極端金屬音樂的門常開

過去不少朋友總是這樣形容外國搖滾：鬼殺咁嘈都唔知有乜好聽。

他們口中所謂的「鬼殺咁嘈」，涵蓋面極廣，不論是Nirvana、Green Day、Oasis、The Rolling Stones 甚或Travis，都一概被他們標籤為鬼殺咁嘈。總之，只要不是中慢板廣東歌那種溫吞抒情的，便是鬼殺咁嘈。

聽歌是很個人的事，偏見是更個人的事，所以我從來不會跟他們解釋我選聽以上樂隊的原因。而事實是，他們根本沒有接觸過真正的鬼殺咁嘈。

Metal，金屬音樂當中，也有層次和類型的細分。像Slipknot，可以肯定我的那班朋友會認為是鬼殺咁嘈之極致，但對一些鍾情extreme metal 的樂迷來說，Slipknot一點都不嘈，只是在商業市場中取悅大眾的小兒科金屬。

這裏不詳細說明metal 或extreme metal 的分類和歷史了，只說nu-metal這個在上世紀九十年代末開展至千禧後不久便宣告玩完的音樂潮流。Nu-metal的特色大概如下：一、剔除了金屬音樂必備的結他獨奏部分；二、但同時加入了hip-hop的說唱；三、比傳統金屬更重視流行旋律；四、vocal以clear voice為主，也包括咆哮和嘶叫，但不會有death metal的嘔泥式唱腔；五、當然是秉承金屬音樂的激烈吵耳，但又維持在一個大部分樂迷所能接受的程度。基於nu-metal樂隊以美國（洛杉磯）為主，這個音樂潮流也被認為是美國對九十年代中期英國以Brit-pop搶佔世界音樂市場的反擊。

Slipknot 正是在這潮流中出道、走紅，亦理所當然地被歸類為nu-metal，但他們自己從不認同玩的是nu-metal。來自愛荷華州的Slipknot，最先引人注意的肯定是造型：全體成員戴上不同造型恐怖面具亮相，僅以號碼來代替各人身份，成功製造了話題（隨知名度提高，各人真實臉容已先後曝光）—— 樂隊主將Corey Taylor 說，他童年時看過一次John Carpenter 的《月光光心慌慌》，便被面具深深吸引。

Slipknot早在1995年已組成，一開始沒有唱片公司支持，只靠成員自資錄歌找機會碰運氣，期間歷經多次成員更替及風格整合，才捱出頭來。

對比其他nu-metal 樂隊Korn、Limp Bizkit 及Linkin Park，Slipknot對金屬音樂有更具野心的類型整合：他們抽取了thrash metal的特點，大部分歌曲都有密集的結他riff及鼓擊；有hip-hop成分，但又不像同時代nu-metal樂隊般被hip-hop主導—— 而最標誌性的絕對是vocal，主唱Corey Taylor音域極廣，同一首歌，可以由clear voice變成咆哮和嘶叫再變回clear voice，又能夠同時加上近乎嘔泥式的death metal唱腔，所以Slipknot的歌曲表現力比其他nu-metal樂隊豐富，他們也認為自己的音樂更貼近heavy metal。

流行修飾加重型取向

當大部分nu-metal樂隊已解散，Slipknot依然健在。由1999 年至今共推出了五張專輯。新作.5: The Gray Chapter，樂隊形容是2001 年Iowa 和2004 年Vol. 3: (The Subliminal Verses) 的結合，有對金屬音樂的流行修飾，也保留了樂隊的重型取向，像The Devil in I 和Killpop 便展示他們對金屬音樂結構的重視，不是由頭嘈到尾，反而是強調情緒的鋪陳；Killpop 末段的結他獨奏，更可聽到Slipknot 對傳統heavy metal 的不離不棄。至於Goodbye ，單聽抒情的前段，你根本不覺自己在聽金屬音樂；但愈推展下去，卻由抒情過渡至激烈，這就是Slipknot與別不同的地方。

鍾情extreme metal的樂迷會認為Slipknot只是小兒科。的確，Slipknot把各種extreme metal元素調整得更具流行味更易入口，我當日也是因為他們才進一步接觸extreme metal。或許這麼說吧，Slipknot的音樂除了幫助宣洩情緒，也是認識extreme metal 的一道方便之門——當然，你大可以選擇不闖進這道門。

小兵
(轉載自信報)

一顆赤子之心的重新演繹

在這個紛亂的時候，聽甚麼歌都似乎留不了神入不了心。

本來想寫Interpol的新專輯。不是不好聽，甚至稱得上是樂隊的回勇之作，但聽來聽去，那種激烈的Post Punk聲音，總是令我想起在facebook看到的各種離譜的衝擊性相片和短片，想起身邊不少朋友都為了信念而冒險上街，也令我想起那天首次聞到催淚彈時的「滋味」……

然後我突然想起最近在某電影節作有限度放映的《God Help the Girl》。

我沒有看電影，但Soundtrack一早買了，只是一直沒有聽。直至過去一個星期終於拿來認真地聽，很奇妙，竟然有著令浮躁的自己安靜下來的作用。

回到18年前，格拉斯哥樂隊Belle and Sebastian推出了他們第一張專輯《Tigermilk》，一班青年人用赤子之心青澀的歌聲，配合帶點復古味的音樂，創作了一首首書寫青春的清新歌曲。

樂隊由獨立逐漸走進主流，終於紅起來，同時也經歷大部分知名樂隊所面對的問題：創作變得流行味漸重而被指有媚俗傾向（但問心，Belle and Sebastian在這方面不算嚴重），吸納了（純粹追潮流的）新樂迷卻離棄了原來樂迷，而同時創隊成員先後離開——我承認，當Isobel Campbell在2002年決定離開樂隊時，Belle and Sebastian對我已經不再吸引了。

不過，只要創作主腦Stuart Murdoch還留守，Belle and Sebastian依然是一個強韌生命體。專輯還是繼續推出，即使統統超越不了最初三張，但依然維持一定程度的動聽（所以我依然有買）。

在2004年一次宣傳新碟的表演中，Stuart Murdoch突然有個想法：不如寫一系列專門書寫少女心事的歌曲，並找女生去唱（畢竟Isobel離開後，Belle and Sebastian已變成以男vocal為主導的樂隊）。這個project，就是God Help the Girl的最初。

Stuart Murdoch隨即登廣告招募、試音……最後選中了三名女生：Catherine Ireton、Brittany Stallings以及Dina Bankole，並在2009年推出了一張同名專輯。表面上，樂隊是三名女生組成，但其實以Catherine Ireton為主（Stuart Murdoch第一個選中的也是她，另外兩位是直至2008年才加入的），專輯14首歌曲，她便唱了10首。

這張算得上隆重其事的《God Help the Girl》，無疑是有一點新鮮感，但其實還是Stuart Murdoch / Belle and Sebastian的慣常套路——不如這麼說吧，不就是一張主要以女聲演繹的B&S專輯。專輯，算是有點迴響而已。

但原來Stuart Murdoch並非打算只推出一張專輯就了事。他腦海中的project，由始至終都包括拍一齣音樂電影。

十年後，2014年1月，《God Help the Girl》終於在美國Sundance Film Festival首映。
電影是有關兩女一男共同找尋音樂夢想的純真故事。由於我還沒看，不知道電影拍得如何，但看過的人普遍以讚的居多；而讚，很大程度上是因為當中的音樂。

是的，電影中出現的歌曲，也就是2009年那張專輯所輯錄的，但不是照搬來用，而是經由Stuart Murdoch全新灌錄，除了改動了一點編曲，更找來電影版三名主角重新演繹，而這一次的重點vocal，落在女主角Emily Browning身上（她最著名的演出是《Sucker Punch》）。

對比Catherine Ireton和Emily Browning，Catherine Ireton在歌曲演繹上自然是無可挑剔的，但Emily Browning的演繹明顯多了一點更core的東西——作為女主角的她，真的進入了角色的生命，多用了一個角色演繹者角度（而不是單純的作為一個歌手），去呈現歌曲的內在生命；尤其是主題曲《God Help the Girl》，當你聽過Emily的新版本，再聽Catherine的原版，應該會嫌Catherine版實在太過四平八穩。這情況不止出現在一首歌，而是幾乎所有由Emily唱的新版本，都比Catherine的來得更動聽。原來同一批歌，由不同人演繹，真的會產生完全不同的效果。

而更重要是，聽完這張soundtrack，我很想立即看到這齣戲，同時有衝動找B&S的專輯來重溫，找回逝去了的那段青澀歲月，叫自己保持一顆赤子之心面對這個不知所謂的兇暴年代。

小兵
(原刊載於信報)

一切從真實感開始

電影《一切從音樂再開始》提出了一個問題：歌手或音樂創作人吸引樂迷的，是真實感抑或是經由監製或經理人額外加工的形象？電影沒有給予明確答案。姬拉麗莉的唱作人角色，固然以她本人的真實感吸引了唱片監製Mark Ruffalo，但不能否定是，Mark 的澎湃諗頭，的確為姬拉麗莉的唱作人魅力add value。

像唱作人Banks，我會買她的首張專輯，是被那個唱片封套吸引，以致我在還沒有認真了解她的音樂風格是否適合自己前，便忍不住買下了。Banks，全名Jillian Rose Banks，美國唱作人，今年二十六歲。

她的第一個音樂回憶來自Tracy Chapman。有一次她坐在媽咪的車裏，偶然聽到一把動人的歌聲，動人到直指她的年輕心靈，後來她知道，當日那把動人歌聲是Tracy Chapman。
早在十四五歲，Banks開始寫歌。接觸音樂，是因為父母離異，她要找一個心靈出口；而偶然得到一部keyboard，便開始自學。她說，在那個寂寞和無助的時候，她唯一的情緒宣洩方法，是音樂。

彈奏音樂涉及的是技巧，創作音樂則牽涉態度。在創作音樂的態度上，Banks有Lauryn Hill和Fiona Apple兩個啟蒙。如果真的事無不可對人言，寫歌應該一樣，她喜歡Fiona Apple夠膽把任何最私密的東西放進歌裏，讓聽眾去接收、感受，在Fiona Apple的歌曲裏我們可以聽到一種真實感，一種唱作人直接透過歌曲跟聽眾溝通的真實感。

走出睡房

Banks匿在睡房裏創作，多年來寫下了一定數量的歌，但從沒有向身邊人大肆宣揚，畢竟寫歌對她來說，在最初只是一種自我治癒，而不是自我宣傳。

直至去年，她遇上了日後的經理人，對方欣賞她的創作和歌聲，便把Before I Ever Met You放上 SoundCloud一條非公開的link，然後，出乎意料地，被DJ放到節目中播放，Banks開始有了一點點知名度。

之後的故事，便是真的落實去錄製唱片，正式投身音樂市場。投身了商業市場，便需要宣傳，要宣傳，自然需要媒體──但Banks最初拒絕接受記者訪問，反而選擇把自己的電話號碼放上Facebook，讓樂迷直接打電話給她。我不敢判斷這是一種直率還是宣傳伎倆，但至少製造了話題，而她又的確有接聽樂迷來電。

Banks由衣着到MV，都貫徹以黑和白示人，這種顏色配搭，除了是形象上的營造，也呼應着她的音樂風格──她的歌曲被形容為dark R&B，以R&B結合電子音樂，帶有濃厚trip hop感覺，着重氣氛的渲染。

所以，Banks這張名為Goddess的debut album， 收錄的歌不帶任何甜美成分，第一次聽，如果心情或精神欠佳，甚至有可能覺得悶──但這只是假象。我不敢說Banks這張專輯是劃時代大作，而講真，當我聽了一次後重溫Lauryn Hill經典專輯The Miseducation of Lauryn Hill，甚至聽得出兩者有一點點相似；但Banks這張Goddess，依然有着高度聆聽價值，你可以從中聽到一個新生代唱作人的野心，以十四首作品去交代一個女子的私密心情──debut album便收錄十四首曲目，是相當大膽的，畢竟在這個單曲主導的年代，樂迷聽歌往往只聽一、兩首，但要真真正正理解Banks，單聽一兩首歌，明顯不足夠。

回到一開始的問題。Banks的成功純粹基於她本人的真實感還是後天的潤飾加工？我會想，是先有她的真實感再由經理人想辦法演繹、強化──但重點始終是Banks必擁有屬於她本人的真實感，真實感來自她的經歷，來自她用上十年時間去如實地創作，冇得呃。

小兵
(轉載自信報)

來自澳洲姊弟的輕怡Folk Rock

或許你不曾聽過Angus & Julia Stone這唱作組合名字，原因可能是他們來自澳洲，而我們平日接觸的外國音樂原產地不是英國就是美國。但你極有可能聽過他們的歌，不少電影電視劇都愛選用他們作品，像《吸血新世紀》系列、Grey's Anatomy、90210……

Angus & Julia Stone，由兩個人組成：Angus是細佬，Julia是家姐。兩人的父母在他們出生前，已以二人組合名義唱民謠，所以他們自小已聽過不少流行音樂，而每逢大型家庭聚會，更會聯同大家姐Catherine一齊表演，Catherine吹色士風，Julia玩小號，細佬Angus則表演長號。當然，這類表演主要用來讓大人開心。

當三姊弟踏入青春期，父母離婚，Angus開始寫歌——不因為什麼，純粹是有股衝動叫他去寫歌。完成學業後，Julia教小號（後來去了南美遊歷），Angus做工人幹粗活；放在他們眼前的只是平凡的人生。

直至一次Angus玩snowboard受傷，休養期間他開始學結他，然後，飛到南美找Julia，Angus把自己寫下的歌彈唱給Julia聽，Julia喜歡到不得了，這時，音樂成為了兩姊弟心靈交流的憑藉。

舒爽聆聽體驗

其後，Angus先回澳洲，Julia繼續她在南美未完成的旅程。當Julia回到澳洲，立即找上Angus一齊認真地玩音樂。這是2005年的事。

在最初的小型表演，二人的角色是：Angus主導，Julia和唱，但漸漸角色開始互換，變成Julia擔任vocal，Angus那和諧感濃厚的聲音則扮演和唱──有評論指Angus的和音，作用有如Paul Simon，總能為Art Garfunkel本身已極動聽的歌聲加添一份和諧美。Angus & Julia Stone大部分歌曲都採用上述形式，但有時也會各自獨唱。

2006年，兩姊弟在英國遇到第一位「貴人」。他們在祖家推出EP後，便跟英國獨立廠牌Independiente Records簽約，並搬到倫敦，期間獲Travis主將Fran Healy邀請到他的家──原來Fran Healy很喜歡他們的EP，當兩姊弟即席表演後，Fran Healy決定幫他們籌劃大碟，他本人擔任客席監製，並且提供錄音室和器材。翌年，Angus & Julia Stone推出首張專輯A Book Like This，獲得好評，但沒有令兩姊弟大紅大紫；讓他們炙手可熱的是三年後的Down the Way，他們憑這專輯在祖家舉辦的ARIA Music Awards of 2010獲頒Album of the Year及Best Adult Alternative Album兩個大獎，歌曲Big Jet Plane則奪得Single of the Year，這首歌先後獲美劇90210、One Tree Hill、Parenthood以及法國片Romantics Anonymous採用。兩姊弟終於衝出澳洲。

那麼，Angus & Julia Stone玩的究竟是什麼類型的音樂？簡單來說，就是輕怡的folk rock，他們的同名新專輯Angus & Julia Stone，風格不變，全碟十三首歌一致以folk rock為基調，共同構成一次舒爽的聆聽體驗，尤其適合在周六午後傾聽。

但folk rock是一種太具包容性的類型，新專輯裏Angus便把他對於folk rock的思考和變奏作了示範：Death Defying Acts和壓軸的Crash and Burn，前者由Julia唱，後者由Angus唱，同樣是兼具層次感的傷感ballad，同樣包含了一段頗長的樂器彈奏作為情緒的轉折，更同樣是一聽便難忘的歌曲。

或許兩姊弟唱的作的都不是什麼驚天動地破革歌曲，但講到尾，好聽才是最緊要。

小兵
( 轉載自信報)

當甜蜜的女生暴烈地唱

最近我經常在聽的是Honeyblood的首張專輯。

她們這張專輯總是令我回想起一些女性名字──都是些有點遙遠的名字。

Honeyblood由兩個來自蘇格蘭格拉斯哥的女生Stina Tweeddale和Shona McVicar組成，一位彈結他一位打鼓，而兩位都會唱。

最初知道Honeyblood成員是兩個女生，很理所當然地以為肯定離不開以下幾種音樂風格：1.以acoustic作主調的清新folk song；2.抒寫女性感傷情懷的哀傷ballad；3.洋溢甜美夢幻的dream pop。我知這種理所當然的聯想不太正確，但近年又實在出現了不少這類組合。

結果Honeyblood令我想到的竟是PJ Harvey和The Breeders。PJ Harvey，英倫唱作人。1993年推出Rid of Me，正值全球颳着grunge風潮，Rid of Me回應了這個潮流，lo-fi的取向更催生了一種粗獷的女性搖滾聲音。The Breeders，組成於1990年的美國alternative樂隊，由Kim Deal及Tanya Donelly兩位女子作主導；1993年的Last Splash是美國另類搖滾史的經典專輯，一首Cannonball把吵耳的noise pop結合在悅耳的旋律中。

獨立搖滾

或許我是在那個年代開始學聽歌，對這種獨特的女性搖滾尤其深刻，直至各代表人物樂隊退下火線或轉了風格，已很長時間沒再聽到這類聲音。所以當我一聽到Honeyblood很難不興奮。兩個成員揚言，她們的女神是Courtney Love；她們做出來的聲音，有點粗獷、有點lo-fi，簡單直接但保留了悅耳旋律的搖滾。她們曾說，創造吵耳的音樂對她們來說是很自然的事。其實，Honeyblood這個名字也透露了端倪：honey會令人以為是甜蜜女生二重唱，但結合了blood──即望落甜蜜的女生暴烈地唱出心聲。

Honeyblood沒有特別故事和秘辛，純粹是Stina寫了一批歌，想找人一起合作，經介紹下認識了Shona，兩個人便開始夾手夾腳把這批歌製作出來；沒有昂貴器材，便簡單直接地在廚房裏錄歌，絕對貫徹lo-fi精神。

到了2013年，簽了FatCat Records，正式推出首張單曲Bud，清爽的獨立搖滾，旗幟尚算鮮明。

事實是Honeyblood的音樂也得到美國音樂人的注意。她們首張專輯，是專程飛到美國樂隊The Nationals的監製Peter Katis的錄音室用了十天錄製。一開始的Fall Forever，就以一段爽勁的結他作為前奏，不拖泥帶水，女生要搖滾起來是絕不扭擰，而且有型得很。緊接的Killer Bangs，同樣的爽勁結他加兩位女生的合唱。頭兩cut，簡直就是在向The Breeders致敬。

但Honeyblood不是只懂得玩這種短促急勁的歌曲，(I'd Rather Be) Anywhere But Here和Biro，便呈現了她們在營造濃厚陰沉氣氛上的功力，而且一樣懂得製作較複雜的歌曲結構。

Choker是我很喜歡的一首。一點點lo-fi，明快的結他彈奏，結合Stina有點咄咄逼人的歌聲，令我彷彿聽到Rid of Me時那個很有型的PJ Harvey。

壓軸的Braid Burn Valley (Blink, Now You've Missed It)，是全碟最長的一曲，也是兩位女生最溫柔的時刻，但溫柔背後還是存在了暴烈的暗湧。

Honeyblood這張專輯或許未夠一鳴驚人，部分歌曲感覺甚至有點重複，但至少她們沒有販賣甜美兜售感傷，也沒有一味跟隨潮流走向，而是做自己想做的──這正是獨立搖滾最重要的核心價值。

小兵
(轉載自信報)

在愛情的迷失和創作的堅持之間

實不相瞞，之前我從沒聽過Sharon Van Etten，甚至不知道有這麼一位女唱作人。

直至那天，偶然在影音連鎖店看見一張CD，封套上的黑白照片拍下一個車廂，車廂裏有一個女子，女子把頭伸出車窗，窗外的風撲到她的臉上兼把她的頭髮吹起……

這照片或許沒什麼意思，但我喜歡得立即把這張叫Are We There的CD拿去收銀處。這就是我跟Sharon Van Etten這位美國唱作人的邂逅。

Are We There收錄的，都是以folk rock作為基調的抒情歌，配合Sharon一把自然的歌聲，聽着，有一種哀愁的味道，這種哀愁，純粹是對日常和愛情的一種無可奈何的嘆息。

因為喜歡Are We There，我立即上網找資料，知道了Sharon的不少過去。

父母職業跟音樂無關，但愛收藏唱片，Sharon自小便聽了不少經典；同時，愛唱歌的她也有參與教會合唱團，這或多或少影響了她日後創作的歌曲，都很強調和唱，藉着和唱帶出一種極具層次感的效果。

兩個男人影響深遠

而有兩個人，足以左右她的音樂生涯。一個是跟她一起生活六年的前度男友。Sharon一直都有寫歌，當她把自己的創作唱給前度男友聽，對方的回應永遠都是：好難聽，唔該收聲。或許男方說的是真心話，但潑足六年的冷水沒有令Sharon放棄，反而在某個午夜決定離開這個從沒鼓勵過自己的人。然後，回到家人身邊，繼續寫自己想唱的歌。

另一位，也是男人，TV on the Radio主將Kyp Malone。有一天，Sharon把錄有自己作品的光碟交給Kyp Malone，他平時絕不會聽這類毛遂自薦，但這次他竟然有聽，而且一聽便喜歡，除了推介給別人聽，還鼓勵Sharon：務必繼續寫下去唱下去。

前度男友持續地潑冷水而Kyp Malone卻落力鼓勵，或許，這就是不專業與專業的分別，事實證明，Kyp Malone才是真正專業的聆聽者。

但Kyp Malone並沒有為Sharon鋪出音樂大道，一切，還是靠她本人努力爭取。她一方面以handmade方式限量地發行作品（自行繪製唱片封套和隨碟附送的postcard），又到唱片擔任全職PR，讓自己理解音樂工業的實際運作。

發表首張專輯Because I Was in Love是2009年的事，那年Sharon二十八歲。

Because I Was in Love裏的歌曲製作，Sharon近乎一腳踢，歌曲的主要構成往往就是Sharon的歌聲及她手上的結他。到了翌年推出的epic，樂器運用明顯豐富了，歌曲層次感也大大增加，如果Because I Was in Love是青澀，epic明顯成熟了不少，事實是，epic的確吸引了不少音樂人的注意，其中一位是Aaron Dessner，美國俄亥俄州樂隊The National的創作大腦，他甚至擔任Sharon第三張專輯Tramp的監製。結果，Tramp叫好叫座，Sharon總算成為獨當一面的唱作人。

到了Are We There，Sharon一如以往又作又唱兼包辦大量樂器彈奏，更首度參與監製工作，專輯獲一致好評，銷量比Tramp更好。

音樂風格上，沒什麼大改動；歌曲主題依然圍繞着Sharon本人——她總是把個人經歷寫進歌詞，每首歌都在交代她的一個面向。她在跟樂迷訴說自己的故事，故事或許不夠驚天動地可歌可泣，但真摯，是你和我都會明白的。

聽着I Love You But I'm Lost和Your Love is Killing Me時我在想，那個當日狂潑Sharon冷水的男人聽到這些歌，會點諗？不過，無論佢點諗，對Sharon都不再重要了。

小兵
(轉載自信報)

迷幻地舞舞舞吧

十年前。9月。旺角信和中心地庫。

我又到了一間經常幫襯的CD舖。跟老闆閒聊期間，他提到一隊新的英國樂隊剛推出了debut album，「我估你應該鍾意。」說着，拿了一隻CD出來。

望着封套我實在不能「推理」出樂隊玩的是哪類音樂。老闆看見我那疑惑的嘴臉，索性把CD播給我聽。當第一cut前奏響起，已知老闆沒有估錯。結果，第一首歌還沒播完我已付錢買了，然後在歸家的那程巴士，急不及待把CD放進discman。

當日令我這麼衝動的是Kasabian。如果你問Kasabian是否我的最愛樂隊？一定不是。但如把問題多加幾個字：Kasabian是否「千禧打後」我的最愛樂隊？我的答案會是肯定，但也加兩粒字：Kasabian是千禧打後我的最愛樂隊「之一」。

當日他們最吸引我的是貫串整張專輯的明刀明槍迷幻氣息。迷幻，千禧後很多新樂隊都會玩，Kasabian式迷幻，不求艱澀，也不扮復古，而是追求流暢自然，自然融合在一首首擁有流行旋律的歌裏。

再看Kasabian的養分。影響他們最深的前輩有三：The Stone Roses、Primal Scream、Oasis──從這個list你大概可以估到Kasabian的創作取向是以充滿迷幻舞曲感的groovy節奏，結合在高度悅耳直截了當的搖滾之中。

十年間的五張專輯，樂隊取向始終如一，分別只是有時較重迷幻搖滾味有時則較重舞曲感。像發表首張同名專輯的兩年後，Empire偏向奏出Oasis那種刺激而簡單直接的搖滾，而事實是，Oasis也欣賞Kasabian，並邀請他們擔任自己的暖場樂隊。

出色拼貼
Empire算得上是一次痛快聆聽體驗，但我總嫌樂隊在這張專輯裏有少少迷失。2009年的West Ryder Pauper Lunatic Asylum和2011年的Velociraptor!，同樣是樂隊的重要專輯。他們把學習、承襲自The Stone Roses、Primal Scream及Oasis的搖滾養分融會貫通，結合成自己的一種風格；千禧後不少新樂隊迅速冒起，但大部分到第二或三張專輯便無以為繼，反觀Kasabian，到了第四張專輯終於證明自己不是只懂得食潮流的霎眼嬌。

最新專輯，名字單純是代表全碟長度的48:13，封套近乎沒有設計，純粹羅列專輯中十三首歌曲各自的長度。有評論狠批這是近年最差的一個唱片封套，我反而覺得很搶眼──當坊間十張有十一張唱片都在努力砌出一個美輪美奐封套時，顯得只有樂隊名字和數字的48:13更突出──甚至呈現一種近似電子樂隊專輯的簡約味。

Kasabian這次並沒有沿襲Velociraptor!，反而刻意追求更重的舞曲感──像只長三分鐘的單曲Eez-eh，根本就是向Underworld致敬的精采電子舞曲，絕對可以令你舞舞舞吧。

值得留意的作品還有：放在開場曲shiva後的bumblebee，明顯滲着一點點hip-hop的節奏感，而同時不乏迷幻感；接近七分鐘的treat，則是首結構前後迥異的重要作品，尤其後半部分，簡直就是首來自八十年代的電子舞曲。你或許接受不了Kasabian這嘗試，但不得不承認，這證明樂隊對不同歌曲類型的拼貼已遊刃有餘。

至於最接近Kasabian過往那種爽勁迷幻搖滾的doomsday，聽一次已可跟着唱。

壓軸的s.p.s，Kasabian以一首抒情ballad收結。問心，48:13在我心裏位置及不上Velociraptor!，但依然是樂隊的一張優秀作品，也是本年的一張重要作品。

小兵
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兩男子的純粹搖滾探索

如果突然要我隨口講出一些二人樂隊來，我想我只能講出The White Stripes和The Black Keys。

同樣來自美國，同樣以garage rock、blues rock作為音樂主調。The White Stripes首先紅起來，The Black Keys則直到2008年才算是正式殺入主流。The White Stripes已於2011年停止運作，The Black Keys幾近拆夥但最後還是繼續走在一起做音樂。甚至揚言，希望十年後還能繼續合作。

第一次接觸他們，是2008年的大熱專輯Attack & Release，我相當喜歡，但當時根本不知道這是他們簽了大公司後的首張作品。Attack & Release之前的The Black Keys，是一個無心插柳的奮鬥小故事。Dan Auerbach和Patrick Carney，同樣住在俄亥俄州，八歲已見過對方，到念高中時正式成為朋友——Dan Auerbach是運動健將，Patrick Carney則是不起眼的四眼仔，但音樂把他們拉在一起。剛學結他的Dan Auerbach，跟擁有一套鼓的Patrick Carney開始夾歌。成年後，Dan Auerbach打算在小酒吧表演賺取生活費，想錄製一些demo，於是找來Patrick Carney。

兩個男人，一支結他一套鼓，錄了六首歌。他們把demo寄給各大唱片公司，最後一間洛杉磯小型獨立label跟他們簽約。最初兩張專輯The Big Come Up和Thickfreakness都是在Patrick Carney的地牢錄製。外界評語不俗，卻沒有為他們帶來任何名聲和收入。直至Rubber Factory開始獲主流媒體報道和留意；Magic Potion更進一步。

決定討好自己

The Black Keys開始踏入一個新階段。在這個新階段，多了綽號Danger Mouse的Brian Joseph Burton參與，之後的Brothers和El Camino，繼續有Danger Mouse高度參與，這兩張專輯把The Black Keys推至事業最高峰。

然後是今年剛推出的第八張專輯Turn Blue。離El Camino整整三年，期間Dan Auerbach離了婚，情緒嚴重受困，在錄音室甚至試過哼不出一個音來。此外，他們也在認真思考發展方向：捱了多年，總算成功了，應該努力唱一些單純取悅樂迷的歌？還是重拾當日走在一起jam歌的心，去創作一些先討好自己的歌？結果，他們選了後者。

Turn Blue不少歌詞都記錄了Dan Auerbach離婚後的心情，但專輯沒有一面倒陷入一種自憐自傷的絕望情緒；也沒有再像El Camino般大野心地把五十至七十年代的搖滾類型來一次整合，反而走回garage rock和blues rock的路向，並加入了一點迷幻，像打頭陣、長達七分鐘的Weight of Love，便是The Black Keys典型的流水行雲式長篇曲目，超級精采。打後的十首歌，則是Weight of Love的延伸發展，而因為同樣有Danger Mouse高度參與，部分歌曲有點像他的side project樂隊Broken Bells的Space Rock感覺，但由The Black Keys演繹，又不覺突兀。The Black Keys，還是The Black Keys。

The Black Keys不是那種無時無刻都要帶來革命的搖滾救世主，也沒有什麼重要偉大的statement藉着歌曲發表，多年來都只是做一些自己喜歡的音樂。我喜歡這種純粹的創作之心。

小兵
(轉載自信報)

二十年前， 搖滾巨星的誕生

我是因為Oasis而開始認真學聽歌的。他們的debut album Definitely Maybe，終於到了紀念面世二十周年的時候。回到二十年前，搖滾潮流由美國的grunge主導，代表人物是Nirvana的Kurt Cobain，他成為了generation X的指導性人物。結果，他在1994年4月吞槍自殺。Grunge年代正式告終。

在Kurt Cobain逝世後六日，Oasis推出了首張單曲Supersonic。對比同年代其他搖滾作品，Supersonic沒有複雜曲式，更加沒有任何複雜含意，就是很純粹的英倫結他音樂。

搖滾從來都不需要過分複雜的賣弄，有時簡單直接，更有力量和感染力。

這也是Noel當日加入Oasis的主張。在他未加入的時候，Oasis原名The Rain，成員只有他親細佬Liam Gallagher、Paul Arthurs、Paul McGuigan和Tony McCarroll，後來Liam找Noel加入，Noel應承，條件是他要執掌創作主導權。他要求成員在彈奏上不可有過分複雜花巧的彈奏。
事實證明，Noel是正確的，他對旋律的敏銳度，配合簡單直接的音樂，讓Oasis歌曲易入腦，最短時間招攬樂迷。

Definitely Maybe推出前，Oasis先發表了三首單曲，真正為大碟成功造勢的是第三張，Live Forever，成為樂隊首張打入英國單曲榜十大的作品。Live Forever的樂觀情緒，跟當年grunge充斥的絕望感迥然不同，而更重要是歌曲直接明快，聽一次，你已可跟住唱。

新舊版分別

然後，Definitely Maybe正式推出，Oasis立即成為英倫搖滾新代言人，加上同年發表了Parklife的Blur及一眾英國樂隊推波助瀾相繼交出重要作品，brit-pop成為一個風潮。

二十年後再聽Definitely Maybe，依然不覺得過時，更證明了Noel真的是旋律聖手。當中十一首歌，都獨當一面都襟聽。對比Blur的中產知識分子味道，Noel更能創作一些面向群眾的旋律，這種創作取向，也促成Oasis成為國民樂隊。

這一次為紀念二十周年而推出的Remastered版，老實說，跟二十年前所聽的版本分別不大，樂迷會去買，也只是為了當中所收錄的歌曲demo；如果你從沒聽過，就算買坊間依然找到的舊版一樣可以；而跟大佬Noel鬧翻多年的Liam，甚至公開叫人根本不用購買這個二十周年紀念版，因為過去版本已經太完美。

回首brit-pop，很多人指出這個音樂潮流其實沒有為搖滾帶來什麼改革或新思維，只是把昔日的英倫搖滾再演繹而已……但無可否認，這已經算是最後一個能夠真正掀動市場的搖滾潮流－－是的，之後還有nu-metal，由世紀末過渡千禧，但影響幅度明顯及不上brit-pop，再後來的post-punk revival，影響幅度更小。

但brit-pop不像grunge。Grunge扣緊時代和社會，成為generation X的成長進行曲，音樂，真真正正的回應了一個虛無的世代。觀乎brit-pop，影響由始至終只限於音樂。
其實Definitely Maybe第一首歌已經講明了樂隊的心聲：Tonight I'm a Rock 'n' Roll star－－他們要做的就是搖滾巨星，而他們目標達到了。

我是因為Oasis而開始認真學聽歌。終於明白到，真正偉大的音樂，應該包含更多。

小兵
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Damon Albarn 的最個人專輯

《Everyday Robots》，Blur主唱Damon Albarn首張個人專輯。

這應該是今年其中一張最期待專輯——尤其對於在上世紀90年代經歷過Brit-Pop洗禮的樂迷。當年聽Brit-Pop大的青年（如我），如今都已步入中年，而Brit-Pop，已經有足夠資格被世人懷舊。

1994年，Brit-Pop元年，不同樂隊均從傳統英國搖滾提取養份，再吸收、轉化成不同風格，這股新英倫搖滾，成功擊退來自美國的Grunge。
 那一年，Blur發表了他們最重要的專輯《Parklife》，揚名立萬；其後，樂隊經歷了風格轉變、Graham Coxon離隊、後來再一次歸隊……重組後的Blur，有新單曲，但就是沒有落實會再發表新專輯（對上一張《Think Tank》已經是2003年的事）。

Damon Albarn本人，其實從不間斷地推出專輯，只是每一次都跟不同類型的音樂人合作，創作跟Blur迥異的音樂，展示他多樣化的音樂興趣：例如虛擬樂團Gorillaz的Hip-Hop，又例如The Good, The Bad & The Queen的Folk和Art Rock，此外在個別作品還滲透了他對Gospel、非洲部族音樂、爵士等的涉獵……偏偏從來沒有再在Brit-Pop上有任何注腳（反觀Graham Coxon的個人專輯裡，不時聽到具有濃厚Brit-Pop感的歌曲）。

Damon Albarn成功在：他每一次進行新音樂計劃，都可以搞得有聲有色兼有迴響，而最成功的，自然是Gorillaz，你會發現，他其實很能掌握世界潮流走向。

至於《Everyday Robots》，則是Damon Albarn對個人音樂喜好的整合——但（理所當然地）不含任何Brit-Pop成份。

回到三年前，Damon Albarn公布會製作個人專輯，音樂類型方面，他形容，會是一次Folk和Soul的結合。

一如以往所有side project必定有外援，這一次，Damon Albarn也有找來不同音樂個體 / 團體合作，包括Brian Eno、本名Natasha Khan的唱作人Bat for Lashes，以及The Leytonstone City Mission Choir。

對於外界強調這是他的「個人專輯」，Damon Albarn回應說，他不喜歡「個人」這個形容——I don't really want to be solo in my life——但無論怎樣形容，這的確是他首次以個人名義發表的專輯，也肯定是最個人化的一次：歌曲主題，都是圍繞Damon Albarn本人，包括他的過去，也有他對生活在這時代的感受。

像《Everyday Robots》，創作緣起便來自他在加州大塞車的經歷：他看到身邊人的眼神都專注在手機上，歌詞第一句這樣寫：We are everyday robots on our phones, In the process of getting home——每人都在那小小的手機熒幕上找到屬於自己的世界，但同時也失落在那個世界；我們明明是在使用機械，只是當人人都在做著同一件事時，我們其實也在逐步變成機械。

《Everyday Robots》說現在（甚至預視未來），《Hollow Ponds》則回望過去，Damon Albarn在歌詞中提到四個年份：1976、1979、1991以及1993，其中1976所說的是那一年夏天，英國錄得自有紀錄以來最高的溫度。其餘三個年份，則同時指涉著Damon Albarn的成長，但沒有寫明發生了甚麼（唯一是1993提及Modern Life，應是指Blur在那年發表《Modern Life is Rubbish》專輯。

整張專輯以中慢板歌曲為主，感覺像是The Good, The Bad & The Queen的同名專輯，分別是來得低調，滲透著一種自省氣氛，Damon Albarn既跟你訴說著他的生活感受，同時在跟年過四十的自己，進行一次對話。

唯一例外是《Mr. Tembo》。Tembo在東非斯瓦希里語中意思是大象，這首優美輕快的歌，是Damon Albarn為一頭他在坦桑尼亞遇見的小象而寫，配合The Leytonstone City Mission Choir的和唱，是一次對大自然的禮讚。

如果你心裡的Damon Albarn仍然停留在《Parklife》年代，《Everyday Robots》必定叫你失望，甚至嗌悶。但既然人家都已長大，並去開展另一個新階段，你也不需要只停留在過去。

小兵
(轉載自信報)

復出， 不一定就是懷舊

當一個歌手闊別樂壇接近二十時間後決定復出，應該怎樣做？

答案可能是：先勾起大眾和樂迷的回憶吧。如果在香港，最直接勾起回憶的方法大概是：翻唱自己昔日經典作品。至於有沒有需要錄製新歌？不一定。反正在懷舊的大氣候下，普遍人只會眷戀過去（甚至連歌手本人，可能也只是因為眷戀過去的風光，才復出吧）。

但Neneh Cherry不同。甚至有意令樂迷能夠忘掉她的過去。

繼1996年的專輯《Man》後，事隔十八年，Neneh Cherry才推出生命中第四張個人專輯《Blank Project》——連專輯名字也在開自己玩笑，一個空白的計劃。不像某些音樂人經常把自己的產品說成是甚麼多年心血結晶，Neneh Cherry的十八年，就是空白。

當然不是空白。她一直都沒有離開過音樂。除了和丈夫Burt Ford合組Trip-Hop樂隊CirKus，也跟倫敦的RocketNumberNine合作推出專輯，甚至跨界跟來自她老家瑞典的爵士樂團The Thing有過合作，推出了《The Cherry Thing》專輯。

Neneh Cherry的成名地是美國，但出生地是瑞典，只是後來舉家搬到英國，輾轉間再搬到美國；14歲的時候，Neneh Cherry又回到英國，這一次的居住地點是倫敦。

那一年是1978年，Punk正在英國爆發，開始對音樂產生興趣的Neneh Cherry也加入過Punk Band，但同時又涉足Rap Music，而後者才是構成她日後音樂的主要成份。

Neneh Cherry正式出道專輯是1989年的《Raw Like Sushi》。專輯其中一位製作人Cameron McVey，正是他日後的丈夫。

比專輯早一年出版的Dance Pop單曲作品《Buffalo Stance》，為她在英美兩地贏得名聲，頻頻演出此曲，而最經典的一次，是上電視節目《Top of the Pops》，當時她已有了七個月身孕。媒體擔心，問她這樣做是否安全時，她這樣答：Yes, of Course! It's not an illness.

在《Buffalo Stance》裡Neneh Cherry有Rap，但她從不認為自己是一名Rapper，她認為Rap純粹是一種歌唱模式，有需要時便動用。

但又因為使用了Rap這種Hip-Hop元素，在發展初期Neneh Cherry面對過很大問題，而問題主要出現在美國：在白人眼中，她的音樂「太黑人取向」；在黑人眼中，她的音樂又「未夠黑人」。令Neneh Cherry出現這種身份尷尬問題，緣自美國音樂市場過分地要求壁壘分明。

1992年的《Homebrew》，商業成績及不上《Raw Like Sushi》，但依然算是一張成功作品。

1996年的《Man》，當中包含了著名單曲《7 Seconds》（歌曲為她帶來格林美提名）。另一首作品《Together Now》，則有Tricky參與，這似乎預視了她日後作品中的Trip-Hop取向。

然後，十八年間，Neneh Cherry不停地跟不同單位合作，自由地吸收不同類型音樂上所帶來的養份。直至2009年，母親逝世，令她突然想起需要做一張個人專輯，但專輯目的不是要把自己困鎖在一種追憶故人的愁緒中，而是放眼目前，活在當下。專輯沒有立即便被製作出來並推出市面，反而要待到整整五年後，但這不代表專輯製作經年，整個錄音時間才不過是五天而已，有些曲目，甚至只錄了一take。

《Blank Project》的10首歌，你再聽不到過去那種明顯的Rap和跳舞音樂取向（即使Neneh Cherry在《Cynical》還是rap了一小段），反而一律採用極簡約的編曲，構成一首首Trip-Hop感覺濃厚的電子歌曲，有著一種冷靜，也滲著一份空靈——尤其是一開始的《Across the Water》，書寫了她對成長、移居紐約以及母親離去的感覺。

十八年後才推出的這張個人專輯，除了依然有丈夫參與製作，還有之前合作過的RocketNumberNine（Neneh Cherry甚至大讚，這樂隊的音樂構成了每首歌的精髓）；《Out of the Black》一曲，則與瑞典女歌手Robyn合唱，是專輯中一首極精彩作品。只能說，整張《Blank Project》有著一份型的味道。

Neneh Cherry，今年50歲。事實證明，年歲跟創作不構成必然關係，50歲的人不一定要死守著過去。

小兵
(轉載自信報)

穿透時間的不變女聲

看見Suzanne Vega新專輯封套上的她，欷歔。

記得中三某一天，英文科阿sir突然播了一首英文歌給我們全班同學聽。

那時候我主要聽的是廣東歌（這一句絕對沒有踩低廣東歌的意思），認識的外國歌手或樂隊，來來去去只有Michael Jacksons、Air Supply——最「另類」的已經是Pet Shop Boys了。

那是一首感覺頗輕快的歌，唱的是一把女聲，跟那些被喻為Diva或歌姬的女歌手很不同，沒有炫耀甚麼高難度歌唱技巧，很自然的一把聲音（如果這把女聲去參加《我是歌手》，應該輸硬）。

阿sir同時派給每人一張工作紙，紙上印了這首歌的歌詞，但不少地方漏空了，我們需要做的是一邊聽歌一邊把正確的詞語填上。阿sir第一年出來教書，希望透過另一些方法訓練我們英語聆聽能力（但我的listening實在太差，很多地方都填不到）。
當天阿sir播的那首歌，Suzanne Vega的《Luka》。

Suzanne Vega，美國唱作人。她出生在一個平凡家庭，擁有一個平凡的成長過程。青春期時愛上詩歌和音樂，開始嘗試寫點甚麼，14歲寫了第一首歌，然後開始在紐約不同地方表演，1985年推出首張同名專輯。

《Luka》是她1987年推出的第二張專輯《Solitude Standing》的歌。歌早在1984年便寫好，在輕快Folk Rock和流行曲調包裹下，竟然有著一個關於家暴兒童的沉重主題。Suzanne Vega從來都不是要進行甚麼艱澀的音樂實驗，她音樂的主調一直都是Folk，分別只是會就著Folk進行不同類型的變奏。她更關心的，是主題。

其實整張《Solitude Standing》都動聽，但當中有兩首歌尤其重要，甚至可說因為這兩首歌而令Suzanne Vega打進流行音樂市場、在搖滾史上留名——其中一首是《Luka》，而另一首是《Tom's Diner》，歌詞所寫的，是一個女子在某個下雨早上、餐廳的所見所聞，特別在以a cappella形式唱出——完全沒有音樂，只有Suzanne Vega的聲音。到1990年英國電子組合DNA把《Tom's Diner》remix了，令這一首歌更加家傳戶曉（不排除很多人都是先聽這remix版本然後才找回原裝來聽）。

《Solitude Standing》是Suzanne Vega最流行（商業成績最好）的一張專輯，之後的作品，已經再不能達到相同的銷售數字，但下降的銷量絕不代表她的作品差了——我甚至能夠說，她從來沒有變，即使外在環境和潮流怎樣變，她依然創作自己喜愛、相信的音樂。

如果要選分別較大的Suzanne Vega專輯，大抵是1992年的《99.9F°》。多了電結他成份，歌曲的聲浪比她任何一張專輯都要大，更貼近Rock的風格，但撇除了搖滾的聲浪，我們所聽到的的依然是Suzanne Vega——那個經由日常都市生活去思考、發掘內在意義的女子。

千禧後她的產量減少了（但她本來就不是那種密密出碟的人）。2001年的《Songs in Red and Gray》，是離婚後的首張專輯（前夫Mitchell Froom是她的監製），不少歌曲主題都跟婚姻（的終結）有關，是Suzanne Vega最個人的一張作品。

2010年她開展了一個翻唱project，不是翻唱別人的歌，反而是自己的歌，把過去作品中或許為遷就主流市場而做的編曲或刪除，減去流行雜質，而以更直接的無添加方式，詮釋歌曲中更純粹的部分。整個project分成四張專輯，以Love Songs、People & Places、States of Being，以及Songs of Family作主題劃分。這四張翻唱碟，示範了翻唱的真正態度。翻唱絕對不是像香港某班歌手般，只在透過不斷消費集體回憶來趕忙賺錢（這一句絕對有踩低部分廣東歌手的意思）。

看見Suzanne Vega新專輯《Tales from the Realm of the Queen of Pentacles》封套上的她，欷歔——欷歔是現年54歲的她，風霜已經盡寫在她臉上（偏偏她又化了一個頗濃的妝）。經由她的臉，我看見時間。

但她的聲音不變——依然是沒有炫耀甚麼高難度歌唱技巧，很自然的一把聲音。Suzanne Vega繼續透過民謠，唱出她本人對於日常的發現。原來即使臉上的皺紋多了，她的聲音還是可以穿透時間的牆：當我聽著這張新專輯，還是能夠找回中三某一天英文堂，首次聽到《Luka》時的感動。世上有甚麼不變的東西嗎？我相信有。

小兵
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感傷的自我立場

有天晚上到某間影音連銷店閒逛，看見一本新推出的英國音樂雜誌，封面人物是英國五人樂隊Elbow，大題意思是說他們終於推出了音樂生涯上最優秀的專輯——問題是這本雜誌作風一向誇張，樂評部分也時有偏頗的毛病，而且經常以今日之我打倒昨日之我，最經典一次，便是在多年後把他們曾評為五星滿分的Oasis專輯《Be Here Now》，形容為純屬一次Overrated的評分。我一早放棄了這本雜誌（每逢望見這類標題也通常懶理）。

事實是，Elbow第六張專輯《The Take Off and Landing of Everything》登上了英國專輯榜冠軍。這也是他們首張冠軍專輯——當然，銷售數字與流行程度，跟專輯的真實表現未必有關（正如票房大收的電影也不一定是甚麼好戲），卻足以令我對Elbow這張新專輯產生好奇。

好奇，不代表我從未聽過Elbow，早在他們2001年推出debut album時我已經有捧場了；好奇，純粹是因為：他們的音樂風格基本上由一開始已沒有變過，為甚麼要等到十三年後的第六張專輯才成功登上專輯榜冠軍？

回到上世紀90年代中。Brit-Pop熱潮來得快去得更快，當美國開始流行嘈得來帶點淺薄的Nu-Metal時，英國樂隊則抽取Brit-Pop一部分精髓，發展出一種流露感傷情緒的搖滾風格——開創者是Travis，然後由Coldplay發揚光大（甚至比Travis贏得更大成就，打通美國市場）。

在那個「後Coldplay年代」的世紀末，一大堆高唱感傷主義的樂隊紛紛投入市場，令英國搖滾市場瀰漫著一片愁雲慘霧。如果你問我對那段時間的英國搖滾有甚麼感想？我只能答：即使出產過一些好歌，但實在不眷戀那一段高舉感傷的慘淡日子。

Elbow便是在「後Coldplay年代」出道的樂隊，樂隊的組成，卻是早在1990年的事。樂隊主將兼主唱Guy Garvey，16歲時遇上了Mark Potter（日後Elbow結他手），Mark Potter當時跟Richard Jupp和Pete Turner（日後的鼓手和低音結他手）組了樂隊，但沒有主唱，於是便邀請認識不久的Guy Garvey獻聲；後來Mark Potter的兄弟Craig Potter也加入，負責keyboard。五人組成了Mr Soft，後來改叫Soft，到1997年正式改名Elbow。

Elbow曾經跟Island Records簽約，就在錄製首張專輯時，Island Records被大公司收購，經營方針改變，明明正在錄碟的Elbow隨即被踢出局，專輯胎死腹中。但樂隊繼續錄歌，在另一個獨立廠牌支持下發表了三張EP，評價不俗。2001年，正式推出debut album《Asleep in the Back》。

即使音樂基調還是以感傷為大前提，但Elbow跟其他同時期樂隊有點不同——他們不以製作流行旋律為首要任務，反而重視歌曲以及整張專輯的結構和氣氛營造，而這跟啟蒙他們的兩個音樂單位有關：1.Progressive Rock年代的Genesis，令Elbow重視音樂的結構；2.Radiohead，令Elbow重視音樂氣氛。由一開始，Elbow已經跟差不多時候冒起的Keane和Starsailor有著本質上的不同，這種不同，使《Asleep in the Back》整體上明顯多了意涵，令專輯經得起時間考驗。首張專輯成功後，Elbow再推出了四張專輯，成功走過21世紀第一個十年，而風格又推持不變，也沒有因應外間的迷幻復興而湊熱鬧胡亂注入迷幻元素——或者這麼說吧，Guy Garvey太清楚當初構成Elbow的本質。

《The Take Off and Landing of Everything》風格依舊方針不變，只是製作上有點不同：過去的專輯都是各成員走在一起的共同創作，這一次卻分頭行事，有些曲目，在未齊人時先由其他成員創作rhythm部分……但更重要是，專輯創作期間Guy Garvey跟他的多年女友分了手，部分歌曲主題，是他對這段關係的回想，像《New York Morning》，便分享了他和女友在紐約的生活；《My Sad Captains》這歌名，甚至是由女友提出的。經歷多次變更才落實的專輯名字，似乎隱喻著失戀後、剛剛40歲的Guy Garvey，對世事的一種態度。而就像過去任何一張Elbow專輯，第一次聽可能只聽到一個梗概，多聽幾次，你才投入到Guy Garvey的情感世界。如果你要我推薦當中一首必聽的歌，我會索性推薦全隻碟。

在已經迷幻到氾濫成災的時代，Elbow的存在是難能可貴的，他們知道自己立場，同時能夠堅守自己立場，立場對搖滾樂隊來說從來都是最重要的。

小兵
(轉載自信報)

不媚俗的音樂女王

為自己取了St. Vincent這個舞台名字的Annie Clark，形容新專輯是：一張可以在葬禮播放的派對專輯。

這是一個極端而奇妙的形容。若換轉是其他音樂人講出來，我大概只會覺得在「懶有型」，但由Annie Clark說，很具說服力，也很能點出她作品的特質。

她的歌她的音樂，悲傷得來不會把你的情緒拉到幽暗谷底，但表面洋溢愉悅的同時又總是有種哀愁潛伏……總之，你抓不住一種具體感覺，甚至有種精神分裂的錯覺。

當大部分singer-songwriter都努力為自己建立鮮明風格時，今年才31歲的Annie Clark，一開始已沒有把自己困在某一種音樂類型的框框，原因或許跟她懂得多種樂器有關。

出道前Annie Clark唸過三年音樂學校，她認為，音樂學校無疑可以教授學生很多東西，而作為學生的，好應該盡量學習，但學完了，應該忘卻一切，否則便不能夠創作屬於自己的音樂。

我們自然不知道她有沒有忘記在學校所學的知識，只知道離開學校後，她跟隨過不同類型的音樂人及樂團，擔任tour的樂手，同時一直寫歌。

即使早就推出過EP，但Annie Clark真正的出道作是2007年的《Marry Me》。她正式以St. Vincent的名字示人。

首張專輯的歌，都是她少女時代寫下的，說的都是她本人的二三事。而更重要是，Annie Clark一開始已經展現了她對於不同樂器的涉獵和造詣，多種樂器的複雜使用和結合，令音樂風格難以即時被歸類或定型——但嚴格來說，是Baroque Pop加上Art Rock以及一點點Indie Rock，在充滿古典味的同時，又可聽到當代搖滾的肌理。

《Marry Me》不至於驚為天人，但獲得一致好評。千禧打後，不是沒有出色的新晉獨立唱作人，但在音樂創造上大都有單一化的毛病，太穩陣太守規舉，Annie Clark營造的那種音樂跳躍感，既是神經質，又顧及到旋律的動聽——其實她從沒想過要曲高和寡，進行的一切實驗，都是要為流行音樂add value。

《Marry Me》後，Annie Clark很規律地每隔兩年便推出專輯。2009年的《Actor》和2011年的《Strange Mercy》，基本創作立場不變，只是在歌曲上追求更廣濶的主題（畢竟個人成長故事有限，總有詞窮的時候），而Annie Clark填的歌詞，又往往愛用一些隱晦的詞語及轉折的形容，營造更富想像空間的意象。

難得是，專輯評價一張比一張好，《Actor》和《Strange Mercy》替Annie Clark贏得更多的人氣。

但我開始留意Annie Clark，不是因為上述三張專輯，而是2012年她跟David Byrne合作的《Love This Giant》。

David Byrne，上世紀80年代著名New Wave樂隊Talking Heads主將，樂隊解散後以個人姿態發展至今。我很喜歡David Byrne，當知道他竟然跟一個年資尚淺的音樂人合作出碟，自然好奇。問心，《Love This Giant》不算是甚麼超卓作品，卻叫我留意起Annie Clark來。

來到2014年的新專輯《St. Vincent》，唱片封套上的Annie Clark不再是過往那種憂傷的神經質模樣，反而呈現了一份時尚音樂女王的霸氣。

一開始的《Rattlesnake》，充滿跳躍感的電子節奏，唱的原來是Annie Clark一次穿越沙漠的經歷——她說，這是一次自我與自然的溝通。緊接而來的《Birth In Reverse》，則是一次結他噪音聲效的實驗，容易入腦的旋律，滲著一點點Noise Pop的感覺。

《Prince Johnny》是Annie Clark的古典感傷時刻，如果你一時間未能夠接受之前的《Rattlesnake》和《Birth In Reverse》，這一首應該會被打動，繼而對女王舉手投降。

然後，經過兩首較具玩味的曲目，又是另一個抒情時刻。《I Prefer Your Love》說的是母親，是Annie Clark那位曾經患過重病差點死去的母親。低調的電子音樂，有著80年代Art Rock感覺。

《St. Vincent》獲得一致好評，評價甚至比過去專輯還要高。Annie Clark在每一首歌的確投放了很多心思（但有時似乎過多，失去平衡），目的是想讓樂迷覺得「有嘢聽」，而並非單純地譜寫流行旋律交貨就算。這肯定不是那種只求媚俗的貨色，如果你一心想得到即時快感，建議不要聽《St. Vincent》，或任何St. Vincent作品。

小兵
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2014年的60s迷幻感

一開始，這是一個勵志小故事。

來自英國北安普敦Kettering的樂隊Temples，據創隊成員James Edward Bagshaw說，那是一個難以滋生藝術的地方——就算你嘔心瀝血做了創作出來，也沒有甚麼人會知道，或留意（更莫說懂得欣賞了）。這種因地域而窒礙創作的情況，在過去，或許真的扼殺了不少創作人，但現在，有了互聯網有了YouTube，已經沒有（因地域而）懷才不遇這回事，所以真正關鍵是：你願不願意去做，以及你的創作是否優秀到足以叫人賞識的地步。

事實證明，Temples的歌曲真的深受前輩賞識，而且賞識他們的還是前The Smiths結他手Johnny Marr，以及前Oasis的創作主腦Noel Gallagher，二人甚至說Temples是最好的英國新樂隊。獲得這種喜許，比起任何挖空心思的宣傳都更有效。

Temples本來只是二人組合，成員只有James Edward Bagshaw和Thomas Edison Warmsley，他們原本各自待在不同樂團，後來因加入樂隊The Moons而認識，志趣相投一拍即合，決定另組樂隊，即Temples前身。

最初他們只是躲在家裡專心寫歌和錄歌（這自然多得現代科技的發達），然後放上YouTube任聽唔嬲，結果，吸引了Heavenly Recordings，決定羅致他們。

問題是，Temples本來只是一個home studio project，但作為樂隊，似乎有欠完整（James兼任主唱和結他手，Thomas則負責低音結他），於是招攬了兩名成員，Sam Toms和Adam Smith，成為樂隊現在的四人陣容。

2012年11月，Heavenly Recordings為Temples推出首張單曲《Shelter Song》，而James跟Thomas合組樂隊，才不過是2012年年中的事。對比很多默默耕耘N年才獲得出道機會的同行（當然有更多是一直都得不到賞識），Temples絕對幸運。

那麼，James跟Thomas所寫的歌是相當破革的嗎？絕對不是。只要你曾經聽過一點上世紀6、70年代的搖滾，再聽《Shelter Song》，你可能會想：《Shelter Song》跟那個迷幻年代的歌曲根本完全沒有分別……是的，真的完全沒有分別。然後，再看看James的爆炸頭造型，簡直就是60年代英國樂隊T.Rex主將Marc Bolan的再生倒模……由歌曲到造型到包裝，Temples都在貫徹他們向迷幻的崇高致敬。

相對其他同樣在重塑迷幻的新樂隊、例如不久前在這裡寫過的TOY，Temples沒要求自己要對這種古老搖滾風格作出任何前衛艱澀實驗，反而務實地，著力寫出優美動聽、一聽便會讓人喜歡和記住的迷幻旋律；首張專輯《Sun Structures》的12首歌曲，你都不難從中找到一些似曾相識的經典元素，而The Beatles的影響尤其顯眼，像同名歌曲《Sun Structures》，簡直讓你回到The Beatles在60年代中、深受印度音樂啟發的那一段迷幻時光。

至於我首次接觸的Temples歌曲《Keep in the Dark》，旋律就像看六合彩攪珠時的那段音樂——音樂，其實來自60年代迷幻樂隊Shocking Blue的1972年作品《Inkpot》。所以，這一首簡單明快的《Keep in the Dark》，聽了一次便「入晒腦」，也令我開始留意Temples。

節奏輕快的《Mesmerise》以及滲著淡淡哀愁的《Move with the Season》，則帶有濃厚的The Byrds感——The Byrds，1964年組成的美國迷幻民謠樂隊，他們的名曲《Eight Miles High》，被公認為迷幻搖滾的啟蒙作品之一。

如果TOY的迷幻實驗還是令你有點卻步，Temples肯定沒有這問題，專輯中12首歌曲，同様簡單直接，兼具流行旋律。

James和Thomas組成Temples的初衷，並非純粹把迷幻進行復刻，而是一心要把「迷幻的過去」帶來現在，再進行改造——問心，從這張《Sun Structures》我是聽不出的。我會給予Temples這張首作高分數，又不會說成甚麼足以傳世的新搖滾經典，但作為迷幻粉絲的我，的確期待Temples下一張專輯，期待他們從迷幻裡發掘到一些屬於現在的東西。

小兵
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她與她互唱心靈二三事

年頭，通常都不是音樂單位愛選來發表新作的時間。

2014年1月這個淡季，幸運地，有Warpaint的同名新專輯。

這個在今年便踏入十周年的樂隊，全女班，連同最新推出的《Warpaint》，這麼多年來才推出了一張EP兩張專輯，絕不多產。

回到十年前，識於微時的Emily Kokal和Theresa Wayman決定組樂隊，她們同樣身兼結他手及主音，再另外找來低音結他手Jenny Lee Lindberg和鼓手Shannyn Sossamon（對於Shannyn Sossamon這名字是否有點印象？沒錯，她其實是一名演員），義結金蘭的四名好姊妹，在2004年情人節，組成了第一代Warpaint。

組成後的最初三年，她們寫歌之餘，也持續在洛衫磯的不同場所演出，累積經驗，等待機會。

到了2007年12月，她們決定走進錄音室，用上兩個月時間，錄製她們首張EP。EP在翌年以自資方式發行。

這張《Exquisite Corpse》EP，除了四名女將，幕後陣容一點也不弱，除了有Red Hot Chili Peppers現任結他手Josh Klinghoffer為兩首曲目擔任客席樂手，還有RHCP前任結他手John Frusciante負責全碟mixing工作——John Frusciante當時的身份正好是Emily Kokal男友。

《Exquisite Corpse》算是成功的，既鞏固了Warpaint在主場洛杉磯的地位，也為樂隊在主流音樂界初步打響了名堂。就在樂隊初嘗成功時，Shannyn Sossamon突然離隊；2009年冬，鼓手空缺由Stella Mozgawa填補，Warpaint依然維持著全女班陣容。而幸運是，新鼓手加入後不久，樂隊便跟Rough Trade Records簽約，在唱片公司穿針引線下，更開始衝出洛衫磯，在美國各地及歐洲展開密集式演出。

距離當初組成足足六年半時間，Warpaint終於在2010年10月推出首張專輯《The Fool》。

這張被樂隊形容為《Exquisite Corpse》姊妹作的《The Fool》，將《Exquisite Corpse》裡頭那種Experimental Rock及Art Rock作出延伸，同時滲入了一點點迷幻味，結合成一次更縹緲淒美的成熟聲音。

《The Fool》推出後，幾乎獲得外界一致好評，樂隊更被拿來跟傳奇民謠女唱作人Joni Mitchell和蘇格蘭經典Dream Pop樂隊Cocteau Twins等量齊觀，而從這種類比，你大概也可以推理到Warpaint的音樂風格吧。

但Warpaint並沒有因為《The Fool》的成功而趕頭趕命製作後繼專輯搵錢賺知名度，她們反而在認真思考下一步，樂隊應該怎麼走下去。

早在2011年的一次訪問，她們透露新專輯希望嘗試多採用即興jamming方式進行創作；事隔兩年後的2013年，再透露新碟歌曲感覺會簡約一點，編曲上也多一點acoustic彈奏；再後來，Emily Kokal甚至說，R&B和Rap對不日推出的新專輯構成了莫大影響……終於到了2014年1月，謎底揭開。

首先，《Warpaint》裡絕對不含Hip Hop曲目，你不會突然聽到兩位女主唱在跟你Yo Yo check it out，只是在不少歌曲裡，都可聽到很強調beat的部分，而這在《Disco/Very》尤其明顯，也是全張專輯裡「最不Warpaint」的一首作品，但效果很好。

至於專輯其餘部分，樂隊都在著力營造一份美麗而神秘的Dream Pop感，《Keep It Healthy》、《Love is to Die》便是最好示範，而前者更滲著昔日的英倫搖滾味，後者則以內歛的力量取勝（聽著，竟然有一點點在聽The xx的感覺）。而我喜歡的《Biggy》，則借用了Post Rock的結構，神秘淒美，情感層層遞進。

聽Warpaint，尤其需要留心聆聽那由好姊妹Emily Kokal跟Theresa Wayman兩把聲音所共同構成的歌聲——二人似在對話的方式，就像在你面前，互訴著女性心靈裡的二三事。如果只得一把聲，Warpaint很多歌曲都必定大打折扣。

《Warpaint》未必是那種一聽便叫人喜愛的聲音，但一旦投入了進去，隨時愈聽愈沉溺。

小兵
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翻唱The Everly Brothers 的方法論和態度

翻唱，大致有三種意義。

第一種，最大意義就是沒意義的那種翻唱，即唱口水歌，搬字過紙。

另一種，以經濟效益為大前提。當某歌手選擇翻唱，通常是在他本人的新歌已不再受注目情況下，被迫行使的一種搵食策略——冠冕堂皇說希望重新演繹，實則是在動用舊歌所餘無幾的剩餘價值，掠多筆。這一類翻唱，近年香港多的是，不舉例子了。

最後一種，翻唱是出於一種致敬，同時有着一個目的：希望為樂迷提供認識昔日經典的途徑。像Billie Joe Armstrong和Norah Jones合作的Foreverly便是了——這專輯，把The Everly Brothers的1958年專輯Songs Our Daddy Taught Us，完整地來了一次重塑。

這張翻唱專輯來得有點偶然。Billie Joe，美國著名punk pop樂隊主將，過往的創作跟country music完全無關。Norah Jones，最初以jazz感覺偏重的專輯Come Away with Me成名，後來逐漸跨界，涉獵alternative rock和indie pop。兩人在音樂創作上本來沒有合作的可能或需要，兩人認識，是因為一次跟Stevie Wonder的同台合作，但僅此而已。

近年，Billie Joe迷上了The Everly Brothers，每個早上都要聽聽Phil Everly和Don Everly的完美合唱，他們的鄉村搖滾音樂和諧優美，像穿透了時光，給予Billie Joe清新舒爽的感覺。他覺得有需要把這麼美好的音樂介紹給新一代樂迷，而最直截了當的方法就是翻唱，但他又考慮到，單純由他一把男聲去唱，好像欠了點什麼，畢竟The Everly Brothers金曲的重要元素是兩兄弟的合唱……

Billie Joe想到找一位女歌手合唱，這樣絕對能提供一個新的詮釋角度。問題是：找哪位女歌手？

又唱又彈

Billie Joe太太得悉老公的煩惱後便提議找Norah Jones。結果，女方爽快答應。

Billie Joe和Norah Jones除了唱，也負責了主要樂器彈奏。至於為何選擇翻唱Songs Our Daddy Taught Us這專輯，而不是揀選The Everly Brothers的金曲？一來，Billie Joe很愛這專輯，同時，當他們進了錄音室後才發覺，不知應怎樣開始，於是便拿了Songs Our Daddy Taught Us內的第一首歌曲去唱，作為起點，感覺像樣了，便一直錄下去。

Foreverly的確是輯錄了Songs Our Daddy Taught Us的十二首歌，但歌曲次序作了一點改動。而對於原曲的處理，Billie Joe和Norah Jones並沒改動至翻天覆地。當響起作為第一首歌Roving Gambler時，如果你聽過原版，你仍然會聽到原版的味道，只是樂器編排上的層次增多了；而假如你從來沒有聽過原版，也會認為自己在聽的是一首昔日的歌。他們不是單純模仿舊或扮舊，而是在認真地詮釋那一種舊。

所以，Billie Joe和Norah Jones處理下的The Everly Brother，還是保留了原曲那份來自連The Beatles都未出現、搖滾草創時期的感覺，唯一明顯的加工是，Norah Jones的vocal為原曲添上了一份女性的嫵媚——而最重要的是，Billie Joe和Norah Jones的聲音，很夾。

其實我從沒聽過Songs Our Daddy Taught Us，但聽完一遍Foreverly，也很自然的去找原版來聽。這正是Billie Joe錄這張專輯的最主要目的。

Foreverly推出後不久的1月3日，The Everly Brothers的弟弟成員Phil Everly病逝，享年七十四歲。這對兄弟的優美和唱，成了絕響。

Foreverly，語帶雙關，Forever和Everly。有些樂隊有些歌，的確是永恆的。


小兵
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瑞典金屬樂隊的流行詮釋

我絕對是一個metal迷，但絕少向身邊的人推介任何相關的專輯。

對於metal，很多人只會以一句「鬼殺咁嘈」來定斷。這結論可能是偏見，也可能是建基於片面的認知。

Metal是搖滾的一個分支，而這分支又可再細分成多個分支：最傳統的heavy metal、強調高速的thrash metal、節奏緩慢兼反宗教的doom metal、金屬結合民謠的folk metal、以被俗稱為「嘔泥」式唱腔作為歌曲主導的death metal……紛陳的類型，共建成一個極龐雜金屬系譜。多年來，搖滾以英美作為主要輸出國，但metal不同，北歐國家便盛產了不少著名樂隊，像來自瑞典的Ghost B.C.。

一行六人的Ghost B.C.，從來不以真面目示人，也不公開真實名字——他們把自己裝扮成宗教界人士，主唱的名字是Papa Emeritus II，按照官方說法，他是來接任第一代主唱Papa Emeritus的。至於其餘五位成員，一致載上面具，並把自己打扮成僧侶，名字統稱為The Nameless Ghouls。但這一切只是包裝，最重要的還是音樂。

如果要分類，Ghost B.C.屬於heavy metal，但又摻雜了一點doom metal。說起doom metal，外界一致公認Black Sabbath是始創者——Black Sabbath沒有開宗明義說自己彈奏的是doom metal，但他們那種略帶遲緩的金屬音樂及透過歌詞所展現的意識和議題，啟發了後來的樂隊。當我最初聽Ghost BC..時，的確有一種在聽Black Sabbath的感覺。

原曲翻唱

Ghost在2008年正式組成，2010年推出首張專輯Opus Eponymous，在瑞典本土獲空前成功，有份提名相等於格林美的Grammis Award，在美國也受到關注。

去年4月推出的第二張專輯Infestissumam，主題承接着Opus Eponymous的反宗教議題。撇除歌詞主題和意識，單聽音樂部分，Ghost的確提供了悅耳的金屬流行旋律；而最主要還是，Papa Emeritus II實在擁有一把極優美的聲音，在樂隊刻意加入仿效聖詩的效果下，你不單不會感受到那種慘白的末日感，甚至會以為Papa Emeritus II正在用金屬音樂來歌頌天上的父……但當然，純屬誤會。

Ghost吸引到Foo Fighters主將Dave Grohl，主動為對方擔任客席鼓手，cover了瑞典流行組合ABBA名曲I' m a Marionette。Ghost的cover version既保留了原曲的旋律，而又兼具強烈gothic rock感。歌曲收錄在Infestissumam的delux版。

但Dave Grohl未夠喉，再次為Ghost監製EP If You Have Ghost，監製以外，更兼任客席樂手，簡直成為了第六名Nameless Ghoul。EP共收錄五首作品，一首是Secular Haze現場版，另外四首，都是翻唱自其他非金屬音樂單位的曲目，除了ABBA的I' m a Marionette，還有瑞典流行舞曲組合Army of Lovers九十年代名曲Crucified，以及Depeche Mode的Waiting for the Night；主題曲If You Have Ghost，則是來自美國傳奇音樂人Roky Erickson作品。從Ghost的翻唱版，你可發現到，樂隊是怎樣把金屬音樂貫注在各類型歌曲之中，而且辨識度高，既保留原曲神髓，同時又提供了獨特而不突兀的詮釋角度。我認為，這才是真正有意義有聆聽價值的原曲翻唱。

小兵
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