Hummingbird》足足相隔了三年多才推出。而成員也由五位變成四位，Andy Hamm退出了。
開場的《You & I》，以不停的沉厚鼓擊作為引領，而且貫串了全曲，一聽便是「很Local Natives」的歌曲，證明歷經了三年時間後，他們還是大家熟悉的Local Natives。
緊接的《Heavy Feet》和《Ceilings》，基調不變，抒情感覺更濃厚。
《Black Spot》較特別，特別在以緩慢低調作為開始，到最後一分多鐘，開始變得激昂，之前一直失蹤的鼓擊開始出現（Vocal部分也更用力），到最後更主導著歌曲。
《Breakers》和《Black Balloons》的密集鼓擊，則令歌曲透現著一點點Post Punk感覺。
Post Punk感更強的《Wooly Mammoth》，配合緊接著而來的激昂《Mt. Washington》，構成全張專輯的一個高潮位。
壓軸的兩首，《Columbia》和《Bowery》，則是最沉鬱的感傷時刻；而《Bowery》最後那長達一分鐘的樂器彈奏和鼓擊，則為整張專輯給予了一個精彩而難忘的結尾。
聽《Hummingbird》會發現，Local Natives已經不只是單純的一個Psychedelic Folk樂團，而是加入大量New Wave和Post Punk的感覺——其實早在首張專輯裡，他們已經cover了在1975年組成、著名美國樂隊Talking Heads的《Warning Sign》。你大概可以知道，Local Natives其實吸收了不少Post Punk和New Wave的養份。
透過《Hummingbird》的一次類型整合，他們正在給予自己更多的音樂可能性。
小兵
(轉載自信報)
2013年1月29日 星期二
2013年1月15日 星期二
用聽覺所建立的西部印象
電影配樂的作用是什麼？就是幫電影建立一個印象、一個回憶。
像荷里活電影，不論成本高或低，都會專誠找人去製作配樂，但問題是，近年大部分荷里活所使用的配樂，作用僅停留於為電影加添一點額外聲響，至於印象，可以說是完全沒有的，更不要談在離場後還可以哼出片裏的配樂。
而事實是，在講求仔細分工的荷里活機制下，導演是不會參與配樂工作的。
昆頓塔倫天奴（Quentin Tarantino）不同。由他的首部導演作品《落水狗》（Reservoir Dog）開始，已經積極參與，他的做法是：乾脆用上自己喜歡的舊歌作為配樂，而被他揀選的，又往往能夠高度配合電影劇情和風格，甚至可以為電影add value。罐頭音樂，已成了塔倫天奴電影的重要組成部分。
借用經典
為什麼不找作曲家重新製作？塔倫天奴這樣解釋：他怕一旦用上單一音樂人的作品，而自己又不喜歡的話，便不得不把人家心血統統棄用。
所以，即使日後的電影有找專人製作配樂，一定會用上好多單位，每個單位又只會製作一或兩首。總之，從來不會讓單一音樂單位主導了塔倫天奴電影的配樂。畢竟，最透徹了解塔倫天奴電影的人，就只有塔倫天奴本人。
另一點較特別的是，塔倫天奴每部作品都明顯在指涉着一個或數個電影類型，例如《危險關係》（Jackie Brown）是對blaxploitation（一種流行於上世紀七十年代、以黑人觀眾為主要對象的類型電影）的致敬，被塔倫天奴選中作為配樂的音樂，也以funk和soul為主；又例如《希魔撞正殺人狂》（Inglourious Basterds），是對戰爭片、二戰片的重塑，音樂上也偏向古典，雖然離奇地選用了David Bowie為1982年電影《豹妹》所寫的搖滾歌曲Cat People (Putting Out Fire)。
至於新作《黑殺令》（Django Unchained），則明顯是一次對美國西部片，以及意大利「特產」Spaghetti Western（一種盛行於六十年代、由意大利模仿攝製的低成本西部片）的二十一世紀重塑，於是，soundtrack順理成章充滿了西部電影味道。
作為Spaghetti Western粉絲，塔倫天奴借用了好多齣經典「意大利粉西部片」的音樂，點題的main theme Django，透着一種蒼涼味，來自1966年的同名Spaghetti Western代表作Django，導演是已故意大利導演Sergio Corbucci，他生前最善於拍這類西部片，特色是極度暴力。
歷史作用
緊接的The Braying Mule和His Name Was King，則分別來自兩齣老舊電影，Two Mules for Sister Sara和Lo Chiamavano King。
新曲方面也有好幾首。黑人rapper Rick Ross主理的100 Black Coffins，是一首hip hop——明明是西部片卻又用上hip hop？要知道《黑殺令》的男主角是Jamie Foxx，電影可說是將blaxploitation的成分植入了西部片裏，一個黑奴向白人報仇的故事——戲未曾看，我未能知道這首歌配合畫面一併接收時效果如何，但這毋疑是一首上乘的hip hop作品，聽了一遍，已經深深印在腦海。
另一位有份交出作品的音樂人是John Legend，他的Who Did That To You?，帶着一份飄泊感。Anthony Hamilton，美國黑人singer-songwriter，則提供了一首極度配合電影主題的深情R&B Freedom。
不能或缺的還有Ennio Morricone。塔倫天奴本身極其尊崇這位已經年過八十的資深作曲家，在《希魔撞正殺人狂》已合作過一次。這一次，Ennio交出了Ancora Qui，並交由意大利女歌手Elisa演繹。
塔倫天奴是厲害的。他能夠在你還未入場前，已經用上新舊夾雜的音樂，先行為你建立了一個有關電影的深刻印象。
這張soundtrack極精采。同時也起了把電影歷史流傳、傳播開去的作用。
小兵
(轉載自信報)
像荷里活電影，不論成本高或低，都會專誠找人去製作配樂，但問題是，近年大部分荷里活所使用的配樂，作用僅停留於為電影加添一點額外聲響，至於印象，可以說是完全沒有的，更不要談在離場後還可以哼出片裏的配樂。
而事實是，在講求仔細分工的荷里活機制下，導演是不會參與配樂工作的。
昆頓塔倫天奴（Quentin Tarantino）不同。由他的首部導演作品《落水狗》（Reservoir Dog）開始，已經積極參與，他的做法是：乾脆用上自己喜歡的舊歌作為配樂，而被他揀選的，又往往能夠高度配合電影劇情和風格，甚至可以為電影add value。罐頭音樂，已成了塔倫天奴電影的重要組成部分。
借用經典
為什麼不找作曲家重新製作？塔倫天奴這樣解釋：他怕一旦用上單一音樂人的作品，而自己又不喜歡的話，便不得不把人家心血統統棄用。
所以，即使日後的電影有找專人製作配樂，一定會用上好多單位，每個單位又只會製作一或兩首。總之，從來不會讓單一音樂單位主導了塔倫天奴電影的配樂。畢竟，最透徹了解塔倫天奴電影的人，就只有塔倫天奴本人。
另一點較特別的是，塔倫天奴每部作品都明顯在指涉着一個或數個電影類型，例如《危險關係》（Jackie Brown）是對blaxploitation（一種流行於上世紀七十年代、以黑人觀眾為主要對象的類型電影）的致敬，被塔倫天奴選中作為配樂的音樂，也以funk和soul為主；又例如《希魔撞正殺人狂》（Inglourious Basterds），是對戰爭片、二戰片的重塑，音樂上也偏向古典，雖然離奇地選用了David Bowie為1982年電影《豹妹》所寫的搖滾歌曲Cat People (Putting Out Fire)。
至於新作《黑殺令》（Django Unchained），則明顯是一次對美國西部片，以及意大利「特產」Spaghetti Western（一種盛行於六十年代、由意大利模仿攝製的低成本西部片）的二十一世紀重塑，於是，soundtrack順理成章充滿了西部電影味道。
作為Spaghetti Western粉絲，塔倫天奴借用了好多齣經典「意大利粉西部片」的音樂，點題的main theme Django，透着一種蒼涼味，來自1966年的同名Spaghetti Western代表作Django，導演是已故意大利導演Sergio Corbucci，他生前最善於拍這類西部片，特色是極度暴力。
歷史作用
緊接的The Braying Mule和His Name Was King，則分別來自兩齣老舊電影，Two Mules for Sister Sara和Lo Chiamavano King。
新曲方面也有好幾首。黑人rapper Rick Ross主理的100 Black Coffins，是一首hip hop——明明是西部片卻又用上hip hop？要知道《黑殺令》的男主角是Jamie Foxx，電影可說是將blaxploitation的成分植入了西部片裏，一個黑奴向白人報仇的故事——戲未曾看，我未能知道這首歌配合畫面一併接收時效果如何，但這毋疑是一首上乘的hip hop作品，聽了一遍，已經深深印在腦海。
另一位有份交出作品的音樂人是John Legend，他的Who Did That To You?，帶着一份飄泊感。Anthony Hamilton，美國黑人singer-songwriter，則提供了一首極度配合電影主題的深情R&B Freedom。
不能或缺的還有Ennio Morricone。塔倫天奴本身極其尊崇這位已經年過八十的資深作曲家，在《希魔撞正殺人狂》已合作過一次。這一次，Ennio交出了Ancora Qui，並交由意大利女歌手Elisa演繹。
塔倫天奴是厲害的。他能夠在你還未入場前，已經用上新舊夾雜的音樂，先行為你建立了一個有關電影的深刻印象。
這張soundtrack極精采。同時也起了把電影歷史流傳、傳播開去的作用。
小兵
(轉載自信報)
2013年1月1日 星期二
她由古老搖滾時光而來
新晉唱作人Charlene Soraia，單憑一首舊曲翻唱便迅速引起外界注意。這究竟是好事還是壞事？
讓歌手煞有介事向外間說自己的專輯玩了什麼概念，又或曲與曲之間有什麼有機性聯繫的做法，已經不合時宜——尤其在這個單曲年代，大部分人都樂得在iTunes買歌了，會專誠以專輯作為欣賞單位的人已不多。所以，當Charlene Soraia一出道即坐擁一首hit歌，絕對有利。
為歌曲增值
問題是，這首hit歌Wherever You Will Go其實不屬於Charlene Soraia本人。原唱的是The Calling，一個已解散的洛杉磯post grunge樂團。歌曲在2001年推出，流行一時。Charlene Soraia把原曲的搖滾味完全消除，餘下的，是一首抒情ballad。對於原曲，我從來都不覺得怎麼樣，現在聽回甚至還覺得有點過時，反而Charlene Soraia的cover version的確做到了為歌曲add value。結果Wherever You Will Go被英國紅茶品牌Twinings選為廣告歌，提升了Charlene Soraia的人氣，連她在推出專輯前的單曲，也要用上這首歌，而且順理成章被收錄在debut album Moonchild中。
有理由相信，很多購買Moodchild的樂迷，都是衝着Wherever You Will Go而來，但這首歌，並不足以代表Charlene Soraia之全部。這位生於1988年、來自倫敦的二十四歲唱作女生，早在五歲已拿起爸爸的結他來（亂）彈，後來爸爸買了結他給她自學；從沒修過任何專業音樂課程的她，考入了The Brit School，身邊的同學包捉括今日的音樂紅人像Kate Nash、Adele……
上述成長小故事，只是為主人翁添加一點點傳奇味道，根本不太重要——真正重要是，Charlene Soraia情迷的音樂是不少八十後聽都未聽過的progressive rock！Progressive rock是一種盛行於上世紀六十年代的搖滾類型，是psychedelic rock的一個延伸發展。Progressive rock樂曲追求長篇大論，重視樂器的演奏和複雜配合，一首二十分鐘的樂曲，vocal可能只佔三數分鐘，可以說，絕少年輕音樂人會把這種古老音樂類型公開作為個人的音樂影響。
潛能待發揮
Charlene Soraia是個例外。她喜歡的樂隊包括了Pink Floyd和King Crimson，也曾經組過一個psychedelic樂團Electriq Mistress。Psychedelic和progressive rock的養份，真的可以在Moonchild中聽到。開首的When We Were Five，長達六分半鐘，便摻雜了progressive結構，當中所營造的空靈和靜謐，更叫我聯想起King Crimson經典專輯In the Court of the Crimson King——而事實是，In the Court of the Crimson King裏也有首歌曲叫Moonchild。
緊接的Daffodils、Lightyears和Rowing，則是folk song，簡單，動聽。Bipolar是一個輕快的過場，但我總認為效果有點突兀，Charlene Soraia唱來也有點勉強。
Postcards From iO是很精采的一曲，聽着，恍如把你帶回一個老舊的時光。在Moonchild，你可以聽到Charlene Soraia把她喜歡的或影響過她的東西，裁剪、拼貼、融合、變奏成屬於自己的東西，效果可能有點凌亂，但大概多等一或兩張專輯吧，她應該有能力做出整體凝聚力更高的作品。
至於Wherever You Will Go，被安放在專輯的壓軸，有着bonus track意味——老實，這首歌跟專輯明顯不太搭配，也絕對不足以代表這個倫敦唱作女生。
小兵
(轉載自信報)
讓歌手煞有介事向外間說自己的專輯玩了什麼概念，又或曲與曲之間有什麼有機性聯繫的做法，已經不合時宜——尤其在這個單曲年代，大部分人都樂得在iTunes買歌了，會專誠以專輯作為欣賞單位的人已不多。所以，當Charlene Soraia一出道即坐擁一首hit歌，絕對有利。
為歌曲增值
問題是，這首hit歌Wherever You Will Go其實不屬於Charlene Soraia本人。原唱的是The Calling，一個已解散的洛杉磯post grunge樂團。歌曲在2001年推出，流行一時。Charlene Soraia把原曲的搖滾味完全消除，餘下的，是一首抒情ballad。對於原曲，我從來都不覺得怎麼樣，現在聽回甚至還覺得有點過時，反而Charlene Soraia的cover version的確做到了為歌曲add value。結果Wherever You Will Go被英國紅茶品牌Twinings選為廣告歌，提升了Charlene Soraia的人氣，連她在推出專輯前的單曲，也要用上這首歌，而且順理成章被收錄在debut album Moonchild中。
有理由相信，很多購買Moodchild的樂迷，都是衝着Wherever You Will Go而來，但這首歌，並不足以代表Charlene Soraia之全部。這位生於1988年、來自倫敦的二十四歲唱作女生，早在五歲已拿起爸爸的結他來（亂）彈，後來爸爸買了結他給她自學；從沒修過任何專業音樂課程的她，考入了The Brit School，身邊的同學包捉括今日的音樂紅人像Kate Nash、Adele……
上述成長小故事，只是為主人翁添加一點點傳奇味道，根本不太重要——真正重要是，Charlene Soraia情迷的音樂是不少八十後聽都未聽過的progressive rock！Progressive rock是一種盛行於上世紀六十年代的搖滾類型，是psychedelic rock的一個延伸發展。Progressive rock樂曲追求長篇大論，重視樂器的演奏和複雜配合，一首二十分鐘的樂曲，vocal可能只佔三數分鐘，可以說，絕少年輕音樂人會把這種古老音樂類型公開作為個人的音樂影響。
潛能待發揮
Charlene Soraia是個例外。她喜歡的樂隊包括了Pink Floyd和King Crimson，也曾經組過一個psychedelic樂團Electriq Mistress。Psychedelic和progressive rock的養份，真的可以在Moonchild中聽到。開首的When We Were Five，長達六分半鐘，便摻雜了progressive結構，當中所營造的空靈和靜謐，更叫我聯想起King Crimson經典專輯In the Court of the Crimson King——而事實是，In the Court of the Crimson King裏也有首歌曲叫Moonchild。
緊接的Daffodils、Lightyears和Rowing，則是folk song，簡單，動聽。Bipolar是一個輕快的過場，但我總認為效果有點突兀，Charlene Soraia唱來也有點勉強。
Postcards From iO是很精采的一曲，聽着，恍如把你帶回一個老舊的時光。在Moonchild，你可以聽到Charlene Soraia把她喜歡的或影響過她的東西，裁剪、拼貼、融合、變奏成屬於自己的東西，效果可能有點凌亂，但大概多等一或兩張專輯吧，她應該有能力做出整體凝聚力更高的作品。
至於Wherever You Will Go，被安放在專輯的壓軸，有着bonus track意味——老實，這首歌跟專輯明顯不太搭配，也絕對不足以代表這個倫敦唱作女生。
小兵
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