樂隊歌手在臨近聖誕的時候，推出聖誕歌專輯，不是什麼新鮮事。一來應節，二來在聖誕歌的改編過程中，也是一個展示音樂功力的機會。
這一年我拿在手上的，是美國樂隊She & Him的AVery She & Him Christmas。
顧名思義，She & Him 就是由一男一女組成的樂隊，女的是Zooey Deschanel ，男的是M. Ward－－男的即使讓你看其長相你也不一定知道他是誰，但女的，應該一望便會認出。
嚴格來說我們對Zooey Deschanel的認知是：她是一個演員，而最著名的演出則必然是《心跳500天》（500 Days of Summer ）。這齣大量用上英美樂隊音樂作「背景音樂」的愛情電影（其實電影當中真的有愛情存在嗎？），讓Zooey Deschanel由一個樣貌不醜但也不算突出的荷里活女演員，「進化」為一個舉手投足均散發知性美的荷里活女演員。
明年年初便三十二歲的Zooey Deschanel，年資絕對不淺，1999年便拍了首部電影Mumford 。 多年下來，演出機會不算少，還有一點頗特別的－－不知道是她自己極力爭取，還是導演留意到她的潛在talent，總會讓她在電影裏唱歌。
Zooey Deschanel 唱歌，一直以來只屬玩票性質，又或是純粹作為電影演出的一部分，真正組樂隊做女主音，緣於2006年的一次機遇。
那一年，在荷里活還不算很具名氣的Zooey Deschanel，正在拍一齣低成本公路電影The Go-Getter ，導演Martin Hynes 把她介紹給音樂人M.Ward，希望二人合作唱一首歌，在電影播end credit時播出。
非流行類聖誕經典
這一男一女，一見面便發現大家音樂興趣口味相近；事實是，M. Ward在這次見面前已經留意到ZooeyDeschanel－－他早聽過對方在電影裏的「真人發聲」歌唱演出，驚訝於這女子既能寫歌又能唱歌，為什麼遲遲不發展成一門事業？
Zooey Deschanel的解釋是：她清楚自己可以唱歌，多年來也的確寫了好一些歌，但一直忙拍戲，分身乏術，未能夠找機會發表，所以也想找個合作夥伴..
於是，順理成章，二人便組成了She & Him。
最初的合作，是遙距式進行。女的在L.A. 的家裏把歌寫好後，便用email給身處Portland的男方，讓男方或微調、或改動。待一切前期工作完成後，ZooeyDesch anel才飛到M. Ward的錄音室，正式錄歌。
他們發表於2008 年的debut album，開宗明義便叫做Volume One。基於二人都深愛老舊folksong，Volume One 的歌曲都走這條路線，樂器偏向簡單，加上Zooey Deschanel本來就不屬於那種巨肺式歌姬唱腔，專輯雖不算太突出，但一切就是來得自自然然，聽Volume One ，總有種像聽舊專輯時才有的哀愁感。
2010年的Volume Two ，整體感覺其實跟VolumeOne 差不多，但對比兩年前的銷售成績，卻是一次極大進步——這應該多得Zooey Deschanel在荷里活的知名度，既演出了夥拍占基利的《乜都得先生》（Yes Man ），更重要的還是《心跳500天》，這齣電影成功迷倒大量自小愛聽英美樂隊的樂迷，令Zooey Deschanel的音樂事業顯得更順理成章，而不像某些影星般，只為搵錢或拓展名氣才走去唱歌。
至於為迎接2011 年聖誕節的A Very She & Him Christmas ，延續上兩張專輯，還是很She & Him。 他們翻唱的聖誕歌，都是來自上世紀三十至六十年代的，對我們來說大部分都極陌生（你以為會有Jingle Bell 或Silent Night 這類香港商場必備的聖誕classics？當然不會啦），較特別的有連貓王也翻唱過的Blue Christmas；至於Little Saint Nick 這首1963年的歌，則出自美國衝浪樂隊The Beach Boys的Brian Wilson 手筆，Brian正是Zooey Deschanel自小鍾愛的歌手，這首Little Saint Nick 應該是她的心水吧。
A Very She & Him Christmas 絕對不是什麼水準超班的專輯。作為一張聖誕歌專輯，也不是應節必備。She & Him對一眾舊歌的演繹，也略嫌保險，沒有很破格大膽的變動，但整體效果是舒服的，適合在某個靜靜的12月冷夜，自己一個人聽。
小兵
(轉載自信報)
2011年12月20日 星期二
2011年12月17日 星期六
快速的純陽剛推理之旅
如果你問我《神探福爾摩斯：詭影遊戲》（Sherlock Holmes: A Game of Shadows ）好看嗎？
一時間實在答不來。
但如果你問我悅目嗎？我可以肯定的答：悅目。
早在成名作《夠薑四小強》（Lock, Stock and Two Smoking Barrels），英國導演佳烈治（Guy Ritchie）已經展示了他的非凡造詣：奇詭的取鏡角度配合超快速和極密集的剪接，再加上由佳烈治本人親撰的劇本，用上極少的場景和極低的成本，便構成了一個畫面悅目、劇情複雜的黑吃黑故事。
搞不清故事脈絡
成名後的佳烈治，到了荷里活搵食。找來畢彼特主演的《邊個夠我薑》（Snatch），故事上依然複雜（但似乎有點為扭橋而扭橋），而因資金多了，畫面上更加悅目，花招玩得更多——基本上你在兩集《福爾摩斯》所看見的那些快慢鏡定格打鬥，都可以在《邊個夠我薑》裏找到雛形。
佳烈治電影生涯裏的作品中，撇除了那齣夥拍前妻麥當娜、近乎災難的Swept Away ，其他都必定是悅目的。
你即使未必搞得清佳烈治電影那多線發展的複雜故事，依然可以被那必然眩目的畫面和剪接吸引，或被分散了注意力，甚至散場後明明不太搞得清故事脈絡，但依然會同自己講：「都..幾好睇呀。」看《神探福爾摩斯：詭影遊戲》我便遇到這個情況。
是我的問題還是佳烈治的問題？我真的搞不懂，福爾摩斯是怎樣「推理」出這宗隨時引發世界大戰的國際大陰謀，幕後黑手是Jared Harris飾演的大學教授？福爾摩斯又怎樣知道事件也跟由Noomi Rapace扮演的吉卜賽女郎有關？當電影正以力交代這些前因後果時，我聽到，現場不時傳出呵欠聲。
動作場面夠搶眼
但一切都已經不重要了。佳烈治清楚知道大家日間工作已經夠疲累兼要用腦，入到場，未必再想死命看一大堆涉及推理成分的字幕，所以體貼的佳烈治，已經運用他那獨門的極快速講故事手法，配合福爾摩斯（秘而不宣）的推理頭腦，帶領大家直搗問題核心，快快趣消弭了一場足以掀動歐洲各國神經的陰謀。
我相信我已被佳烈治成功引導（或者可以說誤導）了。到電影後半，我已把先前的所有迷惑拋開，投入佳烈治精心準備的爆破和動作戲。那場樹林追捕戲絕對是這一集的高潮，快慢鏡交替互用，讓我們清楚看到福爾摩斯和華生當時的狀況是多麼的危險，即使我們明知他們一定不會死去，死的只會是身邊那些面目模糊的吉卜賽人。這一場，足以證明佳烈治絕對是視覺能手，也成為了這齣續集唯一給我留下的記憶。
續集之道，佳烈治應該很明白，所以上集受歡迎的地方除了被保留，還被再放大。
超乎了同性情誼
說的是福爾摩斯和華生那近乎超標的同性情誼。華生在本集結婚了，在出發度蜜月的旅程途中，卻被福爾摩斯硬闖進來，揚言兩夫婦生命受到威脅，然後二話不說便把華生老婆救走（但那救走的方式是很不人道的）；沒有了老婆的華生，惟有同福爾摩斯踏上亡命之途，結果度蜜月的伴侶變成了福爾摩斯。這一個設計，也相當別有用心吧，還未計在出生入死期間二人多次極張揚的情深眼神互望..所以，女性在這個福爾摩斯的世界是不重要的。專誠找來《龍紋身的女孩》原版女主角Noom i Rapace來演的吉卜賽女郎，只是為那純陽剛世界提供了一點點陰柔，但Noomi Rapace可不是一般荷里活的甜心女星，她的外型，只會令那純陽剛世界更陽剛味。事實是，佳烈治也沒有交代她跟福爾摩斯發展過什麼感情。
最後那場福爾摩斯vs邪惡教授的終極對決，先鬥智慧，繼而動武，最後，兩個大男人竟被迫以一種極親密的方式作一個了斷..至於失去了福爾摩斯的華生，只能呆在案頭，對打字機遙想這個男伴的過去，想到出神時，連美麗的老婆在身邊叮嚀也只是敷衍兩句。如果柯南道爾有機會看這兩集《福爾摩斯》，不知他會怎麼想；又或，他會明白這個已經二十一世紀思維改造的福爾摩斯的想法嗎？
小兵
(轉載自信報)
一時間實在答不來。
但如果你問我悅目嗎？我可以肯定的答：悅目。
早在成名作《夠薑四小強》（Lock, Stock and Two Smoking Barrels），英國導演佳烈治（Guy Ritchie）已經展示了他的非凡造詣：奇詭的取鏡角度配合超快速和極密集的剪接，再加上由佳烈治本人親撰的劇本，用上極少的場景和極低的成本，便構成了一個畫面悅目、劇情複雜的黑吃黑故事。
搞不清故事脈絡
成名後的佳烈治，到了荷里活搵食。找來畢彼特主演的《邊個夠我薑》（Snatch），故事上依然複雜（但似乎有點為扭橋而扭橋），而因資金多了，畫面上更加悅目，花招玩得更多——基本上你在兩集《福爾摩斯》所看見的那些快慢鏡定格打鬥，都可以在《邊個夠我薑》裏找到雛形。
佳烈治電影生涯裏的作品中，撇除了那齣夥拍前妻麥當娜、近乎災難的Swept Away ，其他都必定是悅目的。
你即使未必搞得清佳烈治電影那多線發展的複雜故事，依然可以被那必然眩目的畫面和剪接吸引，或被分散了注意力，甚至散場後明明不太搞得清故事脈絡，但依然會同自己講：「都..幾好睇呀。」看《神探福爾摩斯：詭影遊戲》我便遇到這個情況。
是我的問題還是佳烈治的問題？我真的搞不懂，福爾摩斯是怎樣「推理」出這宗隨時引發世界大戰的國際大陰謀，幕後黑手是Jared Harris飾演的大學教授？福爾摩斯又怎樣知道事件也跟由Noomi Rapace扮演的吉卜賽女郎有關？當電影正以力交代這些前因後果時，我聽到，現場不時傳出呵欠聲。
動作場面夠搶眼
但一切都已經不重要了。佳烈治清楚知道大家日間工作已經夠疲累兼要用腦，入到場，未必再想死命看一大堆涉及推理成分的字幕，所以體貼的佳烈治，已經運用他那獨門的極快速講故事手法，配合福爾摩斯（秘而不宣）的推理頭腦，帶領大家直搗問題核心，快快趣消弭了一場足以掀動歐洲各國神經的陰謀。
我相信我已被佳烈治成功引導（或者可以說誤導）了。到電影後半，我已把先前的所有迷惑拋開，投入佳烈治精心準備的爆破和動作戲。那場樹林追捕戲絕對是這一集的高潮，快慢鏡交替互用，讓我們清楚看到福爾摩斯和華生當時的狀況是多麼的危險，即使我們明知他們一定不會死去，死的只會是身邊那些面目模糊的吉卜賽人。這一場，足以證明佳烈治絕對是視覺能手，也成為了這齣續集唯一給我留下的記憶。
續集之道，佳烈治應該很明白，所以上集受歡迎的地方除了被保留，還被再放大。
超乎了同性情誼
說的是福爾摩斯和華生那近乎超標的同性情誼。華生在本集結婚了，在出發度蜜月的旅程途中，卻被福爾摩斯硬闖進來，揚言兩夫婦生命受到威脅，然後二話不說便把華生老婆救走（但那救走的方式是很不人道的）；沒有了老婆的華生，惟有同福爾摩斯踏上亡命之途，結果度蜜月的伴侶變成了福爾摩斯。這一個設計，也相當別有用心吧，還未計在出生入死期間二人多次極張揚的情深眼神互望..所以，女性在這個福爾摩斯的世界是不重要的。專誠找來《龍紋身的女孩》原版女主角Noom i Rapace來演的吉卜賽女郎，只是為那純陽剛世界提供了一點點陰柔，但Noomi Rapace可不是一般荷里活的甜心女星，她的外型，只會令那純陽剛世界更陽剛味。事實是，佳烈治也沒有交代她跟福爾摩斯發展過什麼感情。
最後那場福爾摩斯vs邪惡教授的終極對決，先鬥智慧，繼而動武，最後，兩個大男人竟被迫以一種極親密的方式作一個了斷..至於失去了福爾摩斯的華生，只能呆在案頭，對打字機遙想這個男伴的過去，想到出神時，連美麗的老婆在身邊叮嚀也只是敷衍兩句。如果柯南道爾有機會看這兩集《福爾摩斯》，不知他會怎麼想；又或，他會明白這個已經二十一世紀思維改造的福爾摩斯的想法嗎？
小兵
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2011年11月29日 星期二
U2 的高風險轉型
1991年的經典專輯， 除了早陣子推出二十周年紀念版、Nirvana 的Nevermind ，還有很多，而其中一張，必然是U2 的Achtung Baby 。有關方面，也為專輯推出二十周年誌慶版本了。
如果不是有這一張Achtung Baby ，U2應該已經一早解散。
那一年，U2跨過了七十和八十年代，已由一支愛爾蘭都柏林小樂隊，進化成橫掃英美的偉大樂隊——過程中完全無視期間翻轉了好幾遍的音樂潮流，沒有成為潮流牲犧品，還逐步建立起他們的視野和版圖。
1987年的The Joshua Tree，成為了樂隊征服美國的大碟，事實是當中的確展現了濃厚美國味（約書亞樹便是一種生長於北美大陸的樹）——是的，若你是從這張The Joshua Tree 開始聽U2的，也可能跟我一樣，一度誤以為他們是美國樂隊。
問題就正是來自這張令U2揚名立萬的The JoshuaTree。The Joshua Tree 太成功了，以致之後那一張其實不過在紀錄樂隊那些年巡唱歷程的Rattle andHum ，被嚴重詬病（即使依然大賣）；同時，樂隊開始質疑賴以成名的固有音樂風格，而對於每次現場演出都在例牌地唱出那一首首hit歌，也極度厭倦。
於是，他們決定在下一張專輯來一次大幅度改變。為改變，連錄音地方也專程移師柏林，因為，若留在一些熟悉的地方錄音，最後可能只會製作出熟悉的聲音。
二十年後回看，這未必是個錯誤決定，但在當時來看，這個決定卻應該不算得上正確。置身那一個正面臨重要歷史時刻變遷的地方（柏林圍牆倒下、東西德統一），樂隊一直未能為新音樂路線找出個一致看法，而最主要問題還是，當初一心求變的想法，大概只是出自主唱Bono和結他手The Edge的個人意願，低音結他手Adam Clayton和鼓手Larry Mullen, Jr.卻主張，
新專輯繼續做得「很U2」也沒有問題啊..
找回自己的音樂
當時The Edge 沉迷的，不是電子跳舞音樂，就是一些像Nine Inch Nails 或德國樂隊Einsturzende Neubauten之類的industrial music，他跟Bono，也的確希望在新專輯投入這些元素——U2跟其他樂隊不同，即使也是採取各司其職的分工方式，會有成員專責創作，但在音樂路向和歌曲主題上四人都會給予意見，所以，你可以想像，當時身處柏林的他們關係有幾差，而他們也真的在認真考慮：不如乾脆解散算了。
幸好他們當初找來了傳奇音樂人Brian Eno來當監製（其實還有另一名監製Dan iel Lanois，Brian Eno嚴格來說還是較不重要的一個）。U2到了柏林已好一段時間，鬧得再僵，畢竟還是錄了一些歌，Brian Eno便拿來聽，一聽，便跟他們說：這便是你們一直在尋找的新音樂了。
當時Brian Eno在聽的，便是Achtung Baby 裏最經典的One。
不像U2過去針對愛爾蘭和世界政治局勢所歌唱的搖滾，中慢板的One 書寫了上帝和人的關係，呈現了一種樂隊在過去從未有過的肌理和質感——這首歌，其實也是主將Bono有感當時樂隊緊張關係，所進行的一次自我紓解。
柏林錄音工序完成，回到他們的成軍地都柏林繼續。經Brian Eno點醒後，四人心裏的創作路向比之前是明確了一點，但還是需要不斷試驗，經歷多番磨合才完成；至於Brian Eno，就扮演一個最理性的旁觀者，把一些聽來「很U2」的東西刪減——Brian Eno早在The Unforgettable Fire 和The Joshua Tree 便跟U2合作過，自然心水清，知道哪些是「很U2」的東西而哪些不是。
最後，在世界正捲起grunge 浪潮的1991 年11月，U2沒有解散，Achtung Baby 面世了。
音樂上摒棄了過去那種hard rock元素，在電子音樂、德國工業噪音搖滾、福音音樂等加入並結合後，U2在主題上由外在世界拉回到內在自我，人類在世界的存在狀態，性、愛情、信仰等等問題的糾結。像一個魔咒的約書亞樹，已被U2自行砍掉了。
Achtung Baby 是U2的一次成功轉型，也是他們音樂路向的轉捩點，甚至可以說，U2在之後發表的專輯，再也不能達到Achtung Baby 所能達至的高度。講真，我已不喜歡今時今日的U2，更不喜歡Bono現在那近搖滾救世主的姿態，但在One 我卻依然聽到一個脆弱和真摯的Bono。
小兵
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如果不是有這一張Achtung Baby ，U2應該已經一早解散。
那一年，U2跨過了七十和八十年代，已由一支愛爾蘭都柏林小樂隊，進化成橫掃英美的偉大樂隊——過程中完全無視期間翻轉了好幾遍的音樂潮流，沒有成為潮流牲犧品，還逐步建立起他們的視野和版圖。
1987年的The Joshua Tree，成為了樂隊征服美國的大碟，事實是當中的確展現了濃厚美國味（約書亞樹便是一種生長於北美大陸的樹）——是的，若你是從這張The Joshua Tree 開始聽U2的，也可能跟我一樣，一度誤以為他們是美國樂隊。
問題就正是來自這張令U2揚名立萬的The JoshuaTree。The Joshua Tree 太成功了，以致之後那一張其實不過在紀錄樂隊那些年巡唱歷程的Rattle andHum ，被嚴重詬病（即使依然大賣）；同時，樂隊開始質疑賴以成名的固有音樂風格，而對於每次現場演出都在例牌地唱出那一首首hit歌，也極度厭倦。
於是，他們決定在下一張專輯來一次大幅度改變。為改變，連錄音地方也專程移師柏林，因為，若留在一些熟悉的地方錄音，最後可能只會製作出熟悉的聲音。
二十年後回看，這未必是個錯誤決定，但在當時來看，這個決定卻應該不算得上正確。置身那一個正面臨重要歷史時刻變遷的地方（柏林圍牆倒下、東西德統一），樂隊一直未能為新音樂路線找出個一致看法，而最主要問題還是，當初一心求變的想法，大概只是出自主唱Bono和結他手The Edge的個人意願，低音結他手Adam Clayton和鼓手Larry Mullen, Jr.卻主張，
新專輯繼續做得「很U2」也沒有問題啊..
找回自己的音樂
當時The Edge 沉迷的，不是電子跳舞音樂，就是一些像Nine Inch Nails 或德國樂隊Einsturzende Neubauten之類的industrial music，他跟Bono，也的確希望在新專輯投入這些元素——U2跟其他樂隊不同，即使也是採取各司其職的分工方式，會有成員專責創作，但在音樂路向和歌曲主題上四人都會給予意見，所以，你可以想像，當時身處柏林的他們關係有幾差，而他們也真的在認真考慮：不如乾脆解散算了。
幸好他們當初找來了傳奇音樂人Brian Eno來當監製（其實還有另一名監製Dan iel Lanois，Brian Eno嚴格來說還是較不重要的一個）。U2到了柏林已好一段時間，鬧得再僵，畢竟還是錄了一些歌，Brian Eno便拿來聽，一聽，便跟他們說：這便是你們一直在尋找的新音樂了。
當時Brian Eno在聽的，便是Achtung Baby 裏最經典的One。
不像U2過去針對愛爾蘭和世界政治局勢所歌唱的搖滾，中慢板的One 書寫了上帝和人的關係，呈現了一種樂隊在過去從未有過的肌理和質感——這首歌，其實也是主將Bono有感當時樂隊緊張關係，所進行的一次自我紓解。
柏林錄音工序完成，回到他們的成軍地都柏林繼續。經Brian Eno點醒後，四人心裏的創作路向比之前是明確了一點，但還是需要不斷試驗，經歷多番磨合才完成；至於Brian Eno，就扮演一個最理性的旁觀者，把一些聽來「很U2」的東西刪減——Brian Eno早在The Unforgettable Fire 和The Joshua Tree 便跟U2合作過，自然心水清，知道哪些是「很U2」的東西而哪些不是。
最後，在世界正捲起grunge 浪潮的1991 年11月，U2沒有解散，Achtung Baby 面世了。
音樂上摒棄了過去那種hard rock元素，在電子音樂、德國工業噪音搖滾、福音音樂等加入並結合後，U2在主題上由外在世界拉回到內在自我，人類在世界的存在狀態，性、愛情、信仰等等問題的糾結。像一個魔咒的約書亞樹，已被U2自行砍掉了。
Achtung Baby 是U2的一次成功轉型，也是他們音樂路向的轉捩點，甚至可以說，U2在之後發表的專輯，再也不能達到Achtung Baby 所能達至的高度。講真，我已不喜歡今時今日的U2，更不喜歡Bono現在那近搖滾救世主的姿態，但在One 我卻依然聽到一個脆弱和真摯的Bono。
小兵
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2011年11月19日 星期六
潛逃在陳舊的動作時空
《潛逃時空》（In Time ）的世界觀，總是令我想起導演暨編劇Andrew Niccol那齣1997年的舊作《變種異煞》（Gattaca ）。
兩齣電影中的未來世界都存在一種宿命論的調子。
Andrew Niccol 在《變種異煞》裏設定的未來是個基因工程變得普遍的年代，優生學被大肆吹捧（道德上也接受），父母可以先行微調子女基因，讓他們擁有更好的發展潛能。
於是，另一些經由「自然生育」出來的人，基因沒被先天改動過，當中自然有優有劣。
優勝劣敗取決基因
在那個近未來世界，一切優勝劣敗均取決於基因。你的基因沒有在你被生下來前先「做手腳」，便不得不認命。
《潛逃時空》的近未來（2161年），人類成長到二十五歲就不會再變老，外貌永遠停留在二十五歲的模樣；時間則被當作貨幣，時間就是金錢，擁有的時間多寡，支配了身份高與低。
窮的人被安排活在貧民區，辛辛苦苦工作一天，就是為了賺來一天的時間/財富；有錢的人活在另一個生活節奏慢得多的時區——因為時間/財富太多，他們不曾意識到時間的不足，甚至多得可以用來放貴利，讓貧民借來過活——在街上打一次電話盛惠一分鐘，一杯咖啡收費三分鐘，搭一程巴士則須付上兩小時..
而當時間歸於零，便宣告死亡。
擁有時間等於財富
至於誰是窮人誰是有錢人，在生下來那一刻便已注定，而且終其一生都要謹守「崗位」不得踰越——為確保時間/ 財富分配上的「平衡」，有名為「TimeKeeper 」的執法者，嚴格控制時間/財富的流動，被分配到貧民區的時間/財富是極有限的，偏偏卻要供大多數人口攤分使用。
沒錯，《潛逃時空》裏的未來是悲觀的，是一個極度貧富懸殊的世界，絕大部分的時間/財富一直被操控在一小撮人手裏——在佔領華爾街行動沸沸揚揚的這陣子，《潛逃時空》無疑是有一點警世的意味。
問題是，在建造了這麼宏大的一個理論框架後，Andrew Niccol卻把故事約化至一個極其簡陋的地步：由始至終操控大部分時間/財富的，只有女主角那個資本家老竇；負責嚴控時間流動任務的Time Keeper，來來去去只得那幾個人，他們幾個似乎便代表了整個執法機關..事實是，戲裏根本不曾出現過任何代表權力的政府機關，似乎暗示資本家地位已等同於掌權者..
還有一點，假設故事是發生在近未來的美國吧，那麼美國以外的國家又是否同樣執行「時間就是金錢」的經濟規律？
被迫加入動作場面
但時間實在有限。在還沒有把以上框架好好延伸發揮的情況下，AndrewNiccol 已經不得不安插連場槍戰飛車及男女主角亡命天涯的動作場面，問題是，他偏又把以上諸種場面拍得極其公式：駕名貴跑車的男主角發現前面無路可逃便開倒車吧！反正一定逃得出去的！看那些已被拍過N次的動作場面安排，我覺得，荷里活的時間好像不曾向前行走過。
當最後男女主角化身劫富濟貧的俠侶，更把原本的深邃故事意念推向一個最俗套的層次，他們只管把劫來的時間/財富分給貧民，但分了又如何？
劫得的時間/ 財富再多，貧民的數目只會更多，到最後，每人不過分得極小的一部分，相信也只能用來「吊命」吧。
由《變種異煞》到《真人Show》（The Truman Show ），歷經《虛擬索女郎》（S1m0ne ），再到現在這一齣《潛逃時空》，Andrew Niccol都在借用一些科幻包裝，來述說一些很卡夫卡的弱者單打獨鬥不明來歷權力系統的故事，當中以《真人Show》最能達至預期效果。
對於《潛逃時空》，只能說：明明有上佳的前設，但薄弱的後續駕馭不來。
小兵
(轉載自信報)
兩齣電影中的未來世界都存在一種宿命論的調子。
Andrew Niccol 在《變種異煞》裏設定的未來是個基因工程變得普遍的年代，優生學被大肆吹捧（道德上也接受），父母可以先行微調子女基因，讓他們擁有更好的發展潛能。
於是，另一些經由「自然生育」出來的人，基因沒被先天改動過，當中自然有優有劣。
優勝劣敗取決基因
在那個近未來世界，一切優勝劣敗均取決於基因。你的基因沒有在你被生下來前先「做手腳」，便不得不認命。
《潛逃時空》的近未來（2161年），人類成長到二十五歲就不會再變老，外貌永遠停留在二十五歲的模樣；時間則被當作貨幣，時間就是金錢，擁有的時間多寡，支配了身份高與低。
窮的人被安排活在貧民區，辛辛苦苦工作一天，就是為了賺來一天的時間/財富；有錢的人活在另一個生活節奏慢得多的時區——因為時間/財富太多，他們不曾意識到時間的不足，甚至多得可以用來放貴利，讓貧民借來過活——在街上打一次電話盛惠一分鐘，一杯咖啡收費三分鐘，搭一程巴士則須付上兩小時..
而當時間歸於零，便宣告死亡。
擁有時間等於財富
至於誰是窮人誰是有錢人，在生下來那一刻便已注定，而且終其一生都要謹守「崗位」不得踰越——為確保時間/ 財富分配上的「平衡」，有名為「TimeKeeper 」的執法者，嚴格控制時間/財富的流動，被分配到貧民區的時間/財富是極有限的，偏偏卻要供大多數人口攤分使用。
沒錯，《潛逃時空》裏的未來是悲觀的，是一個極度貧富懸殊的世界，絕大部分的時間/財富一直被操控在一小撮人手裏——在佔領華爾街行動沸沸揚揚的這陣子，《潛逃時空》無疑是有一點警世的意味。
問題是，在建造了這麼宏大的一個理論框架後，Andrew Niccol卻把故事約化至一個極其簡陋的地步：由始至終操控大部分時間/財富的，只有女主角那個資本家老竇；負責嚴控時間流動任務的Time Keeper，來來去去只得那幾個人，他們幾個似乎便代表了整個執法機關..事實是，戲裏根本不曾出現過任何代表權力的政府機關，似乎暗示資本家地位已等同於掌權者..
還有一點，假設故事是發生在近未來的美國吧，那麼美國以外的國家又是否同樣執行「時間就是金錢」的經濟規律？
被迫加入動作場面
但時間實在有限。在還沒有把以上框架好好延伸發揮的情況下，AndrewNiccol 已經不得不安插連場槍戰飛車及男女主角亡命天涯的動作場面，問題是，他偏又把以上諸種場面拍得極其公式：駕名貴跑車的男主角發現前面無路可逃便開倒車吧！反正一定逃得出去的！看那些已被拍過N次的動作場面安排，我覺得，荷里活的時間好像不曾向前行走過。
當最後男女主角化身劫富濟貧的俠侶，更把原本的深邃故事意念推向一個最俗套的層次，他們只管把劫來的時間/財富分給貧民，但分了又如何？
劫得的時間/ 財富再多，貧民的數目只會更多，到最後，每人不過分得極小的一部分，相信也只能用來「吊命」吧。
由《變種異煞》到《真人Show》（The Truman Show ），歷經《虛擬索女郎》（S1m0ne ），再到現在這一齣《潛逃時空》，Andrew Niccol都在借用一些科幻包裝，來述說一些很卡夫卡的弱者單打獨鬥不明來歷權力系統的故事，當中以《真人Show》最能達至預期效果。
對於《潛逃時空》，只能說：明明有上佳的前設，但薄弱的後續駕馭不來。
小兵
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2011年11月15日 星期二
最強的組合 最劣的合作
有些音樂人，原來真的不適宜走在一起。說的是LouReed和Metallica。
Lou Reed，上世紀六十年代經典美國樂隊TheVelvet Underground靈魂人物。
樂隊名存實亡後，發展個人音樂事業，由七十年代開始，橫跨千禧至今，持續地發表作品，近年更經常跟不同音樂單位合作交流。對新一代樂迷來說，對這個傳奇音樂人的認識，大抵緣自Perfect Day 這首來自1972年專輯Transformer的歌，因為電影《迷幻列車》（Trainspotting）選用了這首歌作為soundtrack。
Metallica，絕對經典的thrash metal樂隊，由1981年組成至今發表過九張專輯，其中1986年的Master ofPuppets 和1988年的.And Justice for All ，是金屬搖滾的里程碑，1991的同名專輯Metallica（因封套是單純的一片黑，又名Black A lbum），更把metal推向普羅大眾，也是他們事業上的一個高峰。之後的出品卻被認為太過商業，已離metal太遠，期間又經歷成員離開及意見分歧等問題..直至200 8年的Death Magnetic ，才算有點回勇。
這兩個必然會被寫進搖滾發展史的傳奇音樂單位，終於在2009年的Rock and R oll Hall of Fame's 25thAnniversary Concert遇上了。想必是合作得太愉快了吧，當時雙方便嚷：不如找一天錄隻碟玩玩吧。
結果，兩年過去，Lou Reed和Metallica終於在今年5月開展錄音工序。6月完工。
事先張揚非純Metallica大碟而Metallica 結他手先此聲明，這不會是100% 的Metallica專輯。
我也先此聲明：作為雙方死忠樂迷的我，心想這應該是近年最強勁的一次音樂合作計劃了吧，但完成品..竟要我付出莫大的耐性和精力才能聽完，一次。
在這張名為Lulu 的專輯裏，歌詞是由Lou Reed 負責的，靈感來自德國表現主義劇作家Frank Wedekind的作品；音樂和主要彈奏則由Metallica包辦。最重要的vocal部分，基本上是由Lou Reed主理，Metallica的主唱James Hetfield大部分時候只負責和唱。
問題便是出在這裏。Metallica不是新樂隊，而多年建立下來的風格又太過鮮明了，聽慣了他們的樂迷，應該都會相信一個事實：世上只有James Hetfield才最適合去唱Metallica的歌——當然，你可以說，這根本就是一張由Lou Reed主導的專輯（專輯主題和意念均是由他去搞的），Metallica嘛..就姑且把他們看待成伴奏樂隊好了——但世上沒有這麼一支喧賓奪主的伴奏樂隊吧，而事實證明，當Meta llica的簽名式thrash metal彈奏，配搭Lou Reed那同樣簽名式的低沉歌聲時，並不會結合成另一種簽名式的經典音樂製品，反而是如此的不夾、極端地「相沖」，甚或稱得上幾難聽。
偏偏Metallica 這一次，回歸到他們早期那種配合progressive rock結構的th rash metal，歌曲普遍偏長，最長的一首Junior Dad 甚至超過了十九分鐘！於是，更令那本就充滿不協調感的歌曲，更難以忍受，至於LouReed「苦心孤詣」借用Frank Wedekind作品填寫的歌詞意涵和主題，都已經變得不太重要了——因為在一輪疲勞轟炸後，我實在已經再沒有精力去細心研究了。如果迫我選一首表現較好的，會揀Brandenburg Gate ，原因是：這是全碟最短的一首歌，只有四分鐘多少少。
若果是一小撮人不喜歡Lulu，你還可以說或許是他們有偏見；但當大部分人都在狠批這張專輯時，這就已經不是偏見，而是主流意見。外國樂評普遍抨擊這次合作計劃，有些指Lulu 稱得上是2011年最差大碟，有些則指這張碟有力拖垮Metalli ca（已在走下坡）的音樂事業——最嚴重是，有Metallica的死忠粉絲直指Lou Ree d是千古罪人。
L u l u 一面倒的被狠批，但當事人似乎沒放在心上。Lou Reed 說，他由衷享受這一次合作過程；Metallica創隊成員兼鼓手Lars Ulrich也認為，只是樂迷一時間適應不過來的過敏反應而已。
作為Metallica的長期支持者，最後想多說一句：慶幸這隻Lulu是問人借來聽的，不然，我會深深地覺得浪費了100元。
小兵
(轉載自信報)
Lou Reed，上世紀六十年代經典美國樂隊TheVelvet Underground靈魂人物。
樂隊名存實亡後，發展個人音樂事業，由七十年代開始，橫跨千禧至今，持續地發表作品，近年更經常跟不同音樂單位合作交流。對新一代樂迷來說，對這個傳奇音樂人的認識，大抵緣自Perfect Day 這首來自1972年專輯Transformer的歌，因為電影《迷幻列車》（Trainspotting）選用了這首歌作為soundtrack。
Metallica，絕對經典的thrash metal樂隊，由1981年組成至今發表過九張專輯，其中1986年的Master ofPuppets 和1988年的.And Justice for All ，是金屬搖滾的里程碑，1991的同名專輯Metallica（因封套是單純的一片黑，又名Black A lbum），更把metal推向普羅大眾，也是他們事業上的一個高峰。之後的出品卻被認為太過商業，已離metal太遠，期間又經歷成員離開及意見分歧等問題..直至200 8年的Death Magnetic ，才算有點回勇。
這兩個必然會被寫進搖滾發展史的傳奇音樂單位，終於在2009年的Rock and R oll Hall of Fame's 25thAnniversary Concert遇上了。想必是合作得太愉快了吧，當時雙方便嚷：不如找一天錄隻碟玩玩吧。
結果，兩年過去，Lou Reed和Metallica終於在今年5月開展錄音工序。6月完工。
事先張揚非純Metallica大碟而Metallica 結他手先此聲明，這不會是100% 的Metallica專輯。
我也先此聲明：作為雙方死忠樂迷的我，心想這應該是近年最強勁的一次音樂合作計劃了吧，但完成品..竟要我付出莫大的耐性和精力才能聽完，一次。
在這張名為Lulu 的專輯裏，歌詞是由Lou Reed 負責的，靈感來自德國表現主義劇作家Frank Wedekind的作品；音樂和主要彈奏則由Metallica包辦。最重要的vocal部分，基本上是由Lou Reed主理，Metallica的主唱James Hetfield大部分時候只負責和唱。
問題便是出在這裏。Metallica不是新樂隊，而多年建立下來的風格又太過鮮明了，聽慣了他們的樂迷，應該都會相信一個事實：世上只有James Hetfield才最適合去唱Metallica的歌——當然，你可以說，這根本就是一張由Lou Reed主導的專輯（專輯主題和意念均是由他去搞的），Metallica嘛..就姑且把他們看待成伴奏樂隊好了——但世上沒有這麼一支喧賓奪主的伴奏樂隊吧，而事實證明，當Meta llica的簽名式thrash metal彈奏，配搭Lou Reed那同樣簽名式的低沉歌聲時，並不會結合成另一種簽名式的經典音樂製品，反而是如此的不夾、極端地「相沖」，甚或稱得上幾難聽。
偏偏Metallica 這一次，回歸到他們早期那種配合progressive rock結構的th rash metal，歌曲普遍偏長，最長的一首Junior Dad 甚至超過了十九分鐘！於是，更令那本就充滿不協調感的歌曲，更難以忍受，至於LouReed「苦心孤詣」借用Frank Wedekind作品填寫的歌詞意涵和主題，都已經變得不太重要了——因為在一輪疲勞轟炸後，我實在已經再沒有精力去細心研究了。如果迫我選一首表現較好的，會揀Brandenburg Gate ，原因是：這是全碟最短的一首歌，只有四分鐘多少少。
若果是一小撮人不喜歡Lulu，你還可以說或許是他們有偏見；但當大部分人都在狠批這張專輯時，這就已經不是偏見，而是主流意見。外國樂評普遍抨擊這次合作計劃，有些指Lulu 稱得上是2011年最差大碟，有些則指這張碟有力拖垮Metalli ca（已在走下坡）的音樂事業——最嚴重是，有Metallica的死忠粉絲直指Lou Ree d是千古罪人。
L u l u 一面倒的被狠批，但當事人似乎沒放在心上。Lou Reed 說，他由衷享受這一次合作過程；Metallica創隊成員兼鼓手Lars Ulrich也認為，只是樂迷一時間適應不過來的過敏反應而已。
作為Metallica的長期支持者，最後想多說一句：慶幸這隻Lulu是問人借來聽的，不然，我會深深地覺得浪費了100元。
小兵
(轉載自信報)
2011年11月3日 星期四
小川紳介 紀錄抗爭 靜觀歷史
「我不承認『國家』這個名詞，『國家』這個名詞是可以不要的。」作為「香港獨立電影節2011-12」的焦點導演，在此時此刻的香港播映小川紳介（1935年6月25日－1992年2月7日）的作品，有其特別含意 —— 在社會抗爭被不斷地錯誤詮釋（為動亂）的年頭，小川對上世紀六十年代日本民眾抗爭的紀錄，讓我們了解，反抗權威，由始至終都是一種不容被剝奪的權利。
而小川作品的可貴，又不止於單純對抗爭的展示，還有的是對人類文化歷史的冷靜觀察。
小川紳介出來工作的年頭，剛好是戰後日本經濟飛躍的年代，而最初，他便是替商業機構拍宣傳片。
在「發展」被奉為必然的情勢時，小川開始察覺箇中的不妥－－「發展」無疑能夠惠及社會，卻不能惠及整個社會，而過程中更往往犧牲了某部分民眾的權益，像三里塚的農民便是了。因為成田機場的興建，政府和財團必須收去農地，但農地一旦被沒收，等同把農民世世代代的根和生活一併剷除。於是，農民展開一場（不可能勝利）的持久抗爭--小川跟拍攝團隊，一直留守三里塚，以農民的視點去紀錄這一段抗爭歷程。
也不是所有農民都選擇這種反抗形式的抗爭，有些一早便賣去土地，這班人，被稱為「條件贊成派」。小川的立場是：他不會讓這批人在電影裏出現，原因不是不認同他們的賣地行徑，而是基於一個更深入的考慮：「如果我糊塗地讓這些『條件贊成派』的人在電影裏露面，那麼兩方人的真正姿態就很容易被那種便宜的價值觀所衡量：只有鬥爭的人才是正直美好的，離去的人就很容易被看成是大罪人。」這是小川對「抗爭」的了解：留下來的自然是在對抗，但選擇離開的，也是另一種形式的反抗表態－－成田機場即使最終也被建成了，但歷史依然會記下，這個機場曾經背負一場抗爭，而當中涉及對民眾權益的侵奪。
有人主張，紀錄片必須要客觀，拍攝者不應把主觀感情投射進去（但這是不可能的，攝影機影哪兒和事後剪接過程中決定保留哪些，都是極度主觀的決定）；小川拍紀錄片，卻是帶鮮明立場去拍。
因為他知道，他的攝影機，就是他參與抗爭的一件最重要工具。
用十三年拍千年
小川用上八年時間完成「三里塚」抗爭系列，是一次對單一事件的橫向性紀錄。
其後，他走到牧野，拍養蠶拍耕作，竟用上十三年時間。表面看，這似乎完全不符合經濟效益--不像「三里塚」系列，總算紀錄低一個時期的一個抗爭過程--《牧野村千年物語》所拍的，無疑是耕作，小川卻同時在訴說這個擁有悠久歷史的人類活動，並從這個源遠流長的人類活動，側寫了一遍自然觀宇宙觀。
由早期的橫向陳述，小川轉投向縱向式的歷史紀錄，把人類行為更深邃地展示出來。
小川紳介簡介
1935年出生於東京市芝區橫新町，國學院大學政經學部畢業。1959年加入「新世紀映」，翌年開始為「岩波映製作所」工作，1964 離職，開始投身紀錄片拍攝工作，直至1992年病逝，享年五十六歲。小川逝世後，作品從未以DVD或其他形式發行。
香港獨立電影節
2011-12 第一環節獨立焦點──小川紳介
2011/11/07－2011/11/22第二環節華人民間電影聯盟
2011/11/16－2011/12/16第三環節獨立世界
2012/01開始
網址http://www.hkindieff.hk/
七部代表作
「香港獨立電影節2011-12」選播了小川七部拍於不同時期的作品，包括首作《青年之海．四個函授生的故事》和遺作《牧野村千年物語》（2001年上映的《滿山紅柿》，是小川逝世後由妻子集資並補拍才完成的），此外也有他最著名、「三里塚」系列的首部、第四部和第六部。
《青年之海．四個函授生的故事》（1966）畢業後，小川紳介本來從事替商業機構製作宣傳片的工作，但愈拍下去，愈發覺自己想拍的根本就不是這些東西。
於是，小川自資拍了屬於他自己的「青春片」——沒有愛情的追逐沒有青春的嬉鬧，有的只是上世紀六十年代日本半工讀大學函授課程學生，對課程的質疑。
《青年之海》是小川首齣作品，亦因為這齣「青春紀錄」，小川開始明白到自己拍片的真正使命，並接觸社會上搞抗爭運動的核心團體，擬定他的「三里塚」拍攝計劃。
《日本解放戰線．三里塚之夏》（1968）「三里塚」系列共有七部作品，合共用上八年才完成。《日本解放戰線．三里塚之夏》是系列首作。
上世紀六十年代是一個全球性的抗爭年代。1968年，日本千葉縣成田市三里塚，新東京國際機場公司在未得當地農民同意下開始新機場的興建，農民和學生群起反抗。小川和他的攝製團隊，所扮演的不只是個拿攝影機的旁觀者，而是深入抗爭內部，甚至成為抗爭者的一部分（期間攝影師便真的被補了），「所有鏡頭都是站在農民中間拍攝的，我們從農民的視角拍攝。」小川的紀錄方法，對那年頭的日本紀錄片拍攝起了極大衝擊。
《三里塚．第二堡壘的人們》（1971）來到系列第四部，成田抗爭也正式進入真正的「戰爭部分」。
大抵一開始這便是一場沒有勝算的抗爭，但被標籤為阻礙社會經濟發展的刁民們，還是動用手邊的所有工具材料物質，準備「迎戰」接了order、前來強行收地的政府人員..
至於小川，首次進行了同步收音，讓這場（不可能成功的）抗爭，更如實地呈現出來。
《三里塚．邊田部落》（1973）「三里塚」系列第六部。
小川堅持，若要如實拍攝，便得跟作為被拍攝者的農民共同生活。那些年，小川跟他的攝製團隊一直留守三里塚（甚至拿起泥耙嘗試耕種，了解耕作和農民生活究竟是什麼一回事）。抗爭持續了好一段時間，事態也漸漸變得複雜，由充滿肢體動作的對抗變成心理持久戰：在官方人員挑撥離間下，懷疑和不信任開始在農村蔓延。
一百四十六分鐘的紀錄，卻只有約十一個場景。冷靜地交代一個已變成農民「日常」的抗爭生活。
《嗨！人間曲調》（1975）貧富懸殊是資本主義的必然結果？只知道，貧民的聚集和貧民窟的形成，往往是政府的失衡政策使然。
七十年代的橫濱壽町是日本著名貧民窟。
小川團隊深入這「行人止步」區域，除了紀錄那兒的生活，不忘的是 —— 人性處於惡劣環境下依然存在的美與善。
《牧野物語．養蠶篇》（1977）顧名思義，電影拍的就是如何養蠶。
為大家示範的是木村太太，已經五十二歲。她的養蠶技術，承傳自母親，但她深怕終有一日失傳，因為村裏再沒有年輕人願意學習、繼承這一門技術。
在社會經濟的高度發展下，小川把目光由外在的抗爭，漸漸轉移到人的內在掙扎。
《牧野村千年物語》（1986）片長四小時。共用上十三年才拍成。
這一次，小川處理的題材是稻米，再由稻米的生成延伸至農業文化的展示，以及由一個鄉村的構成延伸至大自然觀念的陳述。
片未一段農民起義，客串的村民是當年背叛者的後代，二百年後重演這幕，對他們而言是寓自豪與羞愧於一身的集體救贖。
由於找不到適合的影院來放映這部小品，當年小川自行於京都建造「千年影院」，影片放完後，影院亦灰飛煙減。小川病逝前最後一部長片。
撰文：小兵
(轉載自信報)
而小川作品的可貴，又不止於單純對抗爭的展示，還有的是對人類文化歷史的冷靜觀察。
小川紳介出來工作的年頭，剛好是戰後日本經濟飛躍的年代，而最初，他便是替商業機構拍宣傳片。
在「發展」被奉為必然的情勢時，小川開始察覺箇中的不妥－－「發展」無疑能夠惠及社會，卻不能惠及整個社會，而過程中更往往犧牲了某部分民眾的權益，像三里塚的農民便是了。因為成田機場的興建，政府和財團必須收去農地，但農地一旦被沒收，等同把農民世世代代的根和生活一併剷除。於是，農民展開一場（不可能勝利）的持久抗爭--小川跟拍攝團隊，一直留守三里塚，以農民的視點去紀錄這一段抗爭歷程。
也不是所有農民都選擇這種反抗形式的抗爭，有些一早便賣去土地，這班人，被稱為「條件贊成派」。小川的立場是：他不會讓這批人在電影裏出現，原因不是不認同他們的賣地行徑，而是基於一個更深入的考慮：「如果我糊塗地讓這些『條件贊成派』的人在電影裏露面，那麼兩方人的真正姿態就很容易被那種便宜的價值觀所衡量：只有鬥爭的人才是正直美好的，離去的人就很容易被看成是大罪人。」這是小川對「抗爭」的了解：留下來的自然是在對抗，但選擇離開的，也是另一種形式的反抗表態－－成田機場即使最終也被建成了，但歷史依然會記下，這個機場曾經背負一場抗爭，而當中涉及對民眾權益的侵奪。
有人主張，紀錄片必須要客觀，拍攝者不應把主觀感情投射進去（但這是不可能的，攝影機影哪兒和事後剪接過程中決定保留哪些，都是極度主觀的決定）；小川拍紀錄片，卻是帶鮮明立場去拍。
因為他知道，他的攝影機，就是他參與抗爭的一件最重要工具。
用十三年拍千年
小川用上八年時間完成「三里塚」抗爭系列，是一次對單一事件的橫向性紀錄。
其後，他走到牧野，拍養蠶拍耕作，竟用上十三年時間。表面看，這似乎完全不符合經濟效益--不像「三里塚」系列，總算紀錄低一個時期的一個抗爭過程--《牧野村千年物語》所拍的，無疑是耕作，小川卻同時在訴說這個擁有悠久歷史的人類活動，並從這個源遠流長的人類活動，側寫了一遍自然觀宇宙觀。
由早期的橫向陳述，小川轉投向縱向式的歷史紀錄，把人類行為更深邃地展示出來。
小川紳介簡介
1935年出生於東京市芝區橫新町，國學院大學政經學部畢業。1959年加入「新世紀映」，翌年開始為「岩波映製作所」工作，1964 離職，開始投身紀錄片拍攝工作，直至1992年病逝，享年五十六歲。小川逝世後，作品從未以DVD或其他形式發行。
香港獨立電影節
2011-12 第一環節獨立焦點──小川紳介
2011/11/07－2011/11/22第二環節華人民間電影聯盟
2011/11/16－2011/12/16第三環節獨立世界
2012/01開始
網址http://www.hkindieff.hk/
七部代表作
「香港獨立電影節2011-12」選播了小川七部拍於不同時期的作品，包括首作《青年之海．四個函授生的故事》和遺作《牧野村千年物語》（2001年上映的《滿山紅柿》，是小川逝世後由妻子集資並補拍才完成的），此外也有他最著名、「三里塚」系列的首部、第四部和第六部。
《青年之海．四個函授生的故事》（1966）畢業後，小川紳介本來從事替商業機構製作宣傳片的工作，但愈拍下去，愈發覺自己想拍的根本就不是這些東西。
於是，小川自資拍了屬於他自己的「青春片」——沒有愛情的追逐沒有青春的嬉鬧，有的只是上世紀六十年代日本半工讀大學函授課程學生，對課程的質疑。
《青年之海》是小川首齣作品，亦因為這齣「青春紀錄」，小川開始明白到自己拍片的真正使命，並接觸社會上搞抗爭運動的核心團體，擬定他的「三里塚」拍攝計劃。
《日本解放戰線．三里塚之夏》（1968）「三里塚」系列共有七部作品，合共用上八年才完成。《日本解放戰線．三里塚之夏》是系列首作。
上世紀六十年代是一個全球性的抗爭年代。1968年，日本千葉縣成田市三里塚，新東京國際機場公司在未得當地農民同意下開始新機場的興建，農民和學生群起反抗。小川和他的攝製團隊，所扮演的不只是個拿攝影機的旁觀者，而是深入抗爭內部，甚至成為抗爭者的一部分（期間攝影師便真的被補了），「所有鏡頭都是站在農民中間拍攝的，我們從農民的視角拍攝。」小川的紀錄方法，對那年頭的日本紀錄片拍攝起了極大衝擊。
《三里塚．第二堡壘的人們》（1971）來到系列第四部，成田抗爭也正式進入真正的「戰爭部分」。
大抵一開始這便是一場沒有勝算的抗爭，但被標籤為阻礙社會經濟發展的刁民們，還是動用手邊的所有工具材料物質，準備「迎戰」接了order、前來強行收地的政府人員..
至於小川，首次進行了同步收音，讓這場（不可能成功的）抗爭，更如實地呈現出來。
《三里塚．邊田部落》（1973）「三里塚」系列第六部。
小川堅持，若要如實拍攝，便得跟作為被拍攝者的農民共同生活。那些年，小川跟他的攝製團隊一直留守三里塚（甚至拿起泥耙嘗試耕種，了解耕作和農民生活究竟是什麼一回事）。抗爭持續了好一段時間，事態也漸漸變得複雜，由充滿肢體動作的對抗變成心理持久戰：在官方人員挑撥離間下，懷疑和不信任開始在農村蔓延。
一百四十六分鐘的紀錄，卻只有約十一個場景。冷靜地交代一個已變成農民「日常」的抗爭生活。
《嗨！人間曲調》（1975）貧富懸殊是資本主義的必然結果？只知道，貧民的聚集和貧民窟的形成，往往是政府的失衡政策使然。
七十年代的橫濱壽町是日本著名貧民窟。
小川團隊深入這「行人止步」區域，除了紀錄那兒的生活，不忘的是 —— 人性處於惡劣環境下依然存在的美與善。
《牧野物語．養蠶篇》（1977）顧名思義，電影拍的就是如何養蠶。
為大家示範的是木村太太，已經五十二歲。她的養蠶技術，承傳自母親，但她深怕終有一日失傳，因為村裏再沒有年輕人願意學習、繼承這一門技術。
在社會經濟的高度發展下，小川把目光由外在的抗爭，漸漸轉移到人的內在掙扎。
《牧野村千年物語》（1986）片長四小時。共用上十三年才拍成。
這一次，小川處理的題材是稻米，再由稻米的生成延伸至農業文化的展示，以及由一個鄉村的構成延伸至大自然觀念的陳述。
片未一段農民起義，客串的村民是當年背叛者的後代，二百年後重演這幕，對他們而言是寓自豪與羞愧於一身的集體救贖。
由於找不到適合的影院來放映這部小品，當年小川自行於京都建造「千年影院」，影片放完後，影院亦灰飛煙減。小川病逝前最後一部長片。
撰文：小兵
(轉載自信報)
2011年10月26日 星期三
不能分拆的兩兄弟
2009年8月，Noel Gallagher宣布退出Oasis，原因是再不能忍受跟細佬Liam Gallagher待在一起。同年11月，Liam宣布會跟餘下的Oasis成員繼續合作..
曾以為，這對搖滾史上最擅長製造八卦新聞的兩兄弟會迅速地和好如初，結果卻是，今年2 月，Liam 另組的Beady Eye比大佬快一步，推出了樂隊首張專輯Different Gear, Still Speeding 。
本月，Noel才推出個人專輯High Flying Birds 。回到上世紀九十年代，英國樂壇爆發Britpop熱潮，一眾樂隊重新尋找英倫本土搖滾價值。
這股浪潮在千禧前已完全退潮。作為箇中旗手的Oasis，卻不像大部分同期冒起的樂隊，解散的解散、轉型的轉型，反而堅守原初那一套，一種承襲自The Beat les正統（也有人認為是抄）、加上一點點英倫迷幻的結他音樂——即使期間多次更換隊員，樂隊風格也經幾次微調，但我們都知道，Oasis 始終都只屬於Noel和Liam，只要有這對兄弟在，Oasis還是會繼續扮演他們英國國民樂隊的角色。
2008年，樂隊發表第七張專輯Dig Out Your Soul ，更是自1995年（What's the Story) Morning Glory? 後最好的一張，被認為是他們的一次回勇，只是誰也估不到，經常「狗咬狗骨」的兩兄弟到了翌年，真的鬧翻到拆夥地步。對於兩人正式「擘面」後的出品，外間普遍給予正評——但似乎又以大佬的較獲肯定。
先談Noel的High Flying Birds 。簡單來說，這不過是張沒有了Liam擔任主唱的Oasis專輯；而老老實實，Noel的vocal不算差，但怎也及不上Liam。於是， 當你聽了一遍High Flying Birds ，感覺通常是：正路而穩陣——但如果換了由Liam來唱，應該會更好吧。
各自修行的結果
曾經主導Oasis歌曲創作的Noel，到了中期漸把創作權限發放開去，連向來只唱不作的Liam也開始有了自己作品，你甚至會發現，其他成員的作品竟然比Noel的更好（和特別）。來到High Flying Birds ，歌曲感覺自然「很Noel」，而且更是他在Oasis中後期最常交出的那一種風格：易聽易記易唱的中慢板ballad。基本上，合共收錄10 首歌曲的High Flying Birds ，前半五首都屬於這一類。問心，讓我這個死忠Oasis迷再聽這類歌，只會覺得悶（當然，如交由Liam去唱可能會好一點）。
捱過了五首悶歌，第一個高潮才算來了。以disco beat作主調的AKA...What a Life! ，是全碟最出色的作品，跟Noel那獨特（而稱不上動聽）的唱腔也搭配；之後的Soldier Boys and Jesus Freaks、AKA...Broken Arrow 和(Stranded On ) The Wrong Beach 也喚回了點點中後期Oasis的psychedelic感。壓軸的Stop the Clock ，又變回Noel向來最精於生產的大合唱式感人中板樂曲..
實在不明白外國媒體憑什麼盛讚這專輯。Liam 那隊Beady Eye的Different Gear, Still Speeding也有同一個問題：歌曲風格Oasis得來但又缺乏聚焦，但比起大佬的solo作還算好一點，而Four Letter Word、The Roller、For Anyone 也比Noel個人大碟裏任何一首歌都好。
聽了這兩張分別由大細佬各自修行而成的完成品後，衷心希望，這對兄弟能夠盡快和好。
小兵
(轉載自信報)
曾以為，這對搖滾史上最擅長製造八卦新聞的兩兄弟會迅速地和好如初，結果卻是，今年2 月，Liam 另組的Beady Eye比大佬快一步，推出了樂隊首張專輯Different Gear, Still Speeding 。
本月，Noel才推出個人專輯High Flying Birds 。回到上世紀九十年代，英國樂壇爆發Britpop熱潮，一眾樂隊重新尋找英倫本土搖滾價值。
這股浪潮在千禧前已完全退潮。作為箇中旗手的Oasis，卻不像大部分同期冒起的樂隊，解散的解散、轉型的轉型，反而堅守原初那一套，一種承襲自The Beat les正統（也有人認為是抄）、加上一點點英倫迷幻的結他音樂——即使期間多次更換隊員，樂隊風格也經幾次微調，但我們都知道，Oasis 始終都只屬於Noel和Liam，只要有這對兄弟在，Oasis還是會繼續扮演他們英國國民樂隊的角色。
2008年，樂隊發表第七張專輯Dig Out Your Soul ，更是自1995年（What's the Story) Morning Glory? 後最好的一張，被認為是他們的一次回勇，只是誰也估不到，經常「狗咬狗骨」的兩兄弟到了翌年，真的鬧翻到拆夥地步。對於兩人正式「擘面」後的出品，外間普遍給予正評——但似乎又以大佬的較獲肯定。
先談Noel的High Flying Birds 。簡單來說，這不過是張沒有了Liam擔任主唱的Oasis專輯；而老老實實，Noel的vocal不算差，但怎也及不上Liam。於是， 當你聽了一遍High Flying Birds ，感覺通常是：正路而穩陣——但如果換了由Liam來唱，應該會更好吧。
各自修行的結果
曾經主導Oasis歌曲創作的Noel，到了中期漸把創作權限發放開去，連向來只唱不作的Liam也開始有了自己作品，你甚至會發現，其他成員的作品竟然比Noel的更好（和特別）。來到High Flying Birds ，歌曲感覺自然「很Noel」，而且更是他在Oasis中後期最常交出的那一種風格：易聽易記易唱的中慢板ballad。基本上，合共收錄10 首歌曲的High Flying Birds ，前半五首都屬於這一類。問心，讓我這個死忠Oasis迷再聽這類歌，只會覺得悶（當然，如交由Liam去唱可能會好一點）。
捱過了五首悶歌，第一個高潮才算來了。以disco beat作主調的AKA...What a Life! ，是全碟最出色的作品，跟Noel那獨特（而稱不上動聽）的唱腔也搭配；之後的Soldier Boys and Jesus Freaks、AKA...Broken Arrow 和(Stranded On ) The Wrong Beach 也喚回了點點中後期Oasis的psychedelic感。壓軸的Stop the Clock ，又變回Noel向來最精於生產的大合唱式感人中板樂曲..
實在不明白外國媒體憑什麼盛讚這專輯。Liam 那隊Beady Eye的Different Gear, Still Speeding也有同一個問題：歌曲風格Oasis得來但又缺乏聚焦，但比起大佬的solo作還算好一點，而Four Letter Word、The Roller、For Anyone 也比Noel個人大碟裏任何一首歌都好。
聽了這兩張分別由大細佬各自修行而成的完成品後，衷心希望，這對兄弟能夠盡快和好。
小兵
(轉載自信報)
2011年10月21日 星期五
Pink Floyd 的最佳選擇
Pink Floyd終於把他們的十四張專輯重新發行。想認識某些song-orien ted的樂隊，你大可以買精選碟，但Pink Floyd，不能。由1967年的The Piper at the Gates of Dawn 到1994年的The Division Bell ，每一張專輯，都是一場獨立的實驗--專輯裏的每一首歌每一首樂曲，都是一場實驗的重要步驟，絕對不能缺失。實驗內容，由六十年代末的Psychedelic Rock，過渡至七十年代的Progressive Rock，然後，超越各種既定搖滾類型範疇，整合成一種只屬於PinkFloyd、無法仿效的rock epic。只是，八十年代打後的Pink Floyd，技術即使超班，但製作出來的音樂又的確不合時宜，直接一點說，就是悶。
在這一次命名為「Why Pink Floyd...?」的re-release計劃中，既有一個包括十四張專輯的boxset Discovery ，而這十四張專輯，也有作獨立發行。如果你從未聽過Pink Floyd，但又不願以高價換取那個boxset，Dark Side of the Moon（19 73）和The Wall（1979）自然是必買的；如果你已聽過上述兩張經典，而又想進一步了解這支樂隊，我會建議選購以下三張。
The Piper at the Gates of Dawn（1967）Pink Floyd首張大碟。創隊成員Syd Barrett's主理的唯一一張Pink Floyd大碟。
置身六十年代末的迷幻風潮，Syd Barrett玩的迷幻歌曲，結構和編曲比絕大部分同時代樂隊的作品複雜N倍，主題所指涉的也更深邃廣闊，而主要是他本人服用藥物後的超自然個人體驗。專輯的亮點，是不含vocal純粹演奏的太空迷幻樂曲Interstellar Overdrive 。長達九分四十一秒此起彼伏的音樂彈奏，把你引進一場心跳加速的迷幻遊蹤。推出了這張成功的大碟過後，Syd Barrett也因藥物問題無法履行樂隊成員職責，離隊了。
Meddle（1971）一場Progressive Rock的革命正要開始。
經歷了1970 年那首融合大量古典音樂、分成六個部分、共長二十三分四十四秒的組曲Atom Heart Mother 後，翌年的Meddle 專輯再送上一首長達二十三分三十一秒的Echoes 。單計時間長度，是比Atom Heart Mother 短上十三秒，但Echoe s 卻是一氣呵成的。這時候的Pink Floyd已完全脫離迷幻，蛻變成一支擅於製作長篇搖滾樂曲的樂隊。Echoes 更是樂隊成員David Gilmour和Richard Wright的一次完美合作。2006年8月David Gilmour在波蘭舉行的一次音樂會，便跟Richard Wright現場演繹了這首Echoes，比大碟的錄音版本更蕩氣迴腸。兩年後，Richard Wright逝世。
Wish You Were Here（1975）Richard Wright和David Gilmour先後聲稱這才是自己最愛的Pink Floyd專輯。在曠世絕倫的Dark Side of the Moon 問世兩年後，Wish You WereHere 沒有再進一步向更深奧的領域進發。全碟五首歌曲，打頭陣和壓軸的是被當時主將Roger Waters分拆成兩大部分的Shine On You Crazy Diamond ；但全碟最重要的，卻是僅長五分十七秒的Wish You Were Here 。哀傷的曲與詞，陳述了樂隊對創隊成員Syd Barrett的感受。據說，錄製這張專輯期間的某一天，面目全非的Syd Barrett 正巧在錄音室門外路過..小兵
(轉載自信報)
在這一次命名為「Why Pink Floyd...?」的re-release計劃中，既有一個包括十四張專輯的boxset Discovery ，而這十四張專輯，也有作獨立發行。如果你從未聽過Pink Floyd，但又不願以高價換取那個boxset，Dark Side of the Moon（19 73）和The Wall（1979）自然是必買的；如果你已聽過上述兩張經典，而又想進一步了解這支樂隊，我會建議選購以下三張。
The Piper at the Gates of Dawn（1967）Pink Floyd首張大碟。創隊成員Syd Barrett's主理的唯一一張Pink Floyd大碟。
置身六十年代末的迷幻風潮，Syd Barrett玩的迷幻歌曲，結構和編曲比絕大部分同時代樂隊的作品複雜N倍，主題所指涉的也更深邃廣闊，而主要是他本人服用藥物後的超自然個人體驗。專輯的亮點，是不含vocal純粹演奏的太空迷幻樂曲Interstellar Overdrive 。長達九分四十一秒此起彼伏的音樂彈奏，把你引進一場心跳加速的迷幻遊蹤。推出了這張成功的大碟過後，Syd Barrett也因藥物問題無法履行樂隊成員職責，離隊了。
Meddle（1971）一場Progressive Rock的革命正要開始。
經歷了1970 年那首融合大量古典音樂、分成六個部分、共長二十三分四十四秒的組曲Atom Heart Mother 後，翌年的Meddle 專輯再送上一首長達二十三分三十一秒的Echoes 。單計時間長度，是比Atom Heart Mother 短上十三秒，但Echoe s 卻是一氣呵成的。這時候的Pink Floyd已完全脫離迷幻，蛻變成一支擅於製作長篇搖滾樂曲的樂隊。Echoes 更是樂隊成員David Gilmour和Richard Wright的一次完美合作。2006年8月David Gilmour在波蘭舉行的一次音樂會，便跟Richard Wright現場演繹了這首Echoes，比大碟的錄音版本更蕩氣迴腸。兩年後，Richard Wright逝世。
Wish You Were Here（1975）Richard Wright和David Gilmour先後聲稱這才是自己最愛的Pink Floyd專輯。在曠世絕倫的Dark Side of the Moon 問世兩年後，Wish You WereHere 沒有再進一步向更深奧的領域進發。全碟五首歌曲，打頭陣和壓軸的是被當時主將Roger Waters分拆成兩大部分的Shine On You Crazy Diamond ；但全碟最重要的，卻是僅長五分十七秒的Wish You Were Here 。哀傷的曲與詞，陳述了樂隊對創隊成員Syd Barrett的感受。據說，錄製這張專輯期間的某一天，面目全非的Syd Barrett 正巧在錄音室門外路過..小兵
(轉載自信報)
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