極端金屬音樂的門常開

過去不少朋友總是這樣形容外國搖滾：鬼殺咁嘈都唔知有乜好聽。

他們口中所謂的「鬼殺咁嘈」，涵蓋面極廣，不論是Nirvana、Green Day、Oasis、The Rolling Stones 甚或Travis，都一概被他們標籤為鬼殺咁嘈。總之，只要不是中慢板廣東歌那種溫吞抒情的，便是鬼殺咁嘈。

聽歌是很個人的事，偏見是更個人的事，所以我從來不會跟他們解釋我選聽以上樂隊的原因。而事實是，他們根本沒有接觸過真正的鬼殺咁嘈。

Metal，金屬音樂當中，也有層次和類型的細分。像Slipknot，可以肯定我的那班朋友會認為是鬼殺咁嘈之極致，但對一些鍾情extreme metal 的樂迷來說，Slipknot一點都不嘈，只是在商業市場中取悅大眾的小兒科金屬。

這裏不詳細說明metal 或extreme metal 的分類和歷史了，只說nu-metal這個在上世紀九十年代末開展至千禧後不久便宣告玩完的音樂潮流。Nu-metal的特色大概如下：一、剔除了金屬音樂必備的結他獨奏部分；二、但同時加入了hip-hop的說唱；三、比傳統金屬更重視流行旋律；四、vocal以clear voice為主，也包括咆哮和嘶叫，但不會有death metal的嘔泥式唱腔；五、當然是秉承金屬音樂的激烈吵耳，但又維持在一個大部分樂迷所能接受的程度。基於nu-metal樂隊以美國（洛杉磯）為主，這個音樂潮流也被認為是美國對九十年代中期英國以Brit-pop搶佔世界音樂市場的反擊。

Slipknot 正是在這潮流中出道、走紅，亦理所當然地被歸類為nu-metal，但他們自己從不認同玩的是nu-metal。來自愛荷華州的Slipknot，最先引人注意的肯定是造型：全體成員戴上不同造型恐怖面具亮相，僅以號碼來代替各人身份，成功製造了話題（隨知名度提高，各人真實臉容已先後曝光）—— 樂隊主將Corey Taylor 說，他童年時看過一次John Carpenter 的《月光光心慌慌》，便被面具深深吸引。

Slipknot早在1995年已組成，一開始沒有唱片公司支持，只靠成員自資錄歌找機會碰運氣，期間歷經多次成員更替及風格整合，才捱出頭來。

對比其他nu-metal 樂隊Korn、Limp Bizkit 及Linkin Park，Slipknot對金屬音樂有更具野心的類型整合：他們抽取了thrash metal的特點，大部分歌曲都有密集的結他riff及鼓擊；有hip-hop成分，但又不像同時代nu-metal樂隊般被hip-hop主導—— 而最標誌性的絕對是vocal，主唱Corey Taylor音域極廣，同一首歌，可以由clear voice變成咆哮和嘶叫再變回clear voice，又能夠同時加上近乎嘔泥式的death metal唱腔，所以Slipknot的歌曲表現力比其他nu-metal樂隊豐富，他們也認為自己的音樂更貼近heavy metal。

流行修飾加重型取向

當大部分nu-metal樂隊已解散，Slipknot依然健在。由1999 年至今共推出了五張專輯。新作.5: The Gray Chapter，樂隊形容是2001 年Iowa 和2004 年Vol. 3: (The Subliminal Verses) 的結合，有對金屬音樂的流行修飾，也保留了樂隊的重型取向，像The Devil in I 和Killpop 便展示他們對金屬音樂結構的重視，不是由頭嘈到尾，反而是強調情緒的鋪陳；Killpop 末段的結他獨奏，更可聽到Slipknot 對傳統heavy metal 的不離不棄。至於Goodbye ，單聽抒情的前段，你根本不覺自己在聽金屬音樂；但愈推展下去，卻由抒情過渡至激烈，這就是Slipknot與別不同的地方。

鍾情extreme metal的樂迷會認為Slipknot只是小兒科。的確，Slipknot把各種extreme metal元素調整得更具流行味更易入口，我當日也是因為他們才進一步接觸extreme metal。或許這麼說吧，Slipknot的音樂除了幫助宣洩情緒，也是認識extreme metal 的一道方便之門——當然，你大可以選擇不闖進這道門。

小兵
(轉載自信報)

一顆赤子之心的重新演繹

在這個紛亂的時候，聽甚麼歌都似乎留不了神入不了心。

本來想寫Interpol的新專輯。不是不好聽，甚至稱得上是樂隊的回勇之作，但聽來聽去，那種激烈的Post Punk聲音，總是令我想起在facebook看到的各種離譜的衝擊性相片和短片，想起身邊不少朋友都為了信念而冒險上街，也令我想起那天首次聞到催淚彈時的「滋味」……

然後我突然想起最近在某電影節作有限度放映的《God Help the Girl》。

我沒有看電影，但Soundtrack一早買了，只是一直沒有聽。直至過去一個星期終於拿來認真地聽，很奇妙，竟然有著令浮躁的自己安靜下來的作用。

回到18年前，格拉斯哥樂隊Belle and Sebastian推出了他們第一張專輯《Tigermilk》，一班青年人用赤子之心青澀的歌聲，配合帶點復古味的音樂，創作了一首首書寫青春的清新歌曲。

樂隊由獨立逐漸走進主流，終於紅起來，同時也經歷大部分知名樂隊所面對的問題：創作變得流行味漸重而被指有媚俗傾向（但問心，Belle and Sebastian在這方面不算嚴重），吸納了（純粹追潮流的）新樂迷卻離棄了原來樂迷，而同時創隊成員先後離開——我承認，當Isobel Campbell在2002年決定離開樂隊時，Belle and Sebastian對我已經不再吸引了。

不過，只要創作主腦Stuart Murdoch還留守，Belle and Sebastian依然是一個強韌生命體。專輯還是繼續推出，即使統統超越不了最初三張，但依然維持一定程度的動聽（所以我依然有買）。

在2004年一次宣傳新碟的表演中，Stuart Murdoch突然有個想法：不如寫一系列專門書寫少女心事的歌曲，並找女生去唱（畢竟Isobel離開後，Belle and Sebastian已變成以男vocal為主導的樂隊）。這個project，就是God Help the Girl的最初。

Stuart Murdoch隨即登廣告招募、試音……最後選中了三名女生：Catherine Ireton、Brittany Stallings以及Dina Bankole，並在2009年推出了一張同名專輯。表面上，樂隊是三名女生組成，但其實以Catherine Ireton為主（Stuart Murdoch第一個選中的也是她，另外兩位是直至2008年才加入的），專輯14首歌曲，她便唱了10首。

這張算得上隆重其事的《God Help the Girl》，無疑是有一點新鮮感，但其實還是Stuart Murdoch / Belle and Sebastian的慣常套路——不如這麼說吧，不就是一張主要以女聲演繹的B&S專輯。專輯，算是有點迴響而已。

但原來Stuart Murdoch並非打算只推出一張專輯就了事。他腦海中的project，由始至終都包括拍一齣音樂電影。

十年後，2014年1月，《God Help the Girl》終於在美國Sundance Film Festival首映。
電影是有關兩女一男共同找尋音樂夢想的純真故事。由於我還沒看，不知道電影拍得如何，但看過的人普遍以讚的居多；而讚，很大程度上是因為當中的音樂。

是的，電影中出現的歌曲，也就是2009年那張專輯所輯錄的，但不是照搬來用，而是經由Stuart Murdoch全新灌錄，除了改動了一點編曲，更找來電影版三名主角重新演繹，而這一次的重點vocal，落在女主角Emily Browning身上（她最著名的演出是《Sucker Punch》）。

對比Catherine Ireton和Emily Browning，Catherine Ireton在歌曲演繹上自然是無可挑剔的，但Emily Browning的演繹明顯多了一點更core的東西——作為女主角的她，真的進入了角色的生命，多用了一個角色演繹者角度（而不是單純的作為一個歌手），去呈現歌曲的內在生命；尤其是主題曲《God Help the Girl》，當你聽過Emily的新版本，再聽Catherine的原版，應該會嫌Catherine版實在太過四平八穩。這情況不止出現在一首歌，而是幾乎所有由Emily唱的新版本，都比Catherine的來得更動聽。原來同一批歌，由不同人演繹，真的會產生完全不同的效果。

而更重要是，聽完這張soundtrack，我很想立即看到這齣戲，同時有衝動找B&S的專輯來重溫，找回逝去了的那段青澀歲月，叫自己保持一顆赤子之心面對這個不知所謂的兇暴年代。

小兵
(原刊載於信報)

一切從真實感開始

電影《一切從音樂再開始》提出了一個問題：歌手或音樂創作人吸引樂迷的，是真實感抑或是經由監製或經理人額外加工的形象？電影沒有給予明確答案。姬拉麗莉的唱作人角色，固然以她本人的真實感吸引了唱片監製Mark Ruffalo，但不能否定是，Mark 的澎湃諗頭，的確為姬拉麗莉的唱作人魅力add value。

像唱作人Banks，我會買她的首張專輯，是被那個唱片封套吸引，以致我在還沒有認真了解她的音樂風格是否適合自己前，便忍不住買下了。Banks，全名Jillian Rose Banks，美國唱作人，今年二十六歲。

她的第一個音樂回憶來自Tracy Chapman。有一次她坐在媽咪的車裏，偶然聽到一把動人的歌聲，動人到直指她的年輕心靈，後來她知道，當日那把動人歌聲是Tracy Chapman。
早在十四五歲，Banks開始寫歌。接觸音樂，是因為父母離異，她要找一個心靈出口；而偶然得到一部keyboard，便開始自學。她說，在那個寂寞和無助的時候，她唯一的情緒宣洩方法，是音樂。

彈奏音樂涉及的是技巧，創作音樂則牽涉態度。在創作音樂的態度上，Banks有Lauryn Hill和Fiona Apple兩個啟蒙。如果真的事無不可對人言，寫歌應該一樣，她喜歡Fiona Apple夠膽把任何最私密的東西放進歌裏，讓聽眾去接收、感受，在Fiona Apple的歌曲裏我們可以聽到一種真實感，一種唱作人直接透過歌曲跟聽眾溝通的真實感。

走出睡房

Banks匿在睡房裏創作，多年來寫下了一定數量的歌，但從沒有向身邊人大肆宣揚，畢竟寫歌對她來說，在最初只是一種自我治癒，而不是自我宣傳。

直至去年，她遇上了日後的經理人，對方欣賞她的創作和歌聲，便把Before I Ever Met You放上 SoundCloud一條非公開的link，然後，出乎意料地，被DJ放到節目中播放，Banks開始有了一點點知名度。

之後的故事，便是真的落實去錄製唱片，正式投身音樂市場。投身了商業市場，便需要宣傳，要宣傳，自然需要媒體──但Banks最初拒絕接受記者訪問，反而選擇把自己的電話號碼放上Facebook，讓樂迷直接打電話給她。我不敢判斷這是一種直率還是宣傳伎倆，但至少製造了話題，而她又的確有接聽樂迷來電。

Banks由衣着到MV，都貫徹以黑和白示人，這種顏色配搭，除了是形象上的營造，也呼應着她的音樂風格──她的歌曲被形容為dark R&B，以R&B結合電子音樂，帶有濃厚trip hop感覺，着重氣氛的渲染。

所以，Banks這張名為Goddess的debut album， 收錄的歌不帶任何甜美成分，第一次聽，如果心情或精神欠佳，甚至有可能覺得悶──但這只是假象。我不敢說Banks這張專輯是劃時代大作，而講真，當我聽了一次後重溫Lauryn Hill經典專輯The Miseducation of Lauryn Hill，甚至聽得出兩者有一點點相似；但Banks這張Goddess，依然有着高度聆聽價值，你可以從中聽到一個新生代唱作人的野心，以十四首作品去交代一個女子的私密心情──debut album便收錄十四首曲目，是相當大膽的，畢竟在這個單曲主導的年代，樂迷聽歌往往只聽一、兩首，但要真真正正理解Banks，單聽一兩首歌，明顯不足夠。

回到一開始的問題。Banks的成功純粹基於她本人的真實感還是後天的潤飾加工？我會想，是先有她的真實感再由經理人想辦法演繹、強化──但重點始終是Banks必擁有屬於她本人的真實感，真實感來自她的經歷，來自她用上十年時間去如實地創作，冇得呃。

小兵
(轉載自信報)

來自澳洲姊弟的輕怡Folk Rock

或許你不曾聽過Angus & Julia Stone這唱作組合名字，原因可能是他們來自澳洲，而我們平日接觸的外國音樂原產地不是英國就是美國。但你極有可能聽過他們的歌，不少電影電視劇都愛選用他們作品，像《吸血新世紀》系列、Grey's Anatomy、90210……

Angus & Julia Stone，由兩個人組成：Angus是細佬，Julia是家姐。兩人的父母在他們出生前，已以二人組合名義唱民謠，所以他們自小已聽過不少流行音樂，而每逢大型家庭聚會，更會聯同大家姐Catherine一齊表演，Catherine吹色士風，Julia玩小號，細佬Angus則表演長號。當然，這類表演主要用來讓大人開心。

當三姊弟踏入青春期，父母離婚，Angus開始寫歌——不因為什麼，純粹是有股衝動叫他去寫歌。完成學業後，Julia教小號（後來去了南美遊歷），Angus做工人幹粗活；放在他們眼前的只是平凡的人生。

直至一次Angus玩snowboard受傷，休養期間他開始學結他，然後，飛到南美找Julia，Angus把自己寫下的歌彈唱給Julia聽，Julia喜歡到不得了，這時，音樂成為了兩姊弟心靈交流的憑藉。

舒爽聆聽體驗

其後，Angus先回澳洲，Julia繼續她在南美未完成的旅程。當Julia回到澳洲，立即找上Angus一齊認真地玩音樂。這是2005年的事。

在最初的小型表演，二人的角色是：Angus主導，Julia和唱，但漸漸角色開始互換，變成Julia擔任vocal，Angus那和諧感濃厚的聲音則扮演和唱──有評論指Angus的和音，作用有如Paul Simon，總能為Art Garfunkel本身已極動聽的歌聲加添一份和諧美。Angus & Julia Stone大部分歌曲都採用上述形式，但有時也會各自獨唱。

2006年，兩姊弟在英國遇到第一位「貴人」。他們在祖家推出EP後，便跟英國獨立廠牌Independiente Records簽約，並搬到倫敦，期間獲Travis主將Fran Healy邀請到他的家──原來Fran Healy很喜歡他們的EP，當兩姊弟即席表演後，Fran Healy決定幫他們籌劃大碟，他本人擔任客席監製，並且提供錄音室和器材。翌年，Angus & Julia Stone推出首張專輯A Book Like This，獲得好評，但沒有令兩姊弟大紅大紫；讓他們炙手可熱的是三年後的Down the Way，他們憑這專輯在祖家舉辦的ARIA Music Awards of 2010獲頒Album of the Year及Best Adult Alternative Album兩個大獎，歌曲Big Jet Plane則奪得Single of the Year，這首歌先後獲美劇90210、One Tree Hill、Parenthood以及法國片Romantics Anonymous採用。兩姊弟終於衝出澳洲。

那麼，Angus & Julia Stone玩的究竟是什麼類型的音樂？簡單來說，就是輕怡的folk rock，他們的同名新專輯Angus & Julia Stone，風格不變，全碟十三首歌一致以folk rock為基調，共同構成一次舒爽的聆聽體驗，尤其適合在周六午後傾聽。

但folk rock是一種太具包容性的類型，新專輯裏Angus便把他對於folk rock的思考和變奏作了示範：Death Defying Acts和壓軸的Crash and Burn，前者由Julia唱，後者由Angus唱，同樣是兼具層次感的傷感ballad，同樣包含了一段頗長的樂器彈奏作為情緒的轉折，更同樣是一聽便難忘的歌曲。

或許兩姊弟唱的作的都不是什麼驚天動地破革歌曲，但講到尾，好聽才是最緊要。

小兵
( 轉載自信報)

當甜蜜的女生暴烈地唱

最近我經常在聽的是Honeyblood的首張專輯。

她們這張專輯總是令我回想起一些女性名字──都是些有點遙遠的名字。

Honeyblood由兩個來自蘇格蘭格拉斯哥的女生Stina Tweeddale和Shona McVicar組成，一位彈結他一位打鼓，而兩位都會唱。

最初知道Honeyblood成員是兩個女生，很理所當然地以為肯定離不開以下幾種音樂風格：1.以acoustic作主調的清新folk song；2.抒寫女性感傷情懷的哀傷ballad；3.洋溢甜美夢幻的dream pop。我知這種理所當然的聯想不太正確，但近年又實在出現了不少這類組合。

結果Honeyblood令我想到的竟是PJ Harvey和The Breeders。PJ Harvey，英倫唱作人。1993年推出Rid of Me，正值全球颳着grunge風潮，Rid of Me回應了這個潮流，lo-fi的取向更催生了一種粗獷的女性搖滾聲音。The Breeders，組成於1990年的美國alternative樂隊，由Kim Deal及Tanya Donelly兩位女子作主導；1993年的Last Splash是美國另類搖滾史的經典專輯，一首Cannonball把吵耳的noise pop結合在悅耳的旋律中。

獨立搖滾

或許我是在那個年代開始學聽歌，對這種獨特的女性搖滾尤其深刻，直至各代表人物樂隊退下火線或轉了風格，已很長時間沒再聽到這類聲音。所以當我一聽到Honeyblood很難不興奮。兩個成員揚言，她們的女神是Courtney Love；她們做出來的聲音，有點粗獷、有點lo-fi，簡單直接但保留了悅耳旋律的搖滾。她們曾說，創造吵耳的音樂對她們來說是很自然的事。其實，Honeyblood這個名字也透露了端倪：honey會令人以為是甜蜜女生二重唱，但結合了blood──即望落甜蜜的女生暴烈地唱出心聲。

Honeyblood沒有特別故事和秘辛，純粹是Stina寫了一批歌，想找人一起合作，經介紹下認識了Shona，兩個人便開始夾手夾腳把這批歌製作出來；沒有昂貴器材，便簡單直接地在廚房裏錄歌，絕對貫徹lo-fi精神。

到了2013年，簽了FatCat Records，正式推出首張單曲Bud，清爽的獨立搖滾，旗幟尚算鮮明。

事實是Honeyblood的音樂也得到美國音樂人的注意。她們首張專輯，是專程飛到美國樂隊The Nationals的監製Peter Katis的錄音室用了十天錄製。一開始的Fall Forever，就以一段爽勁的結他作為前奏，不拖泥帶水，女生要搖滾起來是絕不扭擰，而且有型得很。緊接的Killer Bangs，同樣的爽勁結他加兩位女生的合唱。頭兩cut，簡直就是在向The Breeders致敬。

但Honeyblood不是只懂得玩這種短促急勁的歌曲，(I'd Rather Be) Anywhere But Here和Biro，便呈現了她們在營造濃厚陰沉氣氛上的功力，而且一樣懂得製作較複雜的歌曲結構。

Choker是我很喜歡的一首。一點點lo-fi，明快的結他彈奏，結合Stina有點咄咄逼人的歌聲，令我彷彿聽到Rid of Me時那個很有型的PJ Harvey。

壓軸的Braid Burn Valley (Blink, Now You've Missed It)，是全碟最長的一曲，也是兩位女生最溫柔的時刻，但溫柔背後還是存在了暴烈的暗湧。

Honeyblood這張專輯或許未夠一鳴驚人，部分歌曲感覺甚至有點重複，但至少她們沒有販賣甜美兜售感傷，也沒有一味跟隨潮流走向，而是做自己想做的──這正是獨立搖滾最重要的核心價值。

小兵
(轉載自信報)

在愛情的迷失和創作的堅持之間

實不相瞞，之前我從沒聽過Sharon Van Etten，甚至不知道有這麼一位女唱作人。

直至那天，偶然在影音連鎖店看見一張CD，封套上的黑白照片拍下一個車廂，車廂裏有一個女子，女子把頭伸出車窗，窗外的風撲到她的臉上兼把她的頭髮吹起……

這照片或許沒什麼意思，但我喜歡得立即把這張叫Are We There的CD拿去收銀處。這就是我跟Sharon Van Etten這位美國唱作人的邂逅。

Are We There收錄的，都是以folk rock作為基調的抒情歌，配合Sharon一把自然的歌聲，聽着，有一種哀愁的味道，這種哀愁，純粹是對日常和愛情的一種無可奈何的嘆息。

因為喜歡Are We There，我立即上網找資料，知道了Sharon的不少過去。

父母職業跟音樂無關，但愛收藏唱片，Sharon自小便聽了不少經典；同時，愛唱歌的她也有參與教會合唱團，這或多或少影響了她日後創作的歌曲，都很強調和唱，藉着和唱帶出一種極具層次感的效果。

兩個男人影響深遠

而有兩個人，足以左右她的音樂生涯。一個是跟她一起生活六年的前度男友。Sharon一直都有寫歌，當她把自己的創作唱給前度男友聽，對方的回應永遠都是：好難聽，唔該收聲。或許男方說的是真心話，但潑足六年的冷水沒有令Sharon放棄，反而在某個午夜決定離開這個從沒鼓勵過自己的人。然後，回到家人身邊，繼續寫自己想唱的歌。

另一位，也是男人，TV on the Radio主將Kyp Malone。有一天，Sharon把錄有自己作品的光碟交給Kyp Malone，他平時絕不會聽這類毛遂自薦，但這次他竟然有聽，而且一聽便喜歡，除了推介給別人聽，還鼓勵Sharon：務必繼續寫下去唱下去。

前度男友持續地潑冷水而Kyp Malone卻落力鼓勵，或許，這就是不專業與專業的分別，事實證明，Kyp Malone才是真正專業的聆聽者。

但Kyp Malone並沒有為Sharon鋪出音樂大道，一切，還是靠她本人努力爭取。她一方面以handmade方式限量地發行作品（自行繪製唱片封套和隨碟附送的postcard），又到唱片擔任全職PR，讓自己理解音樂工業的實際運作。

發表首張專輯Because I Was in Love是2009年的事，那年Sharon二十八歲。

Because I Was in Love裏的歌曲製作，Sharon近乎一腳踢，歌曲的主要構成往往就是Sharon的歌聲及她手上的結他。到了翌年推出的epic，樂器運用明顯豐富了，歌曲層次感也大大增加，如果Because I Was in Love是青澀，epic明顯成熟了不少，事實是，epic的確吸引了不少音樂人的注意，其中一位是Aaron Dessner，美國俄亥俄州樂隊The National的創作大腦，他甚至擔任Sharon第三張專輯Tramp的監製。結果，Tramp叫好叫座，Sharon總算成為獨當一面的唱作人。

到了Are We There，Sharon一如以往又作又唱兼包辦大量樂器彈奏，更首度參與監製工作，專輯獲一致好評，銷量比Tramp更好。

音樂風格上，沒什麼大改動；歌曲主題依然圍繞着Sharon本人——她總是把個人經歷寫進歌詞，每首歌都在交代她的一個面向。她在跟樂迷訴說自己的故事，故事或許不夠驚天動地可歌可泣，但真摯，是你和我都會明白的。

聽着I Love You But I'm Lost和Your Love is Killing Me時我在想，那個當日狂潑Sharon冷水的男人聽到這些歌，會點諗？不過，無論佢點諗，對Sharon都不再重要了。

小兵
(轉載自信報)

迷幻地舞舞舞吧

十年前。9月。旺角信和中心地庫。

我又到了一間經常幫襯的CD舖。跟老闆閒聊期間，他提到一隊新的英國樂隊剛推出了debut album，「我估你應該鍾意。」說着，拿了一隻CD出來。

望着封套我實在不能「推理」出樂隊玩的是哪類音樂。老闆看見我那疑惑的嘴臉，索性把CD播給我聽。當第一cut前奏響起，已知老闆沒有估錯。結果，第一首歌還沒播完我已付錢買了，然後在歸家的那程巴士，急不及待把CD放進discman。

當日令我這麼衝動的是Kasabian。如果你問Kasabian是否我的最愛樂隊？一定不是。但如把問題多加幾個字：Kasabian是否「千禧打後」我的最愛樂隊？我的答案會是肯定，但也加兩粒字：Kasabian是千禧打後我的最愛樂隊「之一」。

當日他們最吸引我的是貫串整張專輯的明刀明槍迷幻氣息。迷幻，千禧後很多新樂隊都會玩，Kasabian式迷幻，不求艱澀，也不扮復古，而是追求流暢自然，自然融合在一首首擁有流行旋律的歌裏。

再看Kasabian的養分。影響他們最深的前輩有三：The Stone Roses、Primal Scream、Oasis──從這個list你大概可以估到Kasabian的創作取向是以充滿迷幻舞曲感的groovy節奏，結合在高度悅耳直截了當的搖滾之中。

十年間的五張專輯，樂隊取向始終如一，分別只是有時較重迷幻搖滾味有時則較重舞曲感。像發表首張同名專輯的兩年後，Empire偏向奏出Oasis那種刺激而簡單直接的搖滾，而事實是，Oasis也欣賞Kasabian，並邀請他們擔任自己的暖場樂隊。

出色拼貼
Empire算得上是一次痛快聆聽體驗，但我總嫌樂隊在這張專輯裏有少少迷失。2009年的West Ryder Pauper Lunatic Asylum和2011年的Velociraptor!，同樣是樂隊的重要專輯。他們把學習、承襲自The Stone Roses、Primal Scream及Oasis的搖滾養分融會貫通，結合成自己的一種風格；千禧後不少新樂隊迅速冒起，但大部分到第二或三張專輯便無以為繼，反觀Kasabian，到了第四張專輯終於證明自己不是只懂得食潮流的霎眼嬌。

最新專輯，名字單純是代表全碟長度的48:13，封套近乎沒有設計，純粹羅列專輯中十三首歌曲各自的長度。有評論狠批這是近年最差的一個唱片封套，我反而覺得很搶眼──當坊間十張有十一張唱片都在努力砌出一個美輪美奐封套時，顯得只有樂隊名字和數字的48:13更突出──甚至呈現一種近似電子樂隊專輯的簡約味。

Kasabian這次並沒有沿襲Velociraptor!，反而刻意追求更重的舞曲感──像只長三分鐘的單曲Eez-eh，根本就是向Underworld致敬的精采電子舞曲，絕對可以令你舞舞舞吧。

值得留意的作品還有：放在開場曲shiva後的bumblebee，明顯滲着一點點hip-hop的節奏感，而同時不乏迷幻感；接近七分鐘的treat，則是首結構前後迥異的重要作品，尤其後半部分，簡直就是首來自八十年代的電子舞曲。你或許接受不了Kasabian這嘗試，但不得不承認，這證明樂隊對不同歌曲類型的拼貼已遊刃有餘。

至於最接近Kasabian過往那種爽勁迷幻搖滾的doomsday，聽一次已可跟着唱。

壓軸的s.p.s，Kasabian以一首抒情ballad收結。問心，48:13在我心裏位置及不上Velociraptor!，但依然是樂隊的一張優秀作品，也是本年的一張重要作品。

小兵
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兩男子的純粹搖滾探索

如果突然要我隨口講出一些二人樂隊來，我想我只能講出The White Stripes和The Black Keys。

同樣來自美國，同樣以garage rock、blues rock作為音樂主調。The White Stripes首先紅起來，The Black Keys則直到2008年才算是正式殺入主流。The White Stripes已於2011年停止運作，The Black Keys幾近拆夥但最後還是繼續走在一起做音樂。甚至揚言，希望十年後還能繼續合作。

第一次接觸他們，是2008年的大熱專輯Attack & Release，我相當喜歡，但當時根本不知道這是他們簽了大公司後的首張作品。Attack & Release之前的The Black Keys，是一個無心插柳的奮鬥小故事。Dan Auerbach和Patrick Carney，同樣住在俄亥俄州，八歲已見過對方，到念高中時正式成為朋友——Dan Auerbach是運動健將，Patrick Carney則是不起眼的四眼仔，但音樂把他們拉在一起。剛學結他的Dan Auerbach，跟擁有一套鼓的Patrick Carney開始夾歌。成年後，Dan Auerbach打算在小酒吧表演賺取生活費，想錄製一些demo，於是找來Patrick Carney。

兩個男人，一支結他一套鼓，錄了六首歌。他們把demo寄給各大唱片公司，最後一間洛杉磯小型獨立label跟他們簽約。最初兩張專輯The Big Come Up和Thickfreakness都是在Patrick Carney的地牢錄製。外界評語不俗，卻沒有為他們帶來任何名聲和收入。直至Rubber Factory開始獲主流媒體報道和留意；Magic Potion更進一步。

決定討好自己

The Black Keys開始踏入一個新階段。在這個新階段，多了綽號Danger Mouse的Brian Joseph Burton參與，之後的Brothers和El Camino，繼續有Danger Mouse高度參與，這兩張專輯把The Black Keys推至事業最高峰。

然後是今年剛推出的第八張專輯Turn Blue。離El Camino整整三年，期間Dan Auerbach離了婚，情緒嚴重受困，在錄音室甚至試過哼不出一個音來。此外，他們也在認真思考發展方向：捱了多年，總算成功了，應該努力唱一些單純取悅樂迷的歌？還是重拾當日走在一起jam歌的心，去創作一些先討好自己的歌？結果，他們選了後者。

Turn Blue不少歌詞都記錄了Dan Auerbach離婚後的心情，但專輯沒有一面倒陷入一種自憐自傷的絕望情緒；也沒有再像El Camino般大野心地把五十至七十年代的搖滾類型來一次整合，反而走回garage rock和blues rock的路向，並加入了一點迷幻，像打頭陣、長達七分鐘的Weight of Love，便是The Black Keys典型的流水行雲式長篇曲目，超級精采。打後的十首歌，則是Weight of Love的延伸發展，而因為同樣有Danger Mouse高度參與，部分歌曲有點像他的side project樂隊Broken Bells的Space Rock感覺，但由The Black Keys演繹，又不覺突兀。The Black Keys，還是The Black Keys。

The Black Keys不是那種無時無刻都要帶來革命的搖滾救世主，也沒有什麼重要偉大的statement藉着歌曲發表，多年來都只是做一些自己喜歡的音樂。我喜歡這種純粹的創作之心。

小兵
(轉載自信報)

二十年前， 搖滾巨星的誕生

我是因為Oasis而開始認真學聽歌的。他們的debut album Definitely Maybe，終於到了紀念面世二十周年的時候。回到二十年前，搖滾潮流由美國的grunge主導，代表人物是Nirvana的Kurt Cobain，他成為了generation X的指導性人物。結果，他在1994年4月吞槍自殺。Grunge年代正式告終。

在Kurt Cobain逝世後六日，Oasis推出了首張單曲Supersonic。對比同年代其他搖滾作品，Supersonic沒有複雜曲式，更加沒有任何複雜含意，就是很純粹的英倫結他音樂。

搖滾從來都不需要過分複雜的賣弄，有時簡單直接，更有力量和感染力。

這也是Noel當日加入Oasis的主張。在他未加入的時候，Oasis原名The Rain，成員只有他親細佬Liam Gallagher、Paul Arthurs、Paul McGuigan和Tony McCarroll，後來Liam找Noel加入，Noel應承，條件是他要執掌創作主導權。他要求成員在彈奏上不可有過分複雜花巧的彈奏。
事實證明，Noel是正確的，他對旋律的敏銳度，配合簡單直接的音樂，讓Oasis歌曲易入腦，最短時間招攬樂迷。

Definitely Maybe推出前，Oasis先發表了三首單曲，真正為大碟成功造勢的是第三張，Live Forever，成為樂隊首張打入英國單曲榜十大的作品。Live Forever的樂觀情緒，跟當年grunge充斥的絕望感迥然不同，而更重要是歌曲直接明快，聽一次，你已可跟住唱。

新舊版分別

然後，Definitely Maybe正式推出，Oasis立即成為英倫搖滾新代言人，加上同年發表了Parklife的Blur及一眾英國樂隊推波助瀾相繼交出重要作品，brit-pop成為一個風潮。

二十年後再聽Definitely Maybe，依然不覺得過時，更證明了Noel真的是旋律聖手。當中十一首歌，都獨當一面都襟聽。對比Blur的中產知識分子味道，Noel更能創作一些面向群眾的旋律，這種創作取向，也促成Oasis成為國民樂隊。

這一次為紀念二十周年而推出的Remastered版，老實說，跟二十年前所聽的版本分別不大，樂迷會去買，也只是為了當中所收錄的歌曲demo；如果你從沒聽過，就算買坊間依然找到的舊版一樣可以；而跟大佬Noel鬧翻多年的Liam，甚至公開叫人根本不用購買這個二十周年紀念版，因為過去版本已經太完美。

回首brit-pop，很多人指出這個音樂潮流其實沒有為搖滾帶來什麼改革或新思維，只是把昔日的英倫搖滾再演繹而已……但無可否認，這已經算是最後一個能夠真正掀動市場的搖滾潮流－－是的，之後還有nu-metal，由世紀末過渡千禧，但影響幅度明顯及不上brit-pop，再後來的post-punk revival，影響幅度更小。

但brit-pop不像grunge。Grunge扣緊時代和社會，成為generation X的成長進行曲，音樂，真真正正的回應了一個虛無的世代。觀乎brit-pop，影響由始至終只限於音樂。
其實Definitely Maybe第一首歌已經講明了樂隊的心聲：Tonight I'm a Rock 'n' Roll star－－他們要做的就是搖滾巨星，而他們目標達到了。

我是因為Oasis而開始認真學聽歌。終於明白到，真正偉大的音樂，應該包含更多。

小兵
(轉載自信報)

Damon Albarn 的最個人專輯

《Everyday Robots》，Blur主唱Damon Albarn首張個人專輯。

這應該是今年其中一張最期待專輯——尤其對於在上世紀90年代經歷過Brit-Pop洗禮的樂迷。當年聽Brit-Pop大的青年（如我），如今都已步入中年，而Brit-Pop，已經有足夠資格被世人懷舊。

1994年，Brit-Pop元年，不同樂隊均從傳統英國搖滾提取養份，再吸收、轉化成不同風格，這股新英倫搖滾，成功擊退來自美國的Grunge。
 那一年，Blur發表了他們最重要的專輯《Parklife》，揚名立萬；其後，樂隊經歷了風格轉變、Graham Coxon離隊、後來再一次歸隊……重組後的Blur，有新單曲，但就是沒有落實會再發表新專輯（對上一張《Think Tank》已經是2003年的事）。

Damon Albarn本人，其實從不間斷地推出專輯，只是每一次都跟不同類型的音樂人合作，創作跟Blur迥異的音樂，展示他多樣化的音樂興趣：例如虛擬樂團Gorillaz的Hip-Hop，又例如The Good, The Bad & The Queen的Folk和Art Rock，此外在個別作品還滲透了他對Gospel、非洲部族音樂、爵士等的涉獵……偏偏從來沒有再在Brit-Pop上有任何注腳（反觀Graham Coxon的個人專輯裡，不時聽到具有濃厚Brit-Pop感的歌曲）。

Damon Albarn成功在：他每一次進行新音樂計劃，都可以搞得有聲有色兼有迴響，而最成功的，自然是Gorillaz，你會發現，他其實很能掌握世界潮流走向。

至於《Everyday Robots》，則是Damon Albarn對個人音樂喜好的整合——但（理所當然地）不含任何Brit-Pop成份。

回到三年前，Damon Albarn公布會製作個人專輯，音樂類型方面，他形容，會是一次Folk和Soul的結合。

一如以往所有side project必定有外援，這一次，Damon Albarn也有找來不同音樂個體 / 團體合作，包括Brian Eno、本名Natasha Khan的唱作人Bat for Lashes，以及The Leytonstone City Mission Choir。

對於外界強調這是他的「個人專輯」，Damon Albarn回應說，他不喜歡「個人」這個形容——I don't really want to be solo in my life——但無論怎樣形容，這的確是他首次以個人名義發表的專輯，也肯定是最個人化的一次：歌曲主題，都是圍繞Damon Albarn本人，包括他的過去，也有他對生活在這時代的感受。

像《Everyday Robots》，創作緣起便來自他在加州大塞車的經歷：他看到身邊人的眼神都專注在手機上，歌詞第一句這樣寫：We are everyday robots on our phones, In the process of getting home——每人都在那小小的手機熒幕上找到屬於自己的世界，但同時也失落在那個世界；我們明明是在使用機械，只是當人人都在做著同一件事時，我們其實也在逐步變成機械。

《Everyday Robots》說現在（甚至預視未來），《Hollow Ponds》則回望過去，Damon Albarn在歌詞中提到四個年份：1976、1979、1991以及1993，其中1976所說的是那一年夏天，英國錄得自有紀錄以來最高的溫度。其餘三個年份，則同時指涉著Damon Albarn的成長，但沒有寫明發生了甚麼（唯一是1993提及Modern Life，應是指Blur在那年發表《Modern Life is Rubbish》專輯。

整張專輯以中慢板歌曲為主，感覺像是The Good, The Bad & The Queen的同名專輯，分別是來得低調，滲透著一種自省氣氛，Damon Albarn既跟你訴說著他的生活感受，同時在跟年過四十的自己，進行一次對話。

唯一例外是《Mr. Tembo》。Tembo在東非斯瓦希里語中意思是大象，這首優美輕快的歌，是Damon Albarn為一頭他在坦桑尼亞遇見的小象而寫，配合The Leytonstone City Mission Choir的和唱，是一次對大自然的禮讚。

如果你心裡的Damon Albarn仍然停留在《Parklife》年代，《Everyday Robots》必定叫你失望，甚至嗌悶。但既然人家都已長大，並去開展另一個新階段，你也不需要只停留在過去。

小兵
(轉載自信報)