即使不是成長在那個迷幻盛行的上世紀六十年代（甚至還沒出世），但我實在太愛聽迷幻，在這裏也經常推介觸及到迷幻的專輯。
所以去年才推出首張專輯，擺明師承迷幻的英國五人樂隊TOY，絕對得我歡心。
由組成至推出首張同名專輯，不過是兩年間的事，驟看年資極淺，但事實是樂隊好幾位成員在組成TOY之前，早就夾過以post punk作基調的Joe Lean & The Jing Jang Jong。後來，Heavenly Records跟樂隊簽約，2011年推出單曲Left Myself Behind，獲媒體一致好評，公認為最值得期待的新樂隊。
老實，TOY在音樂風格上沒有任何創新，只是把昔日的搖滾元素復刻、重塑。而被TOY選中的，正是六十年代的psychedelic和來自德國的krautrock，當這兩種古舊音樂風格落在他們手上後，竟作出了極度精采的調協。更重要的是，主唱Tom Dougall那低調冷靜的唱腔，簡直就是為了這兩種音樂風格而生。
保險地流行化
由內至外，TOY都滲透着一股「型」的味道——這年頭能夠擔得起「型」這個字的樂隊，不多。首張專輯TOY所呈現的，是krautrock來到二十一世紀的改良，把師承自krautrock代表Neu!的超長彈奏，改造成一種更符合現代聽歌的節奏，像是Neu!曲目的一個改良和濃縮版，再完美地配置在TOY的悅耳歌曲裏，成為一個重要構成部分。
總之，TOY不是在向你進行krautrock的嚴肅授課，聽TOY之前，你不需要聽過或了解krautrock，因為他們已把krautrock最精要的地方向你呈現了。因為TOY，TOY一鳴驚人。而正如大部分憑debut album瞬即爆紅的樂隊，真正的難關，是第二張專輯——沿用前作的成功元素還是大膽作出改變？
TOY的方針是，在沿用賴以成名元素的同時，作出一點點改變，務求讓新作更具備流行條件，擴大fanbase。不過，這絕不代表TOY為了取悅更多人而媚俗。
距離TOY不過短短一年的後繼專輯Join the Dots依然是一張極精采的專輯。我甚至喜歡得在專輯到手的那天，便連聽了三遍。
開場的Conductor，七分鐘純音樂曲目，最精良的迷幻和krautrock之音，樂隊明顯在向樂迷說明一點：我們沒有變，還是當日令你們迷上的那隊TOY。
緊接的You Won't Be the Same和As We Turn，同樣是悅耳的indie rock，只是As We Turn後段又來了一小段Neu!的簽名式彈奏示範。
然後，同名歌曲Join the Dots，一首接近八分鐘、完美地結合psychedelic和krautrock的epic曲目——當然，如果你本身是Neu!的死忠，你或會藐視，因為TOY實在扮得太似了。但分別是，Tom Dougall的歌聲絕對為這首Neu!的仿作成功add value。
TOY也有着遙思過往不同樂隊的時刻。例如Endlessly，Tom Dougall唱出了一種八十年代經典蘇格蘭noise pop樂隊Jesus and Mary Chain的味道；又例如Too Far Gone to Know的印度音樂開場，我以為自己在聽進入迷幻時期的The Beatles，但聽下去，原來是TOY的另一首krautrock式搖滾作。壓軸的Fall Out of Love，9分51秒，這個音樂長度，自然又是另一首向Neu!致敬的作品。
有人認為TOY這張專輯來得有點保險，又或太想投向大眾以致流行味太濃，但我依然收貨，而且樂隊想讓自己更流行，不是罪吧。
小兵
(轉載自信報)
2013年12月10日 星期二
Midlake新人事的半新作風
千禧打後推出的樂隊專輯，自然也有不少重要作品，但對我來說，更多的都只是霎眼嬌。
這可能跟創作取向有關。之前說過，千禧後的搖滾，似乎只是把過去的經典風格來一次重塑。即使不少新樂隊對舊風格的重塑尚算不俗，但問題來了：與其聽一些不俗的重塑，何不乾脆聽回經典的原創？
但我沒有用上述態度審視Midlake。他們在2006年發表的第二張專輯The Trials of Van Occupanther，這七年來，我經常拿出來翻聽，而且是由頭到尾每首歌都聽——當中那種復古的folk rock風格加一點迷幻，再配合一點Fleetwood Mac味道，結合成一張瀰漫哀愁情緒而又動聽的專輯。
1999年組成的Midlake，成員是一班來自The University of North Texas College of Music的學生，他們本科研習的是jazz，最初玩的是深受Herbie Hancock影響的jazz和funk，後來改玩indie rock。
他們的搖滾啟蒙是Radiohead、Grandaddy及英國傳奇樂隊Jethro Tull。當時Midlake主將Tim Smith曾說，他們最想創作的音樂是貼近Jethro Tull的。所以，The Trials of Van Occupanther表面聽是迷幻folk rock，但歌曲結構卻明顯滲進了progressive rock的肌理。The Trials of Van Occupanther讓Midlake開始得到樂迷注視，2010年的The Courage of Others更令他們走進流行的層面。
主腦離隊重新出發
這一次，Midlake在Fairport Convention和The Incredible String Band的高度影響下，製造出一種英倫復古聲音，The Courage of Others替樂隊成功招攬了新一批樂迷。奇怪是，經歷了The Courage of Others的成功後，樂隊在創作上竟面對空前困難——問題主要來自創作主腦兼主唱Tim Smith，他發覺在創作過程中漸漸失去了一點什麼，這若有所失的感覺，甚至令他決定離開，另組新樂隊。
歷史上不少同樣事例，當創作主腦離開後，樂隊便同時玩完。但Midlake沒有走上這條末路——結他手Eric Pulido擔任了創作和主唱，再加上新成員，Midlake由原來的五人擴充成六人組合。
樂隊得以繼續運作，問題是：在新創作主腦接手後，如何跟原來風格接軌？
新專輯Antiphon收起了folk rock味道，投向psychedelic rock，而當中又結合着Midlake一直存在的progressive rock投射。
一開始的同名歌曲Antiphon，已聽到Eric Pulido銳意要跟Tim Smith的時代告別。緊接的Provider，是一首精采的迷幻民謠，而更精采是最後那長達一分鐘的dream pop式彈奏，絕對是高質素的迷幻示範。優美的The Old and The Young，中間的一段低調音樂過場，則又聽出了一點Fairport Convention的餘韻。
至於Vale，則是psychedelic加progressive的純粹音樂演繹，不設主唱，但你可以如實聽到樂隊成員對這兩種音樂風格摸索上的深諳和成熟。
壓軸的Provider Reprise，則完全是progressive rock的探索。那種美麗的縹緲感，令我不期然回憶起King Crimson的Moonchild。
Eric Pulido主導下的Antiphon無疑是交出了不俗成績，但問心，明顯不及Tim Smith時代的Midlake，最大問題是歌曲有重複感。不過，我依然期待Midlake下一張作品。
小兵
(轉載自信報)
這可能跟創作取向有關。之前說過，千禧後的搖滾，似乎只是把過去的經典風格來一次重塑。即使不少新樂隊對舊風格的重塑尚算不俗，但問題來了：與其聽一些不俗的重塑，何不乾脆聽回經典的原創？
但我沒有用上述態度審視Midlake。他們在2006年發表的第二張專輯The Trials of Van Occupanther，這七年來，我經常拿出來翻聽，而且是由頭到尾每首歌都聽——當中那種復古的folk rock風格加一點迷幻，再配合一點Fleetwood Mac味道，結合成一張瀰漫哀愁情緒而又動聽的專輯。
1999年組成的Midlake，成員是一班來自The University of North Texas College of Music的學生，他們本科研習的是jazz，最初玩的是深受Herbie Hancock影響的jazz和funk，後來改玩indie rock。
他們的搖滾啟蒙是Radiohead、Grandaddy及英國傳奇樂隊Jethro Tull。當時Midlake主將Tim Smith曾說，他們最想創作的音樂是貼近Jethro Tull的。所以，The Trials of Van Occupanther表面聽是迷幻folk rock，但歌曲結構卻明顯滲進了progressive rock的肌理。The Trials of Van Occupanther讓Midlake開始得到樂迷注視，2010年的The Courage of Others更令他們走進流行的層面。
主腦離隊重新出發
這一次，Midlake在Fairport Convention和The Incredible String Band的高度影響下，製造出一種英倫復古聲音，The Courage of Others替樂隊成功招攬了新一批樂迷。奇怪是，經歷了The Courage of Others的成功後，樂隊在創作上竟面對空前困難——問題主要來自創作主腦兼主唱Tim Smith，他發覺在創作過程中漸漸失去了一點什麼，這若有所失的感覺，甚至令他決定離開，另組新樂隊。
歷史上不少同樣事例，當創作主腦離開後，樂隊便同時玩完。但Midlake沒有走上這條末路——結他手Eric Pulido擔任了創作和主唱，再加上新成員，Midlake由原來的五人擴充成六人組合。
樂隊得以繼續運作，問題是：在新創作主腦接手後，如何跟原來風格接軌？
新專輯Antiphon收起了folk rock味道，投向psychedelic rock，而當中又結合着Midlake一直存在的progressive rock投射。
一開始的同名歌曲Antiphon，已聽到Eric Pulido銳意要跟Tim Smith的時代告別。緊接的Provider，是一首精采的迷幻民謠，而更精采是最後那長達一分鐘的dream pop式彈奏，絕對是高質素的迷幻示範。優美的The Old and The Young，中間的一段低調音樂過場，則又聽出了一點Fairport Convention的餘韻。
至於Vale，則是psychedelic加progressive的純粹音樂演繹，不設主唱，但你可以如實聽到樂隊成員對這兩種音樂風格摸索上的深諳和成熟。
壓軸的Provider Reprise，則完全是progressive rock的探索。那種美麗的縹緲感，令我不期然回憶起King Crimson的Moonchild。
Eric Pulido主導下的Antiphon無疑是交出了不俗成績，但問心，明顯不及Tim Smith時代的Midlake，最大問題是歌曲有重複感。不過，我依然期待Midlake下一張作品。
小兵
(轉載自信報)
2013年11月26日 星期二
說故事的廿一世紀Kate Bush
唱作人太多，真正的唱作人太少。
這世代，市場要求歌手不單是歌手，而應該沾上創作——「創作」二字成為了替歌手add value的光環。於是，阿豬阿狗都趕去扮唱作人，填了半首詞（而根本盡是無病呻吟）的是唱作人，寫了一首歌（而不排除過程中有請槍）的又是唱作人——而最重要是，表演時謹記拿着木結他，掃幾個chord自彈自唱。因為被濫用，唱作人變得廉價。
Polly Scattergood身份也是唱作人，卻絕對名副其實。媒體給予她的稱號，是「廿一世紀Kate Bush」——Kate Bush，上世紀八十年代英倫著名唱作人。而這個跟Kate Bush相提並論、現年二十七歲的英國女子，至今只推出了兩張專輯。
Polly真正對音樂產生意識，是十二歲，美國folk rock女神Suzanne Vega的名曲Luka，深深影響了剛踏入青春期的Polly——歌原來可以這樣寫，可以這樣地說故事。至於唱作人試圖透過歌曲所傳達的核心訊息，則透過歌詞中的那個動人故事來盛載。
Suzanne Vega以外，加拿大唱作詩人Leonard Cohen也是Polly少女時代的音樂啟蒙。後來Polly進了The BRIT School for Performing Arts & Technology，接受音樂教育，期間她開始寫歌，不是一兩首，而是相當驚人的八百首（香港那些自稱唱作人的假唱作人應該汗顏）。
「漂泊」創作方式
經推薦下，Polly跟廠牌Mute簽約，正式出道。一開始她就很清楚自己想造哪一類歌——就是要說故事，透過故事書寫不同的情緒。像Nitrogen Pink，她寫了一個罹患癌症的年輕朋友，因絕症令生命本來擁有的一切美好，慢慢流逝。
故事，自然重要，但大前提還是盛載故事的音樂。2009年首張同名專輯的第一首歌I Hate the Way，超過七分鐘，歌曲結構複雜，作為主體的電子音樂提供了一個氣氛的基調，烘托出一個故事來。I Hate the Way顯示了Polly的才情及駕馭能力。至於專輯監製之一的Simon Fisher Turner，曾替英國著名導演Derek Jarman擔任多齣電影配樂的作曲。Polly首張專輯所提供的濃厚電影感，Simon功不可沒。
新專輯Arrows，距debut album四年，創作時間相當漫長。創作Arrows初期，Polly發現自己所寫的跟前作太相似，而她希望把自己再推前一步。於是，她選擇了一種「漂泊」的創作方式，不把自己困在一個固定場所，同時不給自己定下deadline，而是在持續遊歷的過程中，在不同地方寫歌。
Arrows跟debut album基調是相近的，我們聽到的，還是一個女子透過以電子音樂營造的氛圍，訴說着一個個故事，卻同時又呈現了多一點音樂面相。
最突出的肯定是Falling和Subsequently Lost，動聽的synthpop曲風，但Polly明顯又不是在復刻任何一首八十年代舞曲，反而是一次對經典的二十一世紀優美重塑。另一突出的是Miss You，以鋼琴彈奏作為主要編曲，訴說着一個女子對一段關係的緬懷，如泣如訴。即使監製換了人，電影感還是揮之不去，濃罩着整張專輯。
把專輯名字喚作Arrows，是Polly個人希望，希望這一次創作能像箭，把迷失了的她牽引去一個正確的生命方向。對於一個真正唱作人，創作從來都起着一種治癒作用——即使不保證能夠藥到病除。
至於外間給予Polly那個「廿一世紀Kate Bush」的稱號，我認為，只是歌聲上驟聽有點似而已。Kate Bush是Kate Bush，Polly還Polly。
小兵
(轉載自信報)
這世代，市場要求歌手不單是歌手，而應該沾上創作——「創作」二字成為了替歌手add value的光環。於是，阿豬阿狗都趕去扮唱作人，填了半首詞（而根本盡是無病呻吟）的是唱作人，寫了一首歌（而不排除過程中有請槍）的又是唱作人——而最重要是，表演時謹記拿着木結他，掃幾個chord自彈自唱。因為被濫用，唱作人變得廉價。
Polly Scattergood身份也是唱作人，卻絕對名副其實。媒體給予她的稱號，是「廿一世紀Kate Bush」——Kate Bush，上世紀八十年代英倫著名唱作人。而這個跟Kate Bush相提並論、現年二十七歲的英國女子，至今只推出了兩張專輯。
Polly真正對音樂產生意識，是十二歲，美國folk rock女神Suzanne Vega的名曲Luka，深深影響了剛踏入青春期的Polly——歌原來可以這樣寫，可以這樣地說故事。至於唱作人試圖透過歌曲所傳達的核心訊息，則透過歌詞中的那個動人故事來盛載。
Suzanne Vega以外，加拿大唱作詩人Leonard Cohen也是Polly少女時代的音樂啟蒙。後來Polly進了The BRIT School for Performing Arts & Technology，接受音樂教育，期間她開始寫歌，不是一兩首，而是相當驚人的八百首（香港那些自稱唱作人的假唱作人應該汗顏）。
「漂泊」創作方式
經推薦下，Polly跟廠牌Mute簽約，正式出道。一開始她就很清楚自己想造哪一類歌——就是要說故事，透過故事書寫不同的情緒。像Nitrogen Pink，她寫了一個罹患癌症的年輕朋友，因絕症令生命本來擁有的一切美好，慢慢流逝。
故事，自然重要，但大前提還是盛載故事的音樂。2009年首張同名專輯的第一首歌I Hate the Way，超過七分鐘，歌曲結構複雜，作為主體的電子音樂提供了一個氣氛的基調，烘托出一個故事來。I Hate the Way顯示了Polly的才情及駕馭能力。至於專輯監製之一的Simon Fisher Turner，曾替英國著名導演Derek Jarman擔任多齣電影配樂的作曲。Polly首張專輯所提供的濃厚電影感，Simon功不可沒。
新專輯Arrows，距debut album四年，創作時間相當漫長。創作Arrows初期，Polly發現自己所寫的跟前作太相似，而她希望把自己再推前一步。於是，她選擇了一種「漂泊」的創作方式，不把自己困在一個固定場所，同時不給自己定下deadline，而是在持續遊歷的過程中，在不同地方寫歌。
Arrows跟debut album基調是相近的，我們聽到的，還是一個女子透過以電子音樂營造的氛圍，訴說着一個個故事，卻同時又呈現了多一點音樂面相。
最突出的肯定是Falling和Subsequently Lost，動聽的synthpop曲風，但Polly明顯又不是在復刻任何一首八十年代舞曲，反而是一次對經典的二十一世紀優美重塑。另一突出的是Miss You，以鋼琴彈奏作為主要編曲，訴說着一個女子對一段關係的緬懷，如泣如訴。即使監製換了人，電影感還是揮之不去，濃罩着整張專輯。
把專輯名字喚作Arrows，是Polly個人希望，希望這一次創作能像箭，把迷失了的她牽引去一個正確的生命方向。對於一個真正唱作人，創作從來都起着一種治癒作用——即使不保證能夠藥到病除。
至於外間給予Polly那個「廿一世紀Kate Bush」的稱號，我認為，只是歌聲上驟聽有點似而已。Kate Bush是Kate Bush，Polly還Polly。
小兵
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2013年11月12日 星期二
樂隊就是要不獻媚
在那個已經有點遠古的grunge年代，Nirvana/Pearl Jam，是一個抉擇，一個表態。
是的，只能揀一隊來喜歡，壁壘分明。我是Nirvana死忠，所以曾幾何時好憎Pearl Jam。
兩隊主將，同屬最重要的grunge代言人，但在個性的呈現上Kurt Cobain和Eddie Vedder完全迥異。
Kurt Cobain是個存在主義式的荒謬型人物，對世界和生命的深刻體察，統統化做虛無的吶喊。他解決不了任何問題，到最後，他對個人生命的唯一回應就是：向自己射上致命的一槍。Kurt死時，才二十七歲。那是1994年的事。
Eddie Vedder是外向型。他會就社會課題表達意見，會對不公平的商業制度表達不滿。他很清楚自己在做什麼，也讓外界知道他正在做什麼，絕不含糊。最重要是：Eddie認同也不相信自殺這回事。
Nirvana和Pearl Jam的敵對局面，某程度上有着媒體在暗地裏推波助瀾。其實Kurt後來已清楚交代，對Pearl Jam和Eddie音樂取向上的批評純屬他本人的誤解。所以，樂隊之間根本不應該存在敵我矛盾。於是，後來我也順理成章兼愛Pearl Jam。
Nirvana早前推出了最後一張專輯In Utero的二十周年版，Pearl Jam也發表了第十張專輯Lightning Bolt。Pearl Jam最經典專輯自然首選最初三張：Ten、Vs.、Vitalogy，grunge年代經典回憶；grunge熱潮冷卻，樂隊投向hard rock一點的音樂風格，提供了不少優質搖滾作品。千禧後較重要出品，首選2006年的同名專輯Pearl Jam，回到重型grunge結他音牆，直接而硬朗。到了第十張專輯。樂隊成員年齡不是已經五十歲，就是接近五十歲了，他們可以做的，就是不獻媚——不理外界大氣候和音樂潮流，自然地，繼續創作自己所相信的。
老馬有火
過去任何Pearl Jam專輯必定是以急勁曲目作序幕，Lightning Bolt頭兩首作品Getaway和Mind Your Manners，同屬帶點punk rock味的短小爽快精采曲目；Eddie比起這年代很多搖滾樂隊的後生仔主唱，更有火。
Sirens是結他手Mike McCready所寫，他講明寫這首歌時，是想帶有一點點Pink Floyd味道。完成品所呈現的情緒，的確跟過去的Pearl Jam有點不同，也絕對是一首值得細味的優美ballad。緊接的Lightning Bolt，是另一首重型歌曲，但跟Getaway和Mind Your Manners不同，結構上較複雜；而聽着Eddie那種依然充滿力量的嘶叫式唱腔，對我這類Pearl Jam迷來說，是一種無比享受，這也是專輯中我經常翻聽的一首歌。至於hard rock取向的Infallible，完美而不拖泥帶水的歌曲結構，配合Eddie收放自如的情緒和唱腔，充分展示了樂隊的成熟。
Eddie近年以個人姿態先後發表兩張作品，2011年的Ukulele Songs更以folk rock主導，在Lightning Bolt便交出了Swallowed Whole和Sleeping by Myself，可說是他folk rock的進一步探索——尤其留意Eddie在Sleeping by Myself的唱腔，簡直變身成一位民謠歌手。
全碟比較特別的是Let the Records Play，很濃厚的Americana味道，很不像以前聽慣的Pearl Jam。
作為Pearl Jam第十張專輯，效果無疑是有少少雜亂，卻依然具有高度聆聽價值。合作超過二十年的樂隊，一早成名贏得全世界；事過境遷後，還是繼續創作發表新作，而不是一味翻唱經典舊歌取悅舊歌迷，只管動用過去的剩餘價值搵錢，這一點已足夠叫我感動，繼續支持。
小兵
(轉載自信報)
是的，只能揀一隊來喜歡，壁壘分明。我是Nirvana死忠，所以曾幾何時好憎Pearl Jam。
兩隊主將，同屬最重要的grunge代言人，但在個性的呈現上Kurt Cobain和Eddie Vedder完全迥異。
Kurt Cobain是個存在主義式的荒謬型人物，對世界和生命的深刻體察，統統化做虛無的吶喊。他解決不了任何問題，到最後，他對個人生命的唯一回應就是：向自己射上致命的一槍。Kurt死時，才二十七歲。那是1994年的事。
Eddie Vedder是外向型。他會就社會課題表達意見，會對不公平的商業制度表達不滿。他很清楚自己在做什麼，也讓外界知道他正在做什麼，絕不含糊。最重要是：Eddie認同也不相信自殺這回事。
Nirvana和Pearl Jam的敵對局面，某程度上有着媒體在暗地裏推波助瀾。其實Kurt後來已清楚交代，對Pearl Jam和Eddie音樂取向上的批評純屬他本人的誤解。所以，樂隊之間根本不應該存在敵我矛盾。於是，後來我也順理成章兼愛Pearl Jam。
Nirvana早前推出了最後一張專輯In Utero的二十周年版，Pearl Jam也發表了第十張專輯Lightning Bolt。Pearl Jam最經典專輯自然首選最初三張：Ten、Vs.、Vitalogy，grunge年代經典回憶；grunge熱潮冷卻，樂隊投向hard rock一點的音樂風格，提供了不少優質搖滾作品。千禧後較重要出品，首選2006年的同名專輯Pearl Jam，回到重型grunge結他音牆，直接而硬朗。到了第十張專輯。樂隊成員年齡不是已經五十歲，就是接近五十歲了，他們可以做的，就是不獻媚——不理外界大氣候和音樂潮流，自然地，繼續創作自己所相信的。
老馬有火
過去任何Pearl Jam專輯必定是以急勁曲目作序幕，Lightning Bolt頭兩首作品Getaway和Mind Your Manners，同屬帶點punk rock味的短小爽快精采曲目；Eddie比起這年代很多搖滾樂隊的後生仔主唱，更有火。
Sirens是結他手Mike McCready所寫，他講明寫這首歌時，是想帶有一點點Pink Floyd味道。完成品所呈現的情緒，的確跟過去的Pearl Jam有點不同，也絕對是一首值得細味的優美ballad。緊接的Lightning Bolt，是另一首重型歌曲，但跟Getaway和Mind Your Manners不同，結構上較複雜；而聽着Eddie那種依然充滿力量的嘶叫式唱腔，對我這類Pearl Jam迷來說，是一種無比享受，這也是專輯中我經常翻聽的一首歌。至於hard rock取向的Infallible，完美而不拖泥帶水的歌曲結構，配合Eddie收放自如的情緒和唱腔，充分展示了樂隊的成熟。
Eddie近年以個人姿態先後發表兩張作品，2011年的Ukulele Songs更以folk rock主導，在Lightning Bolt便交出了Swallowed Whole和Sleeping by Myself，可說是他folk rock的進一步探索——尤其留意Eddie在Sleeping by Myself的唱腔，簡直變身成一位民謠歌手。
全碟比較特別的是Let the Records Play，很濃厚的Americana味道，很不像以前聽慣的Pearl Jam。
作為Pearl Jam第十張專輯，效果無疑是有少少雜亂，卻依然具有高度聆聽價值。合作超過二十年的樂隊，一早成名贏得全世界；事過境遷後，還是繼續創作發表新作，而不是一味翻唱經典舊歌取悅舊歌迷，只管動用過去的剩餘價值搵錢，這一點已足夠叫我感動，繼續支持。
小兵
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2013年11月5日 星期二
Paul McCartney 七十一歲的創作魄力
我有時會想，如果我是Paul McCartney，還會推出新專輯嗎？嚴格來說是：還有須要出新專輯嗎？
畢竟世人公認最經典的Paul的作品，八至九成都停留在The Beatles時期（一至兩成來自他跟已故妻子Linda McCartney合組的Wings），再努力創作，應該也改變不了世人觀感。而且在商言商，市儈一點看，Paul單憑過去專輯的版稅收入，再加上若有空閒時，搞一搞那種只唱昔日金曲的演唱會（香港老歌手最熱衷的），已足夠食過世——當然，Paul的身家早就夠他食幾世。
但這位七十一歲的老人家，還是推出了全新創作專輯，名字叫做New。
問心，我一直都是站在John Lennon那一邊的。佩服John能夠用音樂，作為他本人言志的載體，對世界有着一種入世得來兼具哲學意味的深層關懷。就算撇除歌詞單純聽歌，John的旋律和編曲也是超越時代；相反聽Paul的舊作，好聽是好聽，卻往往帶有太濃厚時代痕迹，從屬於時代潮流。簡單來說，會過時。
所以，作為The Beatles樂迷的我，只是聽過Paul幾張被譽為經典的專輯而已。直至早幾晚在手機的iTunes app撳撳撳，才知他出了新碟，立即試聽——竟然覺得很好聽很動人！連隨買下。
回味過去
好聽和動人的原因或許是：專輯名字雖然是New，Paul卻藉着不少歌曲回味過去的年輕歲月，有些甚至帶點The Beatles時代的青澀。像On My Way to Work，Paul便訴說自己在未成為全球最知名樂隊成員前、那段做跟車的青春日子。
而更正中The Beatles迷的肯定是Early Days，Paul回憶了最初跟John一齊寫歌夾band的奮鬥期：Dressed in black from head to toe/Two guitars across our backs/We would walk the city roads/Seeking someone who would listen to the music——過去恩恩怨怨都已變得雪淡風輕不再重要，Paul對這些寶貴記憶無限珍重。事實是，聽着Early Days，也像極在聽一首The Beatles中期的folk ballad，旋律悅耳，隱隱然帶有一點點哀愁。
Paul說，近幾年給他最大衝擊是前年才結婚的新妻子Nancy Shevell，New的創作，某程度上也因為這段新婚姻生活而來。Paul寫了一首歌給妻子，就是New，曲式清爽，愉悅感滿載。
這專輯的音樂風格差異很大，而這是Paul預期的效果。他找來了四位監製幫手：Mark Ronson、Ethan Johns、Paul Epworth、Giles Martin（佔最大比重，他是The Beatles監製George Martin兒子），各人風格不同，Paul也任由各人發揮所長——最重要的是，雜得來絕不會亂，畢竟Paul的歌聲辨識度實在太高了。
全碟最特別一曲是Appreciate，如果你跟我說這是來自當代新音樂人的電子作品，我也會信，當中那股迷幻味，卻又像Paul對上世紀六十年代中期迷幻風潮作出的一個小回應。
要數喜歡的則是Everybody Out There，聽着，竟有種在聽九十年代初美國獨立結他音樂的感覺，直接而耐聽。我不會說New能夠跟Paul的昔日經典看齊，但實在佩服他在七十一歲高齡，依然有魄力進行創作，而不是像我們那班（其實一點都不老的）舊歌手般，只識得持之以恆地食老本。而這正是一個音樂人值不值得我們尊重的主因。
小兵
(轉載自信報)
畢竟世人公認最經典的Paul的作品，八至九成都停留在The Beatles時期（一至兩成來自他跟已故妻子Linda McCartney合組的Wings），再努力創作，應該也改變不了世人觀感。而且在商言商，市儈一點看，Paul單憑過去專輯的版稅收入，再加上若有空閒時，搞一搞那種只唱昔日金曲的演唱會（香港老歌手最熱衷的），已足夠食過世——當然，Paul的身家早就夠他食幾世。
但這位七十一歲的老人家，還是推出了全新創作專輯，名字叫做New。
問心，我一直都是站在John Lennon那一邊的。佩服John能夠用音樂，作為他本人言志的載體，對世界有着一種入世得來兼具哲學意味的深層關懷。就算撇除歌詞單純聽歌，John的旋律和編曲也是超越時代；相反聽Paul的舊作，好聽是好聽，卻往往帶有太濃厚時代痕迹，從屬於時代潮流。簡單來說，會過時。
所以，作為The Beatles樂迷的我，只是聽過Paul幾張被譽為經典的專輯而已。直至早幾晚在手機的iTunes app撳撳撳，才知他出了新碟，立即試聽——竟然覺得很好聽很動人！連隨買下。
回味過去
好聽和動人的原因或許是：專輯名字雖然是New，Paul卻藉着不少歌曲回味過去的年輕歲月，有些甚至帶點The Beatles時代的青澀。像On My Way to Work，Paul便訴說自己在未成為全球最知名樂隊成員前、那段做跟車的青春日子。
而更正中The Beatles迷的肯定是Early Days，Paul回憶了最初跟John一齊寫歌夾band的奮鬥期：Dressed in black from head to toe/Two guitars across our backs/We would walk the city roads/Seeking someone who would listen to the music——過去恩恩怨怨都已變得雪淡風輕不再重要，Paul對這些寶貴記憶無限珍重。事實是，聽着Early Days，也像極在聽一首The Beatles中期的folk ballad，旋律悅耳，隱隱然帶有一點點哀愁。
Paul說，近幾年給他最大衝擊是前年才結婚的新妻子Nancy Shevell，New的創作，某程度上也因為這段新婚姻生活而來。Paul寫了一首歌給妻子，就是New，曲式清爽，愉悅感滿載。
這專輯的音樂風格差異很大，而這是Paul預期的效果。他找來了四位監製幫手：Mark Ronson、Ethan Johns、Paul Epworth、Giles Martin（佔最大比重，他是The Beatles監製George Martin兒子），各人風格不同，Paul也任由各人發揮所長——最重要的是，雜得來絕不會亂，畢竟Paul的歌聲辨識度實在太高了。
全碟最特別一曲是Appreciate，如果你跟我說這是來自當代新音樂人的電子作品，我也會信，當中那股迷幻味，卻又像Paul對上世紀六十年代中期迷幻風潮作出的一個小回應。
要數喜歡的則是Everybody Out There，聽着，竟有種在聽九十年代初美國獨立結他音樂的感覺，直接而耐聽。我不會說New能夠跟Paul的昔日經典看齊，但實在佩服他在七十一歲高齡，依然有魄力進行創作，而不是像我們那班（其實一點都不老的）舊歌手般，只識得持之以恆地食老本。而這正是一個音樂人值不值得我們尊重的主因。
小兵
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2013年10月8日 星期二
另一個階段的溫柔式開展
對於一個已經組成接近三十年的樂團還可以有期待嗎？
1986年成軍的Manic Street Preachers形容新專輯Rewind the Film，是在呼應着1998年經典作This is My Truth Tell Me Yours——我是由這張當年大賣的專輯開始接觸MSP，然後再上溯他們的過去。
This is My Truth好聽嗎？當年的我覺得很好聽，MSP以大眾容易受落的流行曲式，訴說他們對於生命和世間的省察。但此曲只是一次偶發性作品。你經由這專輯所聽到的MSP，並非事實之全部——那種過分矯飾的作風，也絕非最原始的MSP。
回到最初，來自英國威爾斯的MSP以帶點glam的造型，配合帶點punk的曲風，針對社會作出激情的批判。MSP首張被視為經典的是1994年的The Holy Bible。在那個Brit-pop冒起的年代，MSP繼續針對社會和人性和人類存在等話題作出深邃的考察，而這全賴Richey Edwards所填寫的歌詞。
1995年2月1日早上七時，倫敦的Embassy Hotel，Richey在check out後便「消失」了；同月17日，他的車被發現棄置在一停車場內——自此之後，Richey沒有再出現。Richey的失蹤，是MSP第一階段的告終。
James Dean Bradfield、Nicky Wire、Sean Moore三人把戰友「離去」的傷感化成一種力量，悉數投放在1996年專輯Everything Must Go。這張專輯標誌着MSP風格上的一次重要轉折——早期的punk收斂了，轉向一種更流行但絕不媚俗的音樂表現，專輯產生了多首重要金曲。然後，This is My Truth把成功延續。
三大特點
千禧後的MSP，銳意回到較hard rock的風格，然後又刻意嘗試重塑早期短悍激烈龐克作風。千禧後十年間，以發表在上述兩種嘗試之間的Send Away the Tigers是MSP各年代的類型風格的一次整合。樂隊的第二階段，以2011年的精選National Treasures作結。
第三階段的開展便是這張Rewind the Film。 MSP形容為在呼應This is My Truth，但除了同樣以中慢板歌曲為主和感傷氣氛籠罩外，便沒有太多類同。
Rewind the Film有三個特點：一、偏向acoustic，把電結他聲量減至最低；二、大量採用法國號角，整體產生了一種古典感；三、找來多位客席歌手獻聲，令歌曲營造了不同的層次質感。
一開始的This Sullen Welsh Heart，輕柔而簡約，像一首歌頌晨間的美麗讚曲，而當James Dean Bradfield和Lucy Rose的歌聲重疊，更產生了極佳效果。Show Me the Wonder，則是首一聽便會喜歡的輕快歌曲，而法國號角更構成了音樂的主調。緊接的Rewind the Film卻是一次對於逝去時光的沉溺，客串獻聲的英國獨立唱作人Richard Hawley的沉厚聲音更突出了那份傷感——然後接上James Dean Bradfield充滿感染力的抑揚唱腔，傷逝的情緒被推至頂點。至於全碟唯一「最MSP」的歌曲，是壓軸的30-Year War。但可以說，整張專輯都是溫柔的。
Rewind the Film會否就是日後MSP風格的揭示？應該不是。MSP早說過他們合共寫好三十多首歌，一部分用了在Rewind the Film，另一部分則留待明年推出的Futurology，至於風格他們早就預告會是重型一點的。
組成近三十年，MSP的未來仍是叫我期待。
小兵
(轉載自信報)
1986年成軍的Manic Street Preachers形容新專輯Rewind the Film，是在呼應着1998年經典作This is My Truth Tell Me Yours——我是由這張當年大賣的專輯開始接觸MSP，然後再上溯他們的過去。
This is My Truth好聽嗎？當年的我覺得很好聽，MSP以大眾容易受落的流行曲式，訴說他們對於生命和世間的省察。但此曲只是一次偶發性作品。你經由這專輯所聽到的MSP，並非事實之全部——那種過分矯飾的作風，也絕非最原始的MSP。
回到最初，來自英國威爾斯的MSP以帶點glam的造型，配合帶點punk的曲風，針對社會作出激情的批判。MSP首張被視為經典的是1994年的The Holy Bible。在那個Brit-pop冒起的年代，MSP繼續針對社會和人性和人類存在等話題作出深邃的考察，而這全賴Richey Edwards所填寫的歌詞。
1995年2月1日早上七時，倫敦的Embassy Hotel，Richey在check out後便「消失」了；同月17日，他的車被發現棄置在一停車場內——自此之後，Richey沒有再出現。Richey的失蹤，是MSP第一階段的告終。
James Dean Bradfield、Nicky Wire、Sean Moore三人把戰友「離去」的傷感化成一種力量，悉數投放在1996年專輯Everything Must Go。這張專輯標誌着MSP風格上的一次重要轉折——早期的punk收斂了，轉向一種更流行但絕不媚俗的音樂表現，專輯產生了多首重要金曲。然後，This is My Truth把成功延續。
三大特點
千禧後的MSP，銳意回到較hard rock的風格，然後又刻意嘗試重塑早期短悍激烈龐克作風。千禧後十年間，以發表在上述兩種嘗試之間的Send Away the Tigers是MSP各年代的類型風格的一次整合。樂隊的第二階段，以2011年的精選National Treasures作結。
第三階段的開展便是這張Rewind the Film。 MSP形容為在呼應This is My Truth，但除了同樣以中慢板歌曲為主和感傷氣氛籠罩外，便沒有太多類同。
Rewind the Film有三個特點：一、偏向acoustic，把電結他聲量減至最低；二、大量採用法國號角，整體產生了一種古典感；三、找來多位客席歌手獻聲，令歌曲營造了不同的層次質感。
一開始的This Sullen Welsh Heart，輕柔而簡約，像一首歌頌晨間的美麗讚曲，而當James Dean Bradfield和Lucy Rose的歌聲重疊，更產生了極佳效果。Show Me the Wonder，則是首一聽便會喜歡的輕快歌曲，而法國號角更構成了音樂的主調。緊接的Rewind the Film卻是一次對於逝去時光的沉溺，客串獻聲的英國獨立唱作人Richard Hawley的沉厚聲音更突出了那份傷感——然後接上James Dean Bradfield充滿感染力的抑揚唱腔，傷逝的情緒被推至頂點。至於全碟唯一「最MSP」的歌曲，是壓軸的30-Year War。但可以說，整張專輯都是溫柔的。
Rewind the Film會否就是日後MSP風格的揭示？應該不是。MSP早說過他們合共寫好三十多首歌，一部分用了在Rewind the Film，另一部分則留待明年推出的Futurology，至於風格他們早就預告會是重型一點的。
組成近三十年，MSP的未來仍是叫我期待。
小兵
(轉載自信報)
2013年9月24日 星期二
四十七歲 回到淒美孤寂的原點
Alison Goldfrapp，四十七歲，剛推出了第六張專輯，名字是Tales of Us。
原來我已追隨了她整整十三年。
對比現在，2000年時我對聆聽新音樂人新組合， 表現得比較渴求，只要封套吸引，便會把專輯買下，這種（衝動的）消費舉動往往令我浪費金錢，但偶爾也會好采「撞中」。像Goldfrapp就是了。
Goldfrapp是二人組合，成員Alison Goldfrapp和Will Gregory，一個幕前一個幕後，但會共同創作。2000年發表的首張專輯Felt Mountain，封面把一張Alison的七分面黑白照片印成一組左右對稱的設計，古典而神秘，我鍾意到不得了。
Felt Mountain提供的，是一種結合了folk、 ambient還有一點trip hop的聲音，跟封套設計一樣，帶有神秘的古典味。Alison以極具感染力的歌聲，訴說着一個個淒美故事。
Felt Mountain為Goldfrapp帶來了成功的起步。但當你以為他們會在後繼作品走淒美舊路，錯了，2003年的Black Cherry和2005年的Supernature，開展了一種帶有七十年代glam rock和八十年代synthpop的跳舞音樂，連Alison的裝扮也華麗起來，化身性感教主。
這個劇變，趕走了一班因為Felt Mountain而愛上Goldfrapp的粉絲，卻吸納了另一批樂迷，也把Goldfrapp帶到一個更流行的境地——但最重要的是，Goldfrapp清楚呈現了他們音樂的兩個面向，而日後他們繼續在這兩個面向上大膽遊走。
2008年的Seventh Tree，以民謠作主導，交出了一張美麗的dream pop作品。2010年的Head First，由封套到音樂到MV都全面擁抱八十年代。去年，Goldfrapp發表了精選集The Singles。
古典神秘形式再探索
一個階段完結了，Goldfrapp以第六張專輯Tales of Us回到他們的原點：Felt Mountain的古典神秘式淒美回來了——但絕對不是Felt Mountain的一次倒模復刻，而是再探索。
十首作品中的九首，都各以一個人物名字作為歌名，每一首，就像一個獨立個體的短篇故事，也像一個四十七歲女子借用不同身份的心靈告白。
開場的Jo和Annabel，以極簡的民謠曲風配上Alison淡然的歌聲，有一種空靈美。Drew的起首或許跟上述兩首差別不大，但中間一段弦樂間奏，轉折之外也鋪陳了後段的一個情緒起伏，是專輯中一首必聽作品。
專輯裏最長篇幅的Alvar，優美低調的dream pop作品；Stranger的孤寂味道，根本就是當年Felt Mountain裏第一首歌Lovely Head的一次重塑，只是十三年後，由四十七歲的Alison唱出來，那種孤寂滲透了因歲月而產生的質感。最後的Clay，則是電影感濃厚的古典樂曲。
Tales of Us特別在「包容」了一首電子樂曲。有人認為相對其他以民謠主導的歌曲，這首Thea顯得尤其突兀，但我由第一次聽Tales of Us，已極度情迷這首被放置在第六首歌的電子作品，是一個很好的節奏轉換（真的，曲目的次序擺放從來都是一門學問），而事實是，歌曲感覺也跟整張專輯很搭配。
在這個（還是很熱的）秋天，這張Tales of Us是很好的日常配樂。
而我相信，我還是會繼續追隨Alison Goldfrapp ——只要繼續唱下去，即使她五十歲六十歲。
小兵
(轉載自信報)
原來我已追隨了她整整十三年。
對比現在，2000年時我對聆聽新音樂人新組合， 表現得比較渴求，只要封套吸引，便會把專輯買下，這種（衝動的）消費舉動往往令我浪費金錢，但偶爾也會好采「撞中」。像Goldfrapp就是了。
Goldfrapp是二人組合，成員Alison Goldfrapp和Will Gregory，一個幕前一個幕後，但會共同創作。2000年發表的首張專輯Felt Mountain，封面把一張Alison的七分面黑白照片印成一組左右對稱的設計，古典而神秘，我鍾意到不得了。
Felt Mountain提供的，是一種結合了folk、 ambient還有一點trip hop的聲音，跟封套設計一樣，帶有神秘的古典味。Alison以極具感染力的歌聲，訴說着一個個淒美故事。
Felt Mountain為Goldfrapp帶來了成功的起步。但當你以為他們會在後繼作品走淒美舊路，錯了，2003年的Black Cherry和2005年的Supernature，開展了一種帶有七十年代glam rock和八十年代synthpop的跳舞音樂，連Alison的裝扮也華麗起來，化身性感教主。
這個劇變，趕走了一班因為Felt Mountain而愛上Goldfrapp的粉絲，卻吸納了另一批樂迷，也把Goldfrapp帶到一個更流行的境地——但最重要的是，Goldfrapp清楚呈現了他們音樂的兩個面向，而日後他們繼續在這兩個面向上大膽遊走。
2008年的Seventh Tree，以民謠作主導，交出了一張美麗的dream pop作品。2010年的Head First，由封套到音樂到MV都全面擁抱八十年代。去年，Goldfrapp發表了精選集The Singles。
古典神秘形式再探索
一個階段完結了，Goldfrapp以第六張專輯Tales of Us回到他們的原點：Felt Mountain的古典神秘式淒美回來了——但絕對不是Felt Mountain的一次倒模復刻，而是再探索。
十首作品中的九首，都各以一個人物名字作為歌名，每一首，就像一個獨立個體的短篇故事，也像一個四十七歲女子借用不同身份的心靈告白。
開場的Jo和Annabel，以極簡的民謠曲風配上Alison淡然的歌聲，有一種空靈美。Drew的起首或許跟上述兩首差別不大，但中間一段弦樂間奏，轉折之外也鋪陳了後段的一個情緒起伏，是專輯中一首必聽作品。
專輯裏最長篇幅的Alvar，優美低調的dream pop作品；Stranger的孤寂味道，根本就是當年Felt Mountain裏第一首歌Lovely Head的一次重塑，只是十三年後，由四十七歲的Alison唱出來，那種孤寂滲透了因歲月而產生的質感。最後的Clay，則是電影感濃厚的古典樂曲。
Tales of Us特別在「包容」了一首電子樂曲。有人認為相對其他以民謠主導的歌曲，這首Thea顯得尤其突兀，但我由第一次聽Tales of Us，已極度情迷這首被放置在第六首歌的電子作品，是一個很好的節奏轉換（真的，曲目的次序擺放從來都是一門學問），而事實是，歌曲感覺也跟整張專輯很搭配。
在這個（還是很熱的）秋天，這張Tales of Us是很好的日常配樂。
而我相信，我還是會繼續追隨Alison Goldfrapp ——只要繼續唱下去，即使她五十歲六十歲。
小兵
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2013年9月10日 星期二
重拾九年前的搖滾狂舞派
我不敢說在未來的日子，再沒有音樂人創製出搖滾新類型，但事實是，千禧過後似乎再沒有「新發明」。但所謂新的類型，很多時不過是以各種舊有事物拼貼而成——關鍵是看你的拼貼技巧高明不高明。
來自蘇格蘭的Franz Ferdinand便絕對是箇中高手。回到2004年，他們的同名debut album是令人驚喜的，驚喜不是來自他們的音樂有多創新，而是能夠把post punk和new wave結合成搖滾舞曲，聽着，令你不禁舞動起來。
Franz Ferdinand在2002年組成，單憑兩年時間，便闖出名堂，全因主將Alex Kapranos摸透市場，在那個吹着post punk復興的大氣候，他以post punk作切入點，滲進舞曲色彩，他本人更講到明：希望製作一張能夠讓（女）樂迷跳舞的專輯。
即使目的是令樂迷跳舞，但Franz Ferdinand作品的基調還是搖滾得很的，你仍然會聽到作為post punk簽名式的密集bassline。
換上一般樂隊，首張專輯便空前成功，通常都不急於發表新作，反正還有頗多剩餘價值可供使用，但Franz Ferdinand在翌年便發表新專輯You Could Have It So Much Better，延續首張專輯的路向，製成了一張同樣精采的作品，每一首均屬精品，同時不乏搶耳的單曲Do You Want To，足以跟來自debut album的金曲Take Me Out並駕齊驅。
樂隊除了在英國大受歡迎，同時順利打入美國市場。2004和2005這兩年，都是Franz Ferdinand的時代。直至今時今日，我依然不時翻聽這兩張經典專輯。
到了第三張專輯，對樂隊來說往往是一個關口——銳意突破還是死守舊路？2009年，樂隊才發表Tonight：Franz Ferdinand。問心，這是一張尷尬作品——明顯想營造一點成熟感覺，以致歌曲結構複雜了，卻同時忘卻了他們當日最令人欣喜的一點：令人舞動的快感。我覺得這專輯有點悶，由始至終只聽過一遍而已。
第四張專輯又是事隔四年之後。期間樂隊曾鬧解散，幸好最後還是能放下歧見。
興奮感覺回歸
Right Thoughts, Right Words, Right Action這專輯名字似乎暗示着：樂隊這次所造的音樂是「對」的。
單曲Right Action，前奏一響起便聽到是最原始Franz Ferdinand感覺——隨即有郁身郁勢的衝動！當日為我帶來無比興奮的Franz Ferdinand回來了。同樣的興奮感覺，還有Love Illumination，充滿了post punk感，是專輯另一重要作品。
有評論認為，以上兩首歌實在太突出，顯得其他歌感覺較平庸，我認同，至少我真的可以再找到好幾首深刻的曲目——Stand on the Horizon以post punk變奏出一種舒爽的格調；Fresh Strawberries則在post punk的基調下，滲着一份低調的優美；而作為專輯下半部起首的Bullet，是最急勁奔放的一首歌曲，絕對是專輯另一個高潮位。
有趣的是The Universe Expanded，帶着一點點迷幻和space rock味道，是一首頗耐聽的小品。壓軸的Goodbye Lovers and Friends，為專輯帶來一個簡單的開放性結尾，歌名似乎象徵着：這是樂隊一個階段的完結。
或許這新作未必及得上首兩張專輯，但我依然找到九年前聽到Franz Ferdinand時的那種興奮。
小兵
(轉載自信報)
來自蘇格蘭的Franz Ferdinand便絕對是箇中高手。回到2004年，他們的同名debut album是令人驚喜的，驚喜不是來自他們的音樂有多創新，而是能夠把post punk和new wave結合成搖滾舞曲，聽着，令你不禁舞動起來。
Franz Ferdinand在2002年組成，單憑兩年時間，便闖出名堂，全因主將Alex Kapranos摸透市場，在那個吹着post punk復興的大氣候，他以post punk作切入點，滲進舞曲色彩，他本人更講到明：希望製作一張能夠讓（女）樂迷跳舞的專輯。
即使目的是令樂迷跳舞，但Franz Ferdinand作品的基調還是搖滾得很的，你仍然會聽到作為post punk簽名式的密集bassline。
換上一般樂隊，首張專輯便空前成功，通常都不急於發表新作，反正還有頗多剩餘價值可供使用，但Franz Ferdinand在翌年便發表新專輯You Could Have It So Much Better，延續首張專輯的路向，製成了一張同樣精采的作品，每一首均屬精品，同時不乏搶耳的單曲Do You Want To，足以跟來自debut album的金曲Take Me Out並駕齊驅。
樂隊除了在英國大受歡迎，同時順利打入美國市場。2004和2005這兩年，都是Franz Ferdinand的時代。直至今時今日，我依然不時翻聽這兩張經典專輯。
到了第三張專輯，對樂隊來說往往是一個關口——銳意突破還是死守舊路？2009年，樂隊才發表Tonight：Franz Ferdinand。問心，這是一張尷尬作品——明顯想營造一點成熟感覺，以致歌曲結構複雜了，卻同時忘卻了他們當日最令人欣喜的一點：令人舞動的快感。我覺得這專輯有點悶，由始至終只聽過一遍而已。
第四張專輯又是事隔四年之後。期間樂隊曾鬧解散，幸好最後還是能放下歧見。
興奮感覺回歸
Right Thoughts, Right Words, Right Action這專輯名字似乎暗示着：樂隊這次所造的音樂是「對」的。
單曲Right Action，前奏一響起便聽到是最原始Franz Ferdinand感覺——隨即有郁身郁勢的衝動！當日為我帶來無比興奮的Franz Ferdinand回來了。同樣的興奮感覺，還有Love Illumination，充滿了post punk感，是專輯另一重要作品。
有評論認為，以上兩首歌實在太突出，顯得其他歌感覺較平庸，我認同，至少我真的可以再找到好幾首深刻的曲目——Stand on the Horizon以post punk變奏出一種舒爽的格調；Fresh Strawberries則在post punk的基調下，滲着一份低調的優美；而作為專輯下半部起首的Bullet，是最急勁奔放的一首歌曲，絕對是專輯另一個高潮位。
有趣的是The Universe Expanded，帶着一點點迷幻和space rock味道，是一首頗耐聽的小品。壓軸的Goodbye Lovers and Friends，為專輯帶來一個簡單的開放性結尾，歌名似乎象徵着：這是樂隊一個階段的完結。
或許這新作未必及得上首兩張專輯，但我依然找到九年前聽到Franz Ferdinand時的那種興奮。
小兵
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2013年8月27日 星期二
十六年後的優美生活禮讚
絕對是2013下半年最令我興奮的comeback。
Travis上一次推出專輯，已是五年前的事，2008年的Ode to J. Smith。
期間樂隊即使還有作公開演唱，又或客串其他音樂人的演出，但再沒有共同發表新歌。我曾以為他們已經名存實亡，只是未曾正式宣告解散而已。只能說，我是由樂隊一出道便追隨至今，十六年了，對他們實在有深厚感情。
來自蘇格蘭格拉斯哥的Travis，組成於1990年，直至1997年才推出首張專輯Good Feeling。1997年，一個Brit-pop開始沒落的年份，不少後Brit-pop樂隊紛紛趕着出陣，趕搭這個潮流尾班車。Travis也曾經被誤認為是渾水摸魚的一分子。
事實卻是，不少所謂「後Brit-pop樂隊」都在千禧前消失了——Travis除外。
嚴格來說，debut album Good Feeling不算是什麼長留青史的專輯，那種已變得陳腔濫調的Brit-pop感也實在太濃烈，以致樂隊風格不夠突出，但專輯至少讓世人知道：一、Fran Healy擁有一把極優美的歌聲；二、樂隊也能寫下長青旋律像Tied to the 90's。
永恆金曲
真正的Travis，見諸世紀末的The Man Who——把Brit-pop風格轉化成為一首首書寫感傷的優美歌曲。單單一張專輯十首歌，當中有一半已成為英國搖滾史的永恆金曲！
更重要的是，在那個搖滾潮流尚在混沌階段的時間，The Man Who的成功提供了一個方向，英國搖滾正式進入了一個感性年代，「帶挈」了一批樂隊乘時而起——Coldplay、Keane、Starsailor、Elbow……Coldplay主將Chris Martin也說過，沒有Travis根本不會有Coldplay。
日後發展是：Coldplay成就比起Travis更高，攻陷美國，他本人甚至娶了荷里活女星Gwyneth Paltrow做老婆……反觀Travis，The Man Who和The Invisible Band兩張專輯無疑令樂隊真的走紅了，但他們沒有只管追逐名利。
當後輩Coldplay早就成為搖滾巨星，Travis在2003年發表了回應英美向伊拉克出兵、曲風變得激烈和低調絕望的12 Memories後，停產足足四年，2007年才推出回歸專輯The Boy with No Name。
不離不棄
即使音樂潮流早已轉了又轉，但Travis依然是Travis，沒有盲目追逐什麼潮流，Fran Healy依然用他優美的歌聲，唱着時而感傷時而歌頌生活的典型Travis歌曲。而事實證明，樂迷喜愛和懷念的Travis，就是他們那份始終如一。
至於剛推出的第七張專輯Where You Stand，依然是大家聽慣聽熟的Travis。別來無恙。對於這次事隔五年後的comeback，低音結他手Dougie Payne說：「只要你離開了一段時間，便會渴望去做回一開始時所做的。」但不代表Where You Stand只是一次對於Good Feeling的復刻。
最初曝光的單曲Where You Stand， 當acoustic結他聲一響起，配合着簡單的鼓擊，舒爽旋律立刻把我們帶回The Man Who和The Invisible Band的感傷時光。
但更強的是第二首單曲Moving，喚起昔日那一個細味日常生活的Travis，這首作品肯定可以成為樂隊另一首永恆金曲。是的，有外國樂評人嫌Travis這張新專輯表現尚可，只是略嫌平庸，作為樂迷的我也有同感，但平庸不代表懨悶，至少我找不到會令人聽得不耐煩的曲目。
而我最感動是，四位成員在青春時走在一起，至今各人都已四十出頭，但依然不離不棄，把成長體驗化作一首首深邃而動聽的生活禮讚。
小兵
(轉載自信報)
Travis上一次推出專輯，已是五年前的事，2008年的Ode to J. Smith。
期間樂隊即使還有作公開演唱，又或客串其他音樂人的演出，但再沒有共同發表新歌。我曾以為他們已經名存實亡，只是未曾正式宣告解散而已。只能說，我是由樂隊一出道便追隨至今，十六年了，對他們實在有深厚感情。
來自蘇格蘭格拉斯哥的Travis，組成於1990年，直至1997年才推出首張專輯Good Feeling。1997年，一個Brit-pop開始沒落的年份，不少後Brit-pop樂隊紛紛趕着出陣，趕搭這個潮流尾班車。Travis也曾經被誤認為是渾水摸魚的一分子。
事實卻是，不少所謂「後Brit-pop樂隊」都在千禧前消失了——Travis除外。
嚴格來說，debut album Good Feeling不算是什麼長留青史的專輯，那種已變得陳腔濫調的Brit-pop感也實在太濃烈，以致樂隊風格不夠突出，但專輯至少讓世人知道：一、Fran Healy擁有一把極優美的歌聲；二、樂隊也能寫下長青旋律像Tied to the 90's。
永恆金曲
真正的Travis，見諸世紀末的The Man Who——把Brit-pop風格轉化成為一首首書寫感傷的優美歌曲。單單一張專輯十首歌，當中有一半已成為英國搖滾史的永恆金曲！
更重要的是，在那個搖滾潮流尚在混沌階段的時間，The Man Who的成功提供了一個方向，英國搖滾正式進入了一個感性年代，「帶挈」了一批樂隊乘時而起——Coldplay、Keane、Starsailor、Elbow……Coldplay主將Chris Martin也說過，沒有Travis根本不會有Coldplay。
日後發展是：Coldplay成就比起Travis更高，攻陷美國，他本人甚至娶了荷里活女星Gwyneth Paltrow做老婆……反觀Travis，The Man Who和The Invisible Band兩張專輯無疑令樂隊真的走紅了，但他們沒有只管追逐名利。
當後輩Coldplay早就成為搖滾巨星，Travis在2003年發表了回應英美向伊拉克出兵、曲風變得激烈和低調絕望的12 Memories後，停產足足四年，2007年才推出回歸專輯The Boy with No Name。
不離不棄
即使音樂潮流早已轉了又轉，但Travis依然是Travis，沒有盲目追逐什麼潮流，Fran Healy依然用他優美的歌聲，唱着時而感傷時而歌頌生活的典型Travis歌曲。而事實證明，樂迷喜愛和懷念的Travis，就是他們那份始終如一。
至於剛推出的第七張專輯Where You Stand，依然是大家聽慣聽熟的Travis。別來無恙。對於這次事隔五年後的comeback，低音結他手Dougie Payne說：「只要你離開了一段時間，便會渴望去做回一開始時所做的。」但不代表Where You Stand只是一次對於Good Feeling的復刻。
最初曝光的單曲Where You Stand， 當acoustic結他聲一響起，配合着簡單的鼓擊，舒爽旋律立刻把我們帶回The Man Who和The Invisible Band的感傷時光。
但更強的是第二首單曲Moving，喚起昔日那一個細味日常生活的Travis，這首作品肯定可以成為樂隊另一首永恆金曲。是的，有外國樂評人嫌Travis這張新專輯表現尚可，只是略嫌平庸，作為樂迷的我也有同感，但平庸不代表懨悶，至少我找不到會令人聽得不耐煩的曲目。
而我最感動是，四位成員在青春時走在一起，至今各人都已四十出頭，但依然不離不棄，把成長體驗化作一首首深邃而動聽的生活禮讚。
小兵
(轉載自信報)
2013年8月13日 星期二
愛情重傷後的音樂自我療程
有時候不是不想購買/擁有實體CD，只是實在有太多樂隊的出品，在香港都難以找到——而基於難以找到，令我們喪失了不少認識新音樂單位的機會。
像美國北卡羅萊納州樂隊The Love Language便是了。過去的我根本不知道有這麼一個樂團。
直至早前一個深夜，無聊地在iTunes「蹓躂」，不經意地見到The Love Language新專輯《Ruby Red》，再不經意地試聽了第一cut《Calm Down》——那股夾雜著Lo-Fi氣息的縹緲迷幻味，伴隨著一把優美而具個性的男聲襲來，立即愛上！
於是連隨買下專輯，在等待下載的同時，再google有關The Love Language的資料，才知道《Ruby Red》原來是樂隊的第三張專輯。
回到最初，The Love Language只是屬於一個深情男子的個人樂隊。
男子名字是Stuart McLamb，曾組過名不經傳的樂隊The Capulets。其後樂隊解散，加上與女友分手，雙重打擊下的落寞Stuart McLamb，回到老家，把自己困在房裡，一邊靜候傷痛痊癒，一邊把之前寫下的一批歌錄製成demo——這批歌，最初其實只是純為前度女友而創作（也僅供女友聆聽），是相當個人、一封給前度的情書。
錄製demo期間Stuart McLamb又想：不如把這些demo擴展成一張專輯吧。完成品，就是2008年發表的debut album《The Love Language》。
《The Love Language》由創作到彈奏到錄製均由Stuart McLamb一人包辦，歌曲以Lo-Fi作基調，滲雜一點點Noise-pop、一點點Psychedelic，結合成一首首哀傷的情詩。
《The Love Language》未有讓Stuart McLamb大紅大紫，卻在北卡羅萊納州的獨立音樂界掀起迴響，同鄉戰友The Rosebuds尤其欣賞他，更邀請他擔任暖場「樂隊」——Stuart McLamb於是找來細佬Jordan McLamb和朋友Missy Thangs，分別擔任鼓手和鍵琴手，由此組成了The Love Language的最初陣容。
其後，The Love Language加盟獨立廠牌Merge Records，著手錄製新專輯。跟錄debut album不同是，這一次加入了監製BJ Burton和混音師從旁協助、監控，既令完成品更具專業品質，也讓Stuart McLamb得以更專心地進行創作。
2010年發表的《Libraries》，風格大致是《The Love Language》的延續，題材卻由上一次的個人私密愛情感懷，擴闊成對生活各個層面感受的展示；同時，唱片監製BJ Burton加入樂隊成為結他手，Stuart McLamb更找來老友Justin Rodermond負責低音結他，The Love Language由最初的solo project，變成一個五人樂團。
剛推出的《Ruby Red》，便是樂隊在五人陣容下的首張作品。感覺上，The Love Language已由最初的Noise Pop，漸漸轉投了Indie Pop懷抱，少了傷痛，多了一份清新明媚的愉悅。
《Calm Down》和《Kids》，為專輯提供了一個直接而充滿活力的開場，而《Calm Down》最後長達兩分鐘的精彩純樂器彈奏，展示了Stuart McLamb最初組團時的Lo-Fi迷幻根源，也是全碟最迷幻時刻。
《Hi Life》有著一份慵懶感，很適合夏天；弦樂的編曲，想必是監製BJ Burton的主意。
《Golden Age》和《For Izzy》作為整張專輯的一個紓緩過場，恰到好處；緊接的是全碟最搖滾的《Faithbreaker》，而且帶有一股英倫味道。
《On Our Heels》頗特別，編曲充滿80年代感，The Love Language突然Synth Pop起來。
《Knots》是很典型的Indie Pop歌曲，憂傷而美麗。最後的《Pilot Lights》，復刻了60年代的搖滾味，當Stuart McLamb唱著I think I'm finally seeing the light，我們知道，當年那個落寞男子，已經走出陰霾。The Love Language已經成為了他生命不可或缺的一個重要部分。
小兵
(轉載自信報)
像美國北卡羅萊納州樂隊The Love Language便是了。過去的我根本不知道有這麼一個樂團。
直至早前一個深夜，無聊地在iTunes「蹓躂」，不經意地見到The Love Language新專輯《Ruby Red》，再不經意地試聽了第一cut《Calm Down》——那股夾雜著Lo-Fi氣息的縹緲迷幻味，伴隨著一把優美而具個性的男聲襲來，立即愛上！
於是連隨買下專輯，在等待下載的同時，再google有關The Love Language的資料，才知道《Ruby Red》原來是樂隊的第三張專輯。
回到最初，The Love Language只是屬於一個深情男子的個人樂隊。
男子名字是Stuart McLamb，曾組過名不經傳的樂隊The Capulets。其後樂隊解散，加上與女友分手，雙重打擊下的落寞Stuart McLamb，回到老家，把自己困在房裡，一邊靜候傷痛痊癒，一邊把之前寫下的一批歌錄製成demo——這批歌，最初其實只是純為前度女友而創作（也僅供女友聆聽），是相當個人、一封給前度的情書。
錄製demo期間Stuart McLamb又想：不如把這些demo擴展成一張專輯吧。完成品，就是2008年發表的debut album《The Love Language》。
《The Love Language》由創作到彈奏到錄製均由Stuart McLamb一人包辦，歌曲以Lo-Fi作基調，滲雜一點點Noise-pop、一點點Psychedelic，結合成一首首哀傷的情詩。
《The Love Language》未有讓Stuart McLamb大紅大紫，卻在北卡羅萊納州的獨立音樂界掀起迴響，同鄉戰友The Rosebuds尤其欣賞他，更邀請他擔任暖場「樂隊」——Stuart McLamb於是找來細佬Jordan McLamb和朋友Missy Thangs，分別擔任鼓手和鍵琴手，由此組成了The Love Language的最初陣容。
其後，The Love Language加盟獨立廠牌Merge Records，著手錄製新專輯。跟錄debut album不同是，這一次加入了監製BJ Burton和混音師從旁協助、監控，既令完成品更具專業品質，也讓Stuart McLamb得以更專心地進行創作。
2010年發表的《Libraries》，風格大致是《The Love Language》的延續，題材卻由上一次的個人私密愛情感懷，擴闊成對生活各個層面感受的展示；同時，唱片監製BJ Burton加入樂隊成為結他手，Stuart McLamb更找來老友Justin Rodermond負責低音結他，The Love Language由最初的solo project，變成一個五人樂團。
剛推出的《Ruby Red》，便是樂隊在五人陣容下的首張作品。感覺上，The Love Language已由最初的Noise Pop，漸漸轉投了Indie Pop懷抱，少了傷痛，多了一份清新明媚的愉悅。
《Calm Down》和《Kids》，為專輯提供了一個直接而充滿活力的開場，而《Calm Down》最後長達兩分鐘的精彩純樂器彈奏，展示了Stuart McLamb最初組團時的Lo-Fi迷幻根源，也是全碟最迷幻時刻。
《Hi Life》有著一份慵懶感，很適合夏天；弦樂的編曲，想必是監製BJ Burton的主意。
《Golden Age》和《For Izzy》作為整張專輯的一個紓緩過場，恰到好處；緊接的是全碟最搖滾的《Faithbreaker》，而且帶有一股英倫味道。
《On Our Heels》頗特別，編曲充滿80年代感，The Love Language突然Synth Pop起來。
《Knots》是很典型的Indie Pop歌曲，憂傷而美麗。最後的《Pilot Lights》，復刻了60年代的搖滾味，當Stuart McLamb唱著I think I'm finally seeing the light，我們知道，當年那個落寞男子，已經走出陰霾。The Love Language已經成為了他生命不可或缺的一個重要部分。
小兵
(轉載自信報)
2013年7月30日 星期二
六十七歲譜出迷離夜
大衛連治（David Lynch），今年六十七歲。一直被外界認知的身份，是導演。
或許他的作品從來都不是什麼荷里活賣座大片，但對電影語言及超現實/現實世界的探尋，大衛連治都是劃時代的。
由1977年首作Eraserhead至今，大衛連治電影作品不多，十部而已。如果你認為基斯杜化路蘭的《潛行凶間》對夢境的展示已極度深奧難明，那麼，你千萬不要看《失憶大道》——當路蘭還會（為了顧及觀眾理解能力）把現實/夢境的分野清楚告知，大衛連治懶得理你，哪一場是現實哪一場是夢他才不會說明……不過，這絕不影響《失憶大道》的震撼和精采——就是因為不清楚交代，才突顯了那份迷離的朦朧美。
大衛連治的偉大除因為他的電影，還有很多方面——他是畫家是家具設計師更是音樂人。早在cult片經典Eraserhead他已寫了一首充滿神秘美的In Heaven。大衛連治真正踏足音樂界的 重要作品，是2001年的BlueBob。在這張與John Neff合作的實驗搖滾作品裏，他除了包辦創作和製作，還貨真價實地彈奏起來，事實證明他的確不是某些跨界創作人般鬧着玩純為製造噱頭。BlueBob裏的Mountains Falling和Go Get Some也有收錄在《失憶大道》中。
到了2001年，大衛連治甚至成為了真正的唱作人，由創作到藍調結他彈奏再到演唱都是他一人包辦。這張Crazy Clown Time，即使找來了Yeah Yeah Yeahs的Karen O獻唱主打Pinky's Dream，但專輯的真正vocal始終是大衛連治。
繼續不真實
專輯融合了實驗搖滾、trip hop、電子等風格類型，大衛連治對這張個人首作的形容是：Electronic Blues Album——所呈現的，就是其電影《藍色夜合花》（Blue Velvet）、《妖夜慌踪》（Lost Highway）那個似實還虛世界的音符化。每一首歌曲都不以易聽、搶耳為前提，卻共同組成了一次迷離聽覺體驗。
當大衛連治還不見有任何電影新作消息時，第二張專輯The Big Dream反而面世了。
The Big Dream是Crazy Clown Time的延續，如果你接受/喜歡上張專輯的話，這一次你依然不會失望（反之亦然）。
專輯基調還是modern blues，至於創作過程也沒什麼特別，一樣是有些歌曲先有旋律，有些則先有歌詞，然後再跟監製Dean Hurley以jam歌方式完成。這次較特別是cover了Bob Dylan的The Ballad of Hollis Brown，但如你熟悉原曲，大衛連治版基本上是兩回事，把原來的folk rock轉化成偏向神秘深邃。
Last Call呈現的電子迷幻味，比起很多當今年輕音樂人所製作的更高深獨到；深沉的Cold Wind Blowin，恍如是任何一齣大衛連治電影的完美主題曲。以吟唱方式演繹的Sun Can't Be Seen No More，充滿了美國公路感，我在想，如果當日《野性的心》（Wild at Heart）能用上這曲便完美了。
這次也有找來女聲獻唱——hidden track I'm Waiting Here，由瑞典唱作人Lykke Li主理，以一份兼具迷離的淒美感為全碟作結。
這張專輯絕對不是人人啱聽。但找一個晚上，靜心去聽吧，讓大衛連治引領你進入一個不真實的、迷離而美麗的世界。
小兵
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或許他的作品從來都不是什麼荷里活賣座大片，但對電影語言及超現實/現實世界的探尋，大衛連治都是劃時代的。
由1977年首作Eraserhead至今，大衛連治電影作品不多，十部而已。如果你認為基斯杜化路蘭的《潛行凶間》對夢境的展示已極度深奧難明，那麼，你千萬不要看《失憶大道》——當路蘭還會（為了顧及觀眾理解能力）把現實/夢境的分野清楚告知，大衛連治懶得理你，哪一場是現實哪一場是夢他才不會說明……不過，這絕不影響《失憶大道》的震撼和精采——就是因為不清楚交代，才突顯了那份迷離的朦朧美。
大衛連治的偉大除因為他的電影，還有很多方面——他是畫家是家具設計師更是音樂人。早在cult片經典Eraserhead他已寫了一首充滿神秘美的In Heaven。大衛連治真正踏足音樂界的 重要作品，是2001年的BlueBob。在這張與John Neff合作的實驗搖滾作品裏，他除了包辦創作和製作，還貨真價實地彈奏起來，事實證明他的確不是某些跨界創作人般鬧着玩純為製造噱頭。BlueBob裏的Mountains Falling和Go Get Some也有收錄在《失憶大道》中。
到了2001年，大衛連治甚至成為了真正的唱作人，由創作到藍調結他彈奏再到演唱都是他一人包辦。這張Crazy Clown Time，即使找來了Yeah Yeah Yeahs的Karen O獻唱主打Pinky's Dream，但專輯的真正vocal始終是大衛連治。
繼續不真實
專輯融合了實驗搖滾、trip hop、電子等風格類型，大衛連治對這張個人首作的形容是：Electronic Blues Album——所呈現的，就是其電影《藍色夜合花》（Blue Velvet）、《妖夜慌踪》（Lost Highway）那個似實還虛世界的音符化。每一首歌曲都不以易聽、搶耳為前提，卻共同組成了一次迷離聽覺體驗。
當大衛連治還不見有任何電影新作消息時，第二張專輯The Big Dream反而面世了。
The Big Dream是Crazy Clown Time的延續，如果你接受/喜歡上張專輯的話，這一次你依然不會失望（反之亦然）。
專輯基調還是modern blues，至於創作過程也沒什麼特別，一樣是有些歌曲先有旋律，有些則先有歌詞，然後再跟監製Dean Hurley以jam歌方式完成。這次較特別是cover了Bob Dylan的The Ballad of Hollis Brown，但如你熟悉原曲，大衛連治版基本上是兩回事，把原來的folk rock轉化成偏向神秘深邃。
Last Call呈現的電子迷幻味，比起很多當今年輕音樂人所製作的更高深獨到；深沉的Cold Wind Blowin，恍如是任何一齣大衛連治電影的完美主題曲。以吟唱方式演繹的Sun Can't Be Seen No More，充滿了美國公路感，我在想，如果當日《野性的心》（Wild at Heart）能用上這曲便完美了。
這次也有找來女聲獻唱——hidden track I'm Waiting Here，由瑞典唱作人Lykke Li主理，以一份兼具迷離的淒美感為全碟作結。
這張專輯絕對不是人人啱聽。但找一個晚上，靜心去聽吧，讓大衛連治引領你進入一個不真實的、迷離而美麗的世界。
小兵
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2013年7月16日 星期二
聽回一個美好的八十年代
組成三十二年，第十二張專輯，依然令人喜出望外。
已經絕少英美樂隊會連續兩年發表新專輯，所以實在估不到，相隔短短一年便又聽到Pet Shop Boys新作。
PSB，1981年組成的英國二人電子樂隊。過去三十年，音樂潮流不知道已經歷了多少次巨變，而跟PSB同時代的音樂單位大部分都已消失了（就算依舊存在也只是名存實亡），PSB能夠繼續定期發表新作兼且得到媒體高度關注，絕對難能可貴。
2009年發表了高評價專輯Yes後，去年推出的Elysium以氣氛先行，似在回應他們1990年的經典轉型作Behaviour。
問心，聽了那麼多年PSB，感情分肯定有——Elysium不是不好聽，但至今我只是完整聽過兩遍而已——氣氛濃重得有點懨悶。
即使外界依舊給予Elysium甚高評價，但或許連PSB本身都意識到該專輯的問題，所以在製作新專輯前便事先張揚向監製強調：他們這一次想做的是dance record。言下之意，明顯希望回到最原始的PSB風格。
連監製也換了。沒有沿用上一趟的Andrew Dawson，改為起用Stuart Price，明顯是看中Stuart那源自electro、synthpop的音樂血脈。當Stuart Price知道PSB想做一張dance record的意願後，他這樣回應：他也希望專輯裏的每一首歌都是愉快兼具新鮮感。雙方態度明確一拍即合。
還有一點值得留意。新專輯的發行不再是跟PSB合作了二十八年的Parlophone，而是由二人成立的獨立廠牌x2發行，有種銳意跟過去道別、重新出發的感覺。
一如以往的PSB，新專輯名字也是只用一個單字；這一次，就是簡簡單單的Electric——單看這個字，已預告了歌曲風格。
Axis，沒有明顯vocal部分，只是一整段充滿早期PSB感的電子舞曲，既充滿了disco感，也為Electric提供了一個synthpop舞曲基調。緊接的Bolshy，歌詞主要就是Neil Tennant不斷唱着「Bolshy」，加上那種電子聲效，一聽，便令我回想起1987年經典專輯Actually的Shopping一曲，充滿躍動感。
躍動電子舞曲
Love Is a Bourgeois Construct也是對那個已逝去的synthpop美好時光的一次重溯，如果你親身經歷過那年代，這首歌肯定令你聽到既愉快又傷感——愉快是勾起對昔日時光的美好回憶，傷感是那個時光已經真的逝去了。至於Fluorescent，當中那層層推進的電子節奏，則營造了冷酷感。
PSB向來擅長以自身的電子舞曲風格，把經典的非電子歌曲進行二次創作，過去名作便有改編自U2的Where The Streets Have No Name；這一次，他們拿了美國國寶級歌手Bruce Springsteen的The Last To Die進行電子詮釋，效果是完美的，也是專輯裏其中一首最襟聽作品。
Shouting in the Evening是PSB對他們九十年代電子舞曲的一次風格整合，盡是興奮莫名的激烈電子節拍。Thursday找來了英國rapper Example，交織成一首像極PSB第一首冠軍單曲West End Girl的優美作品。壓軸的Vocal，繼續八十年代舞曲風格。
懷舊可能真的主導了全球大氣候，外界幾乎一致給予Electric完美評價。這肯定是2013年一張重要作品，也是PSB音樂事業的一個里程碑。
小兵
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已經絕少英美樂隊會連續兩年發表新專輯，所以實在估不到，相隔短短一年便又聽到Pet Shop Boys新作。
PSB，1981年組成的英國二人電子樂隊。過去三十年，音樂潮流不知道已經歷了多少次巨變，而跟PSB同時代的音樂單位大部分都已消失了（就算依舊存在也只是名存實亡），PSB能夠繼續定期發表新作兼且得到媒體高度關注，絕對難能可貴。
2009年發表了高評價專輯Yes後，去年推出的Elysium以氣氛先行，似在回應他們1990年的經典轉型作Behaviour。
問心，聽了那麼多年PSB，感情分肯定有——Elysium不是不好聽，但至今我只是完整聽過兩遍而已——氣氛濃重得有點懨悶。
即使外界依舊給予Elysium甚高評價，但或許連PSB本身都意識到該專輯的問題，所以在製作新專輯前便事先張揚向監製強調：他們這一次想做的是dance record。言下之意，明顯希望回到最原始的PSB風格。
連監製也換了。沒有沿用上一趟的Andrew Dawson，改為起用Stuart Price，明顯是看中Stuart那源自electro、synthpop的音樂血脈。當Stuart Price知道PSB想做一張dance record的意願後，他這樣回應：他也希望專輯裏的每一首歌都是愉快兼具新鮮感。雙方態度明確一拍即合。
還有一點值得留意。新專輯的發行不再是跟PSB合作了二十八年的Parlophone，而是由二人成立的獨立廠牌x2發行，有種銳意跟過去道別、重新出發的感覺。
一如以往的PSB，新專輯名字也是只用一個單字；這一次，就是簡簡單單的Electric——單看這個字，已預告了歌曲風格。
Axis，沒有明顯vocal部分，只是一整段充滿早期PSB感的電子舞曲，既充滿了disco感，也為Electric提供了一個synthpop舞曲基調。緊接的Bolshy，歌詞主要就是Neil Tennant不斷唱着「Bolshy」，加上那種電子聲效，一聽，便令我回想起1987年經典專輯Actually的Shopping一曲，充滿躍動感。
躍動電子舞曲
Love Is a Bourgeois Construct也是對那個已逝去的synthpop美好時光的一次重溯，如果你親身經歷過那年代，這首歌肯定令你聽到既愉快又傷感——愉快是勾起對昔日時光的美好回憶，傷感是那個時光已經真的逝去了。至於Fluorescent，當中那層層推進的電子節奏，則營造了冷酷感。
PSB向來擅長以自身的電子舞曲風格，把經典的非電子歌曲進行二次創作，過去名作便有改編自U2的Where The Streets Have No Name；這一次，他們拿了美國國寶級歌手Bruce Springsteen的The Last To Die進行電子詮釋，效果是完美的，也是專輯裏其中一首最襟聽作品。
Shouting in the Evening是PSB對他們九十年代電子舞曲的一次風格整合，盡是興奮莫名的激烈電子節拍。Thursday找來了英國rapper Example，交織成一首像極PSB第一首冠軍單曲West End Girl的優美作品。壓軸的Vocal，繼續八十年代舞曲風格。
懷舊可能真的主導了全球大氣候，外界幾乎一致給予Electric完美評價。這肯定是2013年一張重要作品，也是PSB音樂事業的一個里程碑。
小兵
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2013年7月2日 星期二
Beady Eye開始擺脫Oasis包袱
一廂情願以為Beady Eye只是Liam Gallagher在Oasis解散後的過渡性組合，所以從沒想過他們竟然會推出第二張專輯。
2009年，Oasis核心成員Noel和Liam Gallagher兩兄弟第N次鬧翻，引致英國國民樂隊正式解散了——大佬作個人發展，細佬卻聯同樂隊成員另組Beady Eye，而且似乎要讓人知道，即使沒有了Noel這個創作主腦，他一樣有能力寫歌創作。
事實是，Beady Eye首張專輯便比Noel的個人大碟Noel Gallagher's High Flying Birds早半年面世，擺明鬥氣。
問心，兩年前的debut album Different Gear,Still Speeding，一開始聽時的確令我相當興奮，有種回到Oasis早期的爽快感，Four Letter Word、Millionaire和Beatles and Stones都是相當優秀的歌曲，問題是當把專輯聽到一半左右，便有種無以為繼的重複沉悶感。
不少評論力讚Different Gear, Still Speeding，我覺得有點過分吹捧。只能說，個別歌曲很好，但整體普通，那種有意復刻Oasis美好時光的意味也太明顯。
兩年過去，Noel和Liam沒有任何重修舊好的迹象，而Beady Eye亦推出了後繼專輯BE。對於BE我是絕對期待的。
三大期待原因
首先，我是聽Oasis大的。在Brit-pop年代的Oasis和Blur大戰，我選擇了支持Oasis，這些年來一直都不離不棄。情意結作祟，不能不期待BE。第二個原因：BE起用了Dave Sitek擔任監製。我期望他的實驗玩味可以為Beady Eye注入一點新感覺，不用再受困於昔日Oasis的包袱。
還有一點：封套。這點其實跟專輯實際質素不構成任何直接關係，但上一張那個封套實在太混亂和普通；這一次，用上意大利情色攝影師Harri Peccinotti的一幀裸女照片作為封套，簡單，但又會令你對封套底下的歌曲底蘊產生浪漫聯想。
結果，BE不致於令我驚為天人，但可以肯定是——絕對比Different Gear, Still Speeding好。
作為專輯起首的Flick of the Finger，充滿氣勢的管樂襲來，底蘊卻是六、七十年代的迷幻感覺。緊接的Soul Love，竟然未有用上一個更緊湊節奏，而是一首淡淡然的folk rock，初聽可能不覺得有什麼特別，卻是愈聽愈有味道。
Second Bite of The Apple的騷靈感覺是另一驚喜，而由相當英倫正宗的Beady Eye譜出，也沒有半點不協調感。這個成功嘗試，極有可能是新監製的Dave Sitek的貢獻。
正如中後期開始向迷幻靠攏的Oasis，迷幻也是Beady Eye的主調，Soon Come Tomorrow便是示範作，間場的演奏尤其精采。
Iz Rite和I'm Just Saying則是相當穩陣的Oasis風作品，我較喜歡前者的舒爽。
七分三十秒的Don't Brother Me，是BE最長的一首歌，雖不致於epic式鉅著，卻是極耐聽的一首優美長篇作品，歌詞中更引用了「Give Peace A Chance」，順道向Liam的搖滾英雄John Lennon作出致敬。
BE未必足以成為一張傳世經典，卻絕對是Beady Eye一次正確的音樂路向選擇，叫我更期望他們第三張專輯——如果有的話。
小兵
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2009年，Oasis核心成員Noel和Liam Gallagher兩兄弟第N次鬧翻，引致英國國民樂隊正式解散了——大佬作個人發展，細佬卻聯同樂隊成員另組Beady Eye，而且似乎要讓人知道，即使沒有了Noel這個創作主腦，他一樣有能力寫歌創作。
事實是，Beady Eye首張專輯便比Noel的個人大碟Noel Gallagher's High Flying Birds早半年面世，擺明鬥氣。
問心，兩年前的debut album Different Gear,Still Speeding，一開始聽時的確令我相當興奮，有種回到Oasis早期的爽快感，Four Letter Word、Millionaire和Beatles and Stones都是相當優秀的歌曲，問題是當把專輯聽到一半左右，便有種無以為繼的重複沉悶感。
不少評論力讚Different Gear, Still Speeding，我覺得有點過分吹捧。只能說，個別歌曲很好，但整體普通，那種有意復刻Oasis美好時光的意味也太明顯。
兩年過去，Noel和Liam沒有任何重修舊好的迹象，而Beady Eye亦推出了後繼專輯BE。對於BE我是絕對期待的。
三大期待原因
首先，我是聽Oasis大的。在Brit-pop年代的Oasis和Blur大戰，我選擇了支持Oasis，這些年來一直都不離不棄。情意結作祟，不能不期待BE。第二個原因：BE起用了Dave Sitek擔任監製。我期望他的實驗玩味可以為Beady Eye注入一點新感覺，不用再受困於昔日Oasis的包袱。
還有一點：封套。這點其實跟專輯實際質素不構成任何直接關係，但上一張那個封套實在太混亂和普通；這一次，用上意大利情色攝影師Harri Peccinotti的一幀裸女照片作為封套，簡單，但又會令你對封套底下的歌曲底蘊產生浪漫聯想。
結果，BE不致於令我驚為天人，但可以肯定是——絕對比Different Gear, Still Speeding好。
作為專輯起首的Flick of the Finger，充滿氣勢的管樂襲來，底蘊卻是六、七十年代的迷幻感覺。緊接的Soul Love，竟然未有用上一個更緊湊節奏，而是一首淡淡然的folk rock，初聽可能不覺得有什麼特別，卻是愈聽愈有味道。
Second Bite of The Apple的騷靈感覺是另一驚喜，而由相當英倫正宗的Beady Eye譜出，也沒有半點不協調感。這個成功嘗試，極有可能是新監製的Dave Sitek的貢獻。
正如中後期開始向迷幻靠攏的Oasis，迷幻也是Beady Eye的主調，Soon Come Tomorrow便是示範作，間場的演奏尤其精采。
Iz Rite和I'm Just Saying則是相當穩陣的Oasis風作品，我較喜歡前者的舒爽。
七分三十秒的Don't Brother Me，是BE最長的一首歌，雖不致於epic式鉅著，卻是極耐聽的一首優美長篇作品，歌詞中更引用了「Give Peace A Chance」，順道向Liam的搖滾英雄John Lennon作出致敬。
BE未必足以成為一張傳世經典，卻絕對是Beady Eye一次正確的音樂路向選擇，叫我更期望他們第三張專輯——如果有的話。
小兵
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2013年6月4日 星期二
三十年後繼續提供聽覺衝擊
組成超過三十年的樂隊多的是，但像Primal Scream仍然能為樂迷提供衝擊的，絕對不多。來到第十張專輯More Light，是Primal Scream自設廠牌後的第一張作品，回歸到他們賴以成名的「迷幻+電子」套路。要了解他們，絕對有需要先了解樂隊的過去。這樂隊過去三十年間風格不斷游移，你喜歡他們這一張專輯，不代表下一張你會必然受落。
上世紀八十年代，還在草創時期所推出的Sonic Flower Groove和Primal Scream，是極端正路的indie rock，評價不高，直到1991年的Screamadelica，Primal Scream把過去那種正路搖滾風完全攆走，帶來了一次迷幻搖滾、電子、跳舞音樂等混合後的新種聲音，破格得前無古人，把Primal Scream推向頂峰。
三年後的Give Out But Don't Give Up，卻不讓你找到任何Screamadelica的痕迹——樂隊毅然玩起藍調搖滾來。這個改變「成功」趕走了因Screamadelica而迷上Primal Scream的樂迷。但這張專輯是耐聽的，我個人便很喜歡。
實驗延伸
1997年的Vanishing Point、2000年的XTRMNTR及2002年的Evil Heat，可算是一個實驗三部曲，再次把迷幻和電子打通血脈。Vanishing Point實驗味較重，不是普遍樂迷所能接受，XTRMNTR卻是一次刺激而淋漓盡致的精采試驗，專輯主題針對美國政府種種對外軍事行動，是樂隊唯一一次有明顯政治statement。外界一致認為XTRMNTR是樂隊另一張經典專輯。作為三部曲最終的Evil Heat，精采，但就是缺乏了XTRMNTR那一份衝激感。往後的Riot City Blues和Beautiful Future，流行味較重，整體略嫌穩陣。當大部分人以為今時今日的Primal Scream，已再無能力提供相等於Screamadelica或XTRMNTR的聽覺衝擊——原來，錯了。
第十張專輯More Light，一開始的2013，開宗明義便是一首長達九分鐘的長篇迷幻搖滾組曲，色士風、Kevin Shields的迷幻結他彈奏完美結合，絕對的精采。緊接的River of Pain，是電影感濃厚的民謠，結合着弦樂，而同時披着一層space rock氛圍。Culturecide則像Vanishing Point裏那神秘的Kowalski，只是這一次換上了較激進感覺。開場三首感覺各異的歌曲，已建構了一個鮮明調子。
Hit Void是碟內另一重要作品，garage rock的起圍，中段完美轉換成free jazz感濃厚的彈奏。至於Invisible City，基調無疑是迷幻，卻又偏向輕快的跳舞音樂感。之後的Goodbye Johnny，卻像在一間古舊酒館所能聽到的浪漫小品。樂隊主將Bobby Gillespie也沒有忘記他們喜愛的藍調搖滾和The Rolling Stones，Elimination Blues是繼Give Out But Don't Give Up之後另一次再向他們音樂的根致敬。
最令Screamadelica樂迷興奮的，肯定是壓軸的It's Alright, It's OK——gospel味濃的這一首歌，根本就是把Screamadelica裏經典曲目Movin' On Up來一次2013年重塑。而我最喜歡的一首歌則是Turn Each Other Inside Out，他們竟然玩起krautrock，向德國經典樂隊Can致敬！
Primal Scream這張新作證明了：歷史悠久的音樂人不代表只能回味過去，其實還可以向前邁進——只視乎願不願意用心罷了。
小兵
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上世紀八十年代，還在草創時期所推出的Sonic Flower Groove和Primal Scream，是極端正路的indie rock，評價不高，直到1991年的Screamadelica，Primal Scream把過去那種正路搖滾風完全攆走，帶來了一次迷幻搖滾、電子、跳舞音樂等混合後的新種聲音，破格得前無古人，把Primal Scream推向頂峰。
三年後的Give Out But Don't Give Up，卻不讓你找到任何Screamadelica的痕迹——樂隊毅然玩起藍調搖滾來。這個改變「成功」趕走了因Screamadelica而迷上Primal Scream的樂迷。但這張專輯是耐聽的，我個人便很喜歡。
實驗延伸
1997年的Vanishing Point、2000年的XTRMNTR及2002年的Evil Heat，可算是一個實驗三部曲，再次把迷幻和電子打通血脈。Vanishing Point實驗味較重，不是普遍樂迷所能接受，XTRMNTR卻是一次刺激而淋漓盡致的精采試驗，專輯主題針對美國政府種種對外軍事行動，是樂隊唯一一次有明顯政治statement。外界一致認為XTRMNTR是樂隊另一張經典專輯。作為三部曲最終的Evil Heat，精采，但就是缺乏了XTRMNTR那一份衝激感。往後的Riot City Blues和Beautiful Future，流行味較重，整體略嫌穩陣。當大部分人以為今時今日的Primal Scream，已再無能力提供相等於Screamadelica或XTRMNTR的聽覺衝擊——原來，錯了。
第十張專輯More Light，一開始的2013，開宗明義便是一首長達九分鐘的長篇迷幻搖滾組曲，色士風、Kevin Shields的迷幻結他彈奏完美結合，絕對的精采。緊接的River of Pain，是電影感濃厚的民謠，結合着弦樂，而同時披着一層space rock氛圍。Culturecide則像Vanishing Point裏那神秘的Kowalski，只是這一次換上了較激進感覺。開場三首感覺各異的歌曲，已建構了一個鮮明調子。
Hit Void是碟內另一重要作品，garage rock的起圍，中段完美轉換成free jazz感濃厚的彈奏。至於Invisible City，基調無疑是迷幻，卻又偏向輕快的跳舞音樂感。之後的Goodbye Johnny，卻像在一間古舊酒館所能聽到的浪漫小品。樂隊主將Bobby Gillespie也沒有忘記他們喜愛的藍調搖滾和The Rolling Stones，Elimination Blues是繼Give Out But Don't Give Up之後另一次再向他們音樂的根致敬。
最令Screamadelica樂迷興奮的，肯定是壓軸的It's Alright, It's OK——gospel味濃的這一首歌，根本就是把Screamadelica裏經典曲目Movin' On Up來一次2013年重塑。而我最喜歡的一首歌則是Turn Each Other Inside Out，他們竟然玩起krautrock，向德國經典樂隊Can致敬！
Primal Scream這張新作證明了：歷史悠久的音樂人不代表只能回味過去，其實還可以向前邁進——只視乎願不願意用心罷了。
小兵
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2013年5月21日 星期二
紐約新生代的出色第三擊
第三張專輯，對一個音樂單位來說至為關鍵——尤其對第一張已紅透的樂隊。當歌手/樂隊推出首張專輯時，外界對他們的認知往往近乎零，不是嫌棄就是受落。嫌棄的不計，如果是受落的話，樂迷通常會沿着首張專輯經營的感覺和效果，去判斷、評價他們日後的作品。所以慣常做法是：第二張專輯沿用之前的成功公式，或強化，或修改一點點，而絕少會完全推倒。
真正重大的變革，往往在第三張專輯才發生。像Vampire Weedend便是。這個四人紐約樂隊，2006年組成，2008年推出同名專輯，立即受到媒體和樂迷熱烈擁戴，說他們是千禧後冒起最快的樂隊也不為過。
四名成員，Ezra Koenig（主唱）、Rostam Batmanglij（鍵琴手）、Chris Baio（低音結他手）及Chris Tomson（鼓手），組成樂隊時同樣二十出頭（現在依然沒有一個是三字頭），同樣喜愛punk和非洲音樂，而音樂喜好順理成章主導了樂隊風格，並充分反映在首張專輯裏：歌曲短小直接、節奏極強，兼具濃厚reggae感覺。
更重要的是，四人的知性形象也起着正面幫助，讓他們更易入屋。
後繼專輯Contra在兩年後面世，基本是首張專輯的強化版，成功元素一一被保留，外間反應普遍讚好（但問心，我不太喜歡Contra）。
然後，經歷了漫長的巡迴演唱，四人分開了一會，Rostam Batmanglij搞個人side project再去印度進行深度遊，Chris Baio客串做電影配樂，Ezra Koenig因同女友分手而搬到洛杉磯療情傷……
直至2011年，四人再次走在一起。他們決定製作一張不同於過去風格的新專輯。首先，他們不為專輯訂下任何完成期限，不用趕deadline。他們還找來Ariel Rechtshaid擔任監製。過去兩張一概由Rostam Batmanglij獨力監製，這次請外援，就是想有多一對耳朵監聽他們做出來的音樂。
不一樣的聆聽感覺
錄音，他們分別在多個地方進行，除了尋找新鮮感，也有實際作用，其中荷里活Vox Studios的古董器材，便正中樂隊這次想追求的——他們認為時下音樂數碼化，樂迷接受到的往往存在一種數碼式的尖銳聲音，新專輯希望提供舊一點的聆聽感覺——這還不夠，樂隊甚至在錄音期間，分別用上不同級數的高門檻耳筒及這年頭最普及的iPhone專用耳筒，去研究箇中音質存在的差距，然後再作調整。
那麼，完成品Modern Vampires of the City是否跟過去的Vampire Weekend完全不同？不算是，樂隊不少「註冊商標」依然俯拾皆是，但他們又的確在不改動原來框框下，呈現出另一個面貌的Vampire Weekend。
最先曝光、用上合成器改動Ezra Koenig歌聲（變成BB聲甚至老人聲）的Diane Young，是輕快爽朗的Vampire Weekend本色作品，一聽便上癮。用上弦樂的Everlasting Arms，優美迷人的中慢板歌曲；Finger Back，則是我全碟最喜歡的一首歌！
至於Step，建議到YouTube看看這首歌的MV，整個MV只是拍黑白的紐約景貌，並配上反白字歌詞，極簡單但也極好看！你會看到樂隊對紐約的愛。最後，我是用iPhone來聽Vampire Weekend這張新專輯的。傳進耳裏的聲音，似乎真的跟聽其他樂隊的有點不同。我不知道是否心理作用。
小兵
(轉載自信報)
真正重大的變革，往往在第三張專輯才發生。像Vampire Weedend便是。這個四人紐約樂隊，2006年組成，2008年推出同名專輯，立即受到媒體和樂迷熱烈擁戴，說他們是千禧後冒起最快的樂隊也不為過。
四名成員，Ezra Koenig（主唱）、Rostam Batmanglij（鍵琴手）、Chris Baio（低音結他手）及Chris Tomson（鼓手），組成樂隊時同樣二十出頭（現在依然沒有一個是三字頭），同樣喜愛punk和非洲音樂，而音樂喜好順理成章主導了樂隊風格，並充分反映在首張專輯裏：歌曲短小直接、節奏極強，兼具濃厚reggae感覺。
更重要的是，四人的知性形象也起着正面幫助，讓他們更易入屋。
後繼專輯Contra在兩年後面世，基本是首張專輯的強化版，成功元素一一被保留，外間反應普遍讚好（但問心，我不太喜歡Contra）。
然後，經歷了漫長的巡迴演唱，四人分開了一會，Rostam Batmanglij搞個人side project再去印度進行深度遊，Chris Baio客串做電影配樂，Ezra Koenig因同女友分手而搬到洛杉磯療情傷……
直至2011年，四人再次走在一起。他們決定製作一張不同於過去風格的新專輯。首先，他們不為專輯訂下任何完成期限，不用趕deadline。他們還找來Ariel Rechtshaid擔任監製。過去兩張一概由Rostam Batmanglij獨力監製，這次請外援，就是想有多一對耳朵監聽他們做出來的音樂。
不一樣的聆聽感覺
錄音，他們分別在多個地方進行，除了尋找新鮮感，也有實際作用，其中荷里活Vox Studios的古董器材，便正中樂隊這次想追求的——他們認為時下音樂數碼化，樂迷接受到的往往存在一種數碼式的尖銳聲音，新專輯希望提供舊一點的聆聽感覺——這還不夠，樂隊甚至在錄音期間，分別用上不同級數的高門檻耳筒及這年頭最普及的iPhone專用耳筒，去研究箇中音質存在的差距，然後再作調整。
那麼，完成品Modern Vampires of the City是否跟過去的Vampire Weekend完全不同？不算是，樂隊不少「註冊商標」依然俯拾皆是，但他們又的確在不改動原來框框下，呈現出另一個面貌的Vampire Weekend。
最先曝光、用上合成器改動Ezra Koenig歌聲（變成BB聲甚至老人聲）的Diane Young，是輕快爽朗的Vampire Weekend本色作品，一聽便上癮。用上弦樂的Everlasting Arms，優美迷人的中慢板歌曲；Finger Back，則是我全碟最喜歡的一首歌！
至於Step，建議到YouTube看看這首歌的MV，整個MV只是拍黑白的紐約景貌，並配上反白字歌詞，極簡單但也極好看！你會看到樂隊對紐約的愛。最後，我是用iPhone來聽Vampire Weekend這張新專輯的。傳進耳裏的聲音，似乎真的跟聽其他樂隊的有點不同。我不知道是否心理作用。
小兵
(轉載自信報)
2013年5月7日 星期二
生命情調的正力量
有些樂隊表面看來相當幸運，在推出首張專輯後瞬即大紅大紫，像The Lumineers便是了。
但我們不知道的往往是，樂隊在成功之前的長時間等待和堅持。
The Lumineers最早期的成員只有兩人，Wesley Schultz和Jeremiah Fraites——Wesley最初認識的其實是Jeremiah的哥哥Josh。Josh向有吸毒陋習，在十九歲更因此而死去。
一個失去了摯友，而另一個則失去了哥哥，同樣活於傷痛中的Wesley 和Jeremiah 決定走在一起，由2005年開始共同創作，並以Wesley Jeremiah 的名義，在新澤西州的小鎮作公開演出——只是，待在小鎮的他們並沒有因而成名。為尋覓機會，二人毅然搬到紐約Brooklyn 居住，但礙於生活指數高企，惟有退守科羅拉多州的丹佛。
在丹佛，二人遇上了女大提琴手Neyla Pekarek，一拍即合，並組成The Lumineers。
Neyla加入後，The Lumineers終於創作了Ho Hey 這首樂隊金曲——但在那段時間The Lumineers 還是名不經傳，他們把Ho Hey 的一個演出片段放上YouTube，偶然給Christen Greene和David Meinert看見，認為The Lumineers極具潛質，二話不說便把樂隊羅致，為樂隊錄製專輯。
推出專輯前，先以單曲Ho Hey 試試水溫。事實證明，Christen Greene和David Meinert的確眼光獨到，以folk rock作基調的Ho Hey ，很快便為The Lumineers建立名聲，除了被美劇採用，更被不少媒體選為2012年最佳歌曲。
饒富趣味
The Lumineers玩的是不含雜質、Americana 式的folk rock。環看美國，有大量同類型樂隊，The Lumineers能突圍，原因是他們在簡單的folk rock 風格中玩出了趣味，而不是一式一樣的倒模作品。
歌曲題材上，The Lumineers主要畫寫樂隊成員對生活的一些觀察，對生命的一點反思，沒有沉溺在自怨自艾的所謂苦痛中，不販賣悲痛，反而帶有一種積極力量。
當然最關鍵還是主唱的Wesley，他的聲音，絕對為The Lumineers的歌曲提供了說服力和感染力。
一開始的Flowers In Your Hair ，簡單寧靜的結他彈奏，伴隨Wesley的歌聲，不夠兩分鐘，卻為全碟提供了一個優美的基調。
Classy Girls 是極度美國風情的一首輕快歌曲，聽著，似被牽引至一個洋溢人情味的美國小鎮去。緊接的Submarines ，感覺大同小異，輕鬆舒爽。
Dead Sea ，帶點憂傷，歌詞寫的是：生活再艱難乏味，還是有一個人願意當你的Dead Sea——讓你不致持續地下沉，而得到浮上水面吸一口氣的力量。
為樂隊帶來空前成功的Ho Hey ，我認為，這首歌最突出地方是穿插在每段歌詞之間的Ho! 和Hey!，把一首單純直接的清新folk rock，成功add value，令簡單的東西不再簡單。而在感覺輕快的歌聲下，其實在說樂隊未成名前的故事：身無分文，只能躲在陋室中，而唯一可以做的，就是努力寫歌。之後的Slow It Down ，真的慢了下來，在極簡的結他彈奏伴隨下，Wesley訴說一個傷感的凡人小故事。
其他歌曲，感覺大致相同，較特別的是Charlie Boy，不太美式，反而有點英倫味；壓軸的Morning Song ，偏向indie rock（甚至令我遙想起Brit pop年代的歌），為全碟帶來一個激昂的結束。
小兵
(轉載自信報)
但我們不知道的往往是，樂隊在成功之前的長時間等待和堅持。
The Lumineers最早期的成員只有兩人，Wesley Schultz和Jeremiah Fraites——Wesley最初認識的其實是Jeremiah的哥哥Josh。Josh向有吸毒陋習，在十九歲更因此而死去。
一個失去了摯友，而另一個則失去了哥哥，同樣活於傷痛中的Wesley 和Jeremiah 決定走在一起，由2005年開始共同創作，並以Wesley Jeremiah 的名義，在新澤西州的小鎮作公開演出——只是，待在小鎮的他們並沒有因而成名。為尋覓機會，二人毅然搬到紐約Brooklyn 居住，但礙於生活指數高企，惟有退守科羅拉多州的丹佛。
在丹佛，二人遇上了女大提琴手Neyla Pekarek，一拍即合，並組成The Lumineers。
Neyla加入後，The Lumineers終於創作了Ho Hey 這首樂隊金曲——但在那段時間The Lumineers 還是名不經傳，他們把Ho Hey 的一個演出片段放上YouTube，偶然給Christen Greene和David Meinert看見，認為The Lumineers極具潛質，二話不說便把樂隊羅致，為樂隊錄製專輯。
推出專輯前，先以單曲Ho Hey 試試水溫。事實證明，Christen Greene和David Meinert的確眼光獨到，以folk rock作基調的Ho Hey ，很快便為The Lumineers建立名聲，除了被美劇採用，更被不少媒體選為2012年最佳歌曲。
饒富趣味
The Lumineers玩的是不含雜質、Americana 式的folk rock。環看美國，有大量同類型樂隊，The Lumineers能突圍，原因是他們在簡單的folk rock 風格中玩出了趣味，而不是一式一樣的倒模作品。
歌曲題材上，The Lumineers主要畫寫樂隊成員對生活的一些觀察，對生命的一點反思，沒有沉溺在自怨自艾的所謂苦痛中，不販賣悲痛，反而帶有一種積極力量。
當然最關鍵還是主唱的Wesley，他的聲音，絕對為The Lumineers的歌曲提供了說服力和感染力。
一開始的Flowers In Your Hair ，簡單寧靜的結他彈奏，伴隨Wesley的歌聲，不夠兩分鐘，卻為全碟提供了一個優美的基調。
Classy Girls 是極度美國風情的一首輕快歌曲，聽著，似被牽引至一個洋溢人情味的美國小鎮去。緊接的Submarines ，感覺大同小異，輕鬆舒爽。
Dead Sea ，帶點憂傷，歌詞寫的是：生活再艱難乏味，還是有一個人願意當你的Dead Sea——讓你不致持續地下沉，而得到浮上水面吸一口氣的力量。
為樂隊帶來空前成功的Ho Hey ，我認為，這首歌最突出地方是穿插在每段歌詞之間的Ho! 和Hey!，把一首單純直接的清新folk rock，成功add value，令簡單的東西不再簡單。而在感覺輕快的歌聲下，其實在說樂隊未成名前的故事：身無分文，只能躲在陋室中，而唯一可以做的，就是努力寫歌。之後的Slow It Down ，真的慢了下來，在極簡的結他彈奏伴隨下，Wesley訴說一個傷感的凡人小故事。
其他歌曲，感覺大致相同，較特別的是Charlie Boy，不太美式，反而有點英倫味；壓軸的Morning Song ，偏向indie rock（甚至令我遙想起Brit pop年代的歌），為全碟帶來一個激昂的結束。
小兵
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2013年4月23日 星期二
今年最期待的女聲回歸
今年最期待的專輯。今年最期待的女聲。說的是Yeah Yeah Yeahs的專輯Mosquito。
無疑結他手Nick Zinner和鼓手Brian Chase都是出色音樂人，但如果YYYs沒有了Karen O這把女聲，我不認為樂隊會成功，又或成功得這麼早。
Karen O最初跟Nick Zinner組成的二人樂隊，玩的是抒情的acoustic，但很快，兩人意識到這是個錯誤決定——acoustic歌曲在本質上已經浪費了Karen O！她明明擁有一把變化多端的歌聲，既可溫柔更可暴烈（她的尖叫嘶叫式唱腔絕對傲視同儕所向披靡），於是，他們把音樂風格完全修正過來，投進了2000年後爆發的post-punk revival風潮。
2003年的首張專輯Fever to Tell，便把YYYs風格成功確立，Karen O既可交出比不少男歌手更強勁火爆的原始力量，深情起來時，可瞬間做回一個溫柔女子。結果，專輯評價和銷售同告成功，YYYs成為了千禧後其中一個最重要搖滾單位。
首張專輯便成功，換轉其他樂隊可能會趕忙推出後繼作，但YYYs沒有，過了三年，才交出Show Your Bones，既保留了Fever to Tell溫柔與暴烈交替進行的優點，同時更重視每一首歌曲的音樂修飾，讓整體更趨精緻。
然後，又是另一個三年。It's Blitz!依然是很YYYs的作品，Karen O依然交出簽名式唱腔，但火氣上，明顯比Show Your Bones收斂了——有樂迷不喜歡，這改變卻幫助樂隊吸收了一批新樂迷。不變是，YYYs依然交出高質素作品，例如Zero，便絕對是一首金曲，我可以連續聽上五六遍都不覺悶。
簡約直接
到了Mosquito，不再遵循過往每隔三年便出新碟的慣例，跟It's Blitz!足足相隔了四年。對於新碟，Karen O事先聲明：這一次會很lo-fi！
這個聲明，似乎有意說明Mosquito會跟過往兩張專輯有所不同，但事實是，YYYs並沒有玩起lo-fi rock來，而是歌曲感覺簡約直接了，但亦偏重了跟電音的結合——監製之一便包括了電子組合LCD Soundsystem的James Murphy。
在不少歌曲都可聽到電音的應用，營造了一種較偏向迷幻、夢幻的氛圍——是風格轉了嗎？其實，這感覺在It's Blitz!早已有預告。
為了突出這風格吧，YYYs便以Sacrilege作為先行單曲，神秘而迷幻，無疑感覺是不太YYYs，但憑藉Karen O辨識度極高的歌聲，你還是會輕易愛上它——老實，Sacrilege絕對是首優質歌曲，相當易入腦。另一首同類型作品Subway，透着一點點dream pop的神秘飄渺和出塵感覺，Karen O也唱得特別溫柔婉約。
較特別的是Buried Alive，竟然找來了rapper Kool Keith合作，這跟Karen O近年的音樂口味有關——原來她多聽了reggae。但即使加入了rap，卻沒有令效果突兀，反而還很配合。
那麼當初讓YYYs揚名的暴烈歌曲還有沒有？還是有的，Mosquito和Area 52便真正呈現YYYs本色，同樣不超過三分鐘，也同樣是最簡單的結他與鼓與Karen O嘶叫的組合，短小精悍，痛快淋漓。最後的Wedding Song，則是全碟最動人時刻。原來癲喪暴烈背後，Karen O也是一個纖細的溫柔女子。
Mosquito使我繼續對YYYs不離不棄。唯一要罵的是，今次的唱片封套實在太核突了。
小兵
(轉載自信報)
無疑結他手Nick Zinner和鼓手Brian Chase都是出色音樂人，但如果YYYs沒有了Karen O這把女聲，我不認為樂隊會成功，又或成功得這麼早。
Karen O最初跟Nick Zinner組成的二人樂隊，玩的是抒情的acoustic，但很快，兩人意識到這是個錯誤決定——acoustic歌曲在本質上已經浪費了Karen O！她明明擁有一把變化多端的歌聲，既可溫柔更可暴烈（她的尖叫嘶叫式唱腔絕對傲視同儕所向披靡），於是，他們把音樂風格完全修正過來，投進了2000年後爆發的post-punk revival風潮。
2003年的首張專輯Fever to Tell，便把YYYs風格成功確立，Karen O既可交出比不少男歌手更強勁火爆的原始力量，深情起來時，可瞬間做回一個溫柔女子。結果，專輯評價和銷售同告成功，YYYs成為了千禧後其中一個最重要搖滾單位。
首張專輯便成功，換轉其他樂隊可能會趕忙推出後繼作，但YYYs沒有，過了三年，才交出Show Your Bones，既保留了Fever to Tell溫柔與暴烈交替進行的優點，同時更重視每一首歌曲的音樂修飾，讓整體更趨精緻。
然後，又是另一個三年。It's Blitz!依然是很YYYs的作品，Karen O依然交出簽名式唱腔，但火氣上，明顯比Show Your Bones收斂了——有樂迷不喜歡，這改變卻幫助樂隊吸收了一批新樂迷。不變是，YYYs依然交出高質素作品，例如Zero，便絕對是一首金曲，我可以連續聽上五六遍都不覺悶。
簡約直接
到了Mosquito，不再遵循過往每隔三年便出新碟的慣例，跟It's Blitz!足足相隔了四年。對於新碟，Karen O事先聲明：這一次會很lo-fi！
這個聲明，似乎有意說明Mosquito會跟過往兩張專輯有所不同，但事實是，YYYs並沒有玩起lo-fi rock來，而是歌曲感覺簡約直接了，但亦偏重了跟電音的結合——監製之一便包括了電子組合LCD Soundsystem的James Murphy。
在不少歌曲都可聽到電音的應用，營造了一種較偏向迷幻、夢幻的氛圍——是風格轉了嗎？其實，這感覺在It's Blitz!早已有預告。
為了突出這風格吧，YYYs便以Sacrilege作為先行單曲，神秘而迷幻，無疑感覺是不太YYYs，但憑藉Karen O辨識度極高的歌聲，你還是會輕易愛上它——老實，Sacrilege絕對是首優質歌曲，相當易入腦。另一首同類型作品Subway，透着一點點dream pop的神秘飄渺和出塵感覺，Karen O也唱得特別溫柔婉約。
較特別的是Buried Alive，竟然找來了rapper Kool Keith合作，這跟Karen O近年的音樂口味有關——原來她多聽了reggae。但即使加入了rap，卻沒有令效果突兀，反而還很配合。
那麼當初讓YYYs揚名的暴烈歌曲還有沒有？還是有的，Mosquito和Area 52便真正呈現YYYs本色，同樣不超過三分鐘，也同樣是最簡單的結他與鼓與Karen O嘶叫的組合，短小精悍，痛快淋漓。最後的Wedding Song，則是全碟最動人時刻。原來癲喪暴烈背後，Karen O也是一個纖細的溫柔女子。
Mosquito使我繼續對YYYs不離不棄。唯一要罵的是，今次的唱片封套實在太核突了。
小兵
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2013年4月9日 星期二
向搖滾黃金時代的高質素致敬
不知道其他人怎麼想，但我相信Dave Grohl是真心愛音樂的人——嚴格來說，是真心愛搖滾。
Dave Grohl所愛的搖滾，並不是那些純粹擺姿態、貪圖有型的，而是硬橋硬馬、絕對講究技術的。
他曾經是Nirvana鼓手，在樂隊短促的生命裡，先後參與了最重要的兩張專輯《Nevermind》和《In Utero》，可以說，他精準的鼓為Nirvana給予了力量。當主將Kurt Cobain在1994年4月自殺身亡後，Dave Grohl並沒有沉溺在世人對樂隊的無限追思中，更沒有一味在動用Nirvana的剩餘價值（搵錢），反而積極進行個人樂隊Foo Fighters的工作——Foo Fighters最初只有Dave Grohl一個成員，首張專輯裡的歌曲，大部分樂器演奏均由他包辦，而他本人也肩負起vocal重任。事實證明，Dave Grohl不只是一個鼓手，而是能作能寫能彈（結他）的全材。
Foo Fighters也沒有追隨Nirvana的Grunge，反而回到一種更傳統的Hard Rock風格，直接明快。由1994年至今，Foo Fighters已由Dave Grohl的個人project，演變成美國一個最具代表性的搖滾樂團。
但Dave Grohl從不滿足於Foo Fighters的成功，他試過在遇上創作樽頸時，替Queens of the Stone Age擔任一整張專輯的鼓手，目的，就只為脫離創作煩惱，找回一種最原始最純粹的音樂感覺。事實是，多年來他幫過不少音樂單位打鼓，像Paul McCartney、David Bowie、 Cat Power等等——而且別誤會他只會幫助知名音樂人，甚至連曾當過演員後來轉去了玩搖滾的Juliette Lewis，也得過Dave Grohl幫助。
2009年，Dave Grohl聯同Led Zeppelin的John Paul Jones，以及Queens of the Stone Age的Josh Homme，組成Them Crooked Vultures，而他本人，只擔任創作和鼓手，vocal一職則交由好友Josh Homme。他並不是一個藉搖滾出風頭的「偽人」。
Dave Grohl最新完成的side project，是做導演，拍紀錄片《Sound City》。
Sound City Studios是一所位於洛杉磯的錄音室，由1969年開始營運到2011年關閉，多年來不少經典搖滾專輯都在這裡錄音，例如Neil Young的《After the Gold Rush》、Fleetwood Mac的同名專輯、Rage Against the Machine的debut album、Metallica的《Death Magnetic》等等……
而當中更包括了Nirvana成功讓Alternative Rock佔領主流音樂的《Nevermind》。
這所錄音室對Dave Grohl意義深遠。經由它所產生的專輯，不僅多年來給予Dave Grohl搖滾養份，也見證著搖滾音樂在數碼科技盛行以前的那一個風起雲湧時代，不同年代的不同樂隊，都在戮力創作，嘗試把搖滾推向一個前人未曾到過的新境地。在Sound City Studios關閉時，Dave Grohl買下錄音室的NEVE Console混音器，放在他個人的Studio 606收藏，但這樣還未夠，他決定親自拍一部紀錄片，找來多個年代的音樂人，訴說那一個已經消散了、最好的搖滾時光。
伴隨著紀錄片的，是一張名叫《Sound City: Real to Reel》的soundtrack，當中收錄的歌曲並非舊歌，而是全新創作。Soundtrack的骨幹成員是Dave Grohl和前Nirvana低音結他手Krist Novoselic（他們還起了一個樂隊名字叫Sound City Players），而其餘獲邀的，包括Trent Reznor、Stevie Nicks、Josh Homme等，甚至還請來了Paul McCartney。只能夠說，陣容實在強得誇張。
Dave Grohl本人一如以往，並沒有「爭住唱」，反而把大部分歌曲的vocal位置，留給各客席音樂人。
Paul McCartney主唱的話題作《Cut Me Some Slack》，大概是他自The Beatles《White Album》以來最Hard Rock的一次，而且別忘記Paul已經是個70歲老人。
Slipknot主將Corey Taylor的《From Can to Can't》，完全沒有Rap Metal味，反而是一首舊式搖滾激情組曲。
Josh Homme的《Centipede》，出奇地，竟是一首抒情ballad。
澳洲傳奇搖滾音樂人Rick Springfield的《The Man That Never Was》，則是一首類似Foo Fighters的Power Pop式歌曲，力量主導了一切。
而我最喜歡的是Stevie Nicks主唱的《You Can't Fix This》。Stevie Nicks，經典Blues Rock/Soft Rock樂隊Fleetwood Mac的主唱。《You Can't Fix This》明顯在重塑一份70年代感覺，就像Fleetwood Mac在那年頭所創作的歌曲，帶著憂傷的味道。
這是Dave Grohl獻給那個已逝去的搖滾黃金時代的一張優質致敬專輯。全碟推薦。
小兵
(轉載自信報)
Dave Grohl所愛的搖滾，並不是那些純粹擺姿態、貪圖有型的，而是硬橋硬馬、絕對講究技術的。
他曾經是Nirvana鼓手，在樂隊短促的生命裡，先後參與了最重要的兩張專輯《Nevermind》和《In Utero》，可以說，他精準的鼓為Nirvana給予了力量。當主將Kurt Cobain在1994年4月自殺身亡後，Dave Grohl並沒有沉溺在世人對樂隊的無限追思中，更沒有一味在動用Nirvana的剩餘價值（搵錢），反而積極進行個人樂隊Foo Fighters的工作——Foo Fighters最初只有Dave Grohl一個成員，首張專輯裡的歌曲，大部分樂器演奏均由他包辦，而他本人也肩負起vocal重任。事實證明，Dave Grohl不只是一個鼓手，而是能作能寫能彈（結他）的全材。
Foo Fighters也沒有追隨Nirvana的Grunge，反而回到一種更傳統的Hard Rock風格，直接明快。由1994年至今，Foo Fighters已由Dave Grohl的個人project，演變成美國一個最具代表性的搖滾樂團。
但Dave Grohl從不滿足於Foo Fighters的成功，他試過在遇上創作樽頸時，替Queens of the Stone Age擔任一整張專輯的鼓手，目的，就只為脫離創作煩惱，找回一種最原始最純粹的音樂感覺。事實是，多年來他幫過不少音樂單位打鼓，像Paul McCartney、David Bowie、 Cat Power等等——而且別誤會他只會幫助知名音樂人，甚至連曾當過演員後來轉去了玩搖滾的Juliette Lewis，也得過Dave Grohl幫助。
2009年，Dave Grohl聯同Led Zeppelin的John Paul Jones，以及Queens of the Stone Age的Josh Homme，組成Them Crooked Vultures，而他本人，只擔任創作和鼓手，vocal一職則交由好友Josh Homme。他並不是一個藉搖滾出風頭的「偽人」。
Dave Grohl最新完成的side project，是做導演，拍紀錄片《Sound City》。
Sound City Studios是一所位於洛杉磯的錄音室，由1969年開始營運到2011年關閉，多年來不少經典搖滾專輯都在這裡錄音，例如Neil Young的《After the Gold Rush》、Fleetwood Mac的同名專輯、Rage Against the Machine的debut album、Metallica的《Death Magnetic》等等……
而當中更包括了Nirvana成功讓Alternative Rock佔領主流音樂的《Nevermind》。
這所錄音室對Dave Grohl意義深遠。經由它所產生的專輯，不僅多年來給予Dave Grohl搖滾養份，也見證著搖滾音樂在數碼科技盛行以前的那一個風起雲湧時代，不同年代的不同樂隊，都在戮力創作，嘗試把搖滾推向一個前人未曾到過的新境地。在Sound City Studios關閉時，Dave Grohl買下錄音室的NEVE Console混音器，放在他個人的Studio 606收藏，但這樣還未夠，他決定親自拍一部紀錄片，找來多個年代的音樂人，訴說那一個已經消散了、最好的搖滾時光。
伴隨著紀錄片的，是一張名叫《Sound City: Real to Reel》的soundtrack，當中收錄的歌曲並非舊歌，而是全新創作。Soundtrack的骨幹成員是Dave Grohl和前Nirvana低音結他手Krist Novoselic（他們還起了一個樂隊名字叫Sound City Players），而其餘獲邀的，包括Trent Reznor、Stevie Nicks、Josh Homme等，甚至還請來了Paul McCartney。只能夠說，陣容實在強得誇張。
Dave Grohl本人一如以往，並沒有「爭住唱」，反而把大部分歌曲的vocal位置，留給各客席音樂人。
Paul McCartney主唱的話題作《Cut Me Some Slack》，大概是他自The Beatles《White Album》以來最Hard Rock的一次，而且別忘記Paul已經是個70歲老人。
Slipknot主將Corey Taylor的《From Can to Can't》，完全沒有Rap Metal味，反而是一首舊式搖滾激情組曲。
Josh Homme的《Centipede》，出奇地，竟是一首抒情ballad。
澳洲傳奇搖滾音樂人Rick Springfield的《The Man That Never Was》，則是一首類似Foo Fighters的Power Pop式歌曲，力量主導了一切。
而我最喜歡的是Stevie Nicks主唱的《You Can't Fix This》。Stevie Nicks，經典Blues Rock/Soft Rock樂隊Fleetwood Mac的主唱。《You Can't Fix This》明顯在重塑一份70年代感覺，就像Fleetwood Mac在那年頭所創作的歌曲，帶著憂傷的味道。
這是Dave Grohl獻給那個已逝去的搖滾黃金時代的一張優質致敬專輯。全碟推薦。
小兵
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2013年3月28日 星期四
義無反顧的八十年代復刻
樂隊名字就是Hurts，你可以說有型，也可以說是作狀。
這個曼徹斯特樂團，玩的是上世紀80年代最流行的Synthpop——不是只挪用一點點元素而已，而是義無反顧地玩，義無反顧的程度是：若果你經歷過Synthpop洗禮，而又在不知情情況下去聽Hurts，隨時會誤以為聆聽著一張80年代的Synthpop專輯。
流行音樂大抵真的再沒有新思維了，而音樂人也不一定要以革命為己任，總之，但求在歷史中找對一種類型，創作出好聽的歌，有樂迷收貨便心滿意足了。
那麼，Hurts算是相當成功的。
Hurts的成員就只有Theo Hutchcraft和Adam Anderson兩個人，同樣在80年代出生，相識經過頗戲劇性：2005年11月的一個晚上，二人各自跟朋友夜蒲，雙方朋友同時介入了一場街頭紛爭，Theo和Adam本想加入戰團，但已喝得太醉；於是，當其他人在喧囂打交時，他們反而靜靜的閒聊起來，由無關痛癢的事開始聊，聊到音樂，才發現大家的喜好原來這麼相近。
經過那一夜，Theo和Adam決定走在一起玩音樂，立即寫歌，並迅速簽了一間獨立label，在安排下參與了不少公開演出。但漸漸覺得不妥，寫的歌坊間反應普通，而且根本沒有足夠的歌去進行公開演出，於是冷靜下來從長計議，終於寫了一首《Wonderful Life》（後來被收錄在2010年的專輯《Happiness》），並拍了MV，在YouTube公開，結果掀起鉅大迴響。他們有了第一首hit song。
在知名度持續提升下，Hurts更成為了不少音樂媒體上其中一個最期待的2010年新名字；同年8月，在千呼萬喚下他們終於推出了《Happiness》，並火速登上多個排行榜的前列位置。
作為debut album，《Happiness》無疑是先聲奪人的——音樂風格極度明確，而Hurts也的確如實地復刻了Synthpop那份浪漫而低調的美麗：經歷過80年代新浪漫主義的老樂迷，聽著《Happiness》很難不產生一份懷緬感覺，即使從未接觸過Synthpop，Hurts譜出的高質素電子旋律也是吸引的——還有Theo的歌聲，他的聲音似乎就是為了Synthpop而存在的。（Hurts的MV也應記一功，他們深得80年代美學真諦，大量運用冷色調營造一份低調簡約美。）
《Happiness》不一定具有甚麼內涵深度，但肯定達到了悅耳這一點，同時配合上當年時尚界主張復辟80年代的外圍大氣候。
Hurts並沒有立即便交出第二張專輯賺多一筆。反而待至三年後，後繼專輯《Exile》才面世。
對於《Exile》，Theo事先張揚，創作專輯期間他反覆在讀美國小說家Cormac McCarthy書寫末日的小說《The Road》，因為這一次他想交出更dark的歌曲。
一開始的《Exile》，便來了一個「很Synthpop」的開場，Hurts始終還是Hurts，Synthpop依然是他們的主旋律。
之後的《Miracle》、《Sandman》、《Blind》，繼續Synthpop，集體懷舊時間，好聽但不算突出（尤其《Blind》的那種曲式和編曲，在80年代真的嚴重充斥流行樂壇）。
《The Road》大抵是專輯最特別兼最具野心的歌曲。一個低調的開場後，是Theo的高吭嘶叫——然後回復低迴的吟唱，之後再來另一個更激昂的段落，一直至尾，最後是接近半分鐘的澎湃純音樂，情緒被提升到最高點。如果要選專輯最深刻的一首作品，《The Road》絕對是首選。
緊接的《Cupid》，全碟最短的一首歌，但極精彩，精彩全在於那有型的80s式編曲。
至於專輯的後半部分，老實，是有點失焦和悶，沒有哪一首特別差，也沒有一首是特別好。
我深信，Hurts這張專輯還是會繼續受追捧，但真正的考驗是下一張——如果繼續復刻80年代感覺，是沒意義的。
也千萬別見到Hurts是玩Synthpop的二人樂隊，就把他們看成是新Pet Shop Boys。兩者，差得遠。出道超過30年的Pet Shop Boys，放眼的是現在，而不是只留戀過去。
小兵
(轉載自信報)
這個曼徹斯特樂團，玩的是上世紀80年代最流行的Synthpop——不是只挪用一點點元素而已，而是義無反顧地玩，義無反顧的程度是：若果你經歷過Synthpop洗禮，而又在不知情情況下去聽Hurts，隨時會誤以為聆聽著一張80年代的Synthpop專輯。
流行音樂大抵真的再沒有新思維了，而音樂人也不一定要以革命為己任，總之，但求在歷史中找對一種類型，創作出好聽的歌，有樂迷收貨便心滿意足了。
那麼，Hurts算是相當成功的。
Hurts的成員就只有Theo Hutchcraft和Adam Anderson兩個人，同樣在80年代出生，相識經過頗戲劇性：2005年11月的一個晚上，二人各自跟朋友夜蒲，雙方朋友同時介入了一場街頭紛爭，Theo和Adam本想加入戰團，但已喝得太醉；於是，當其他人在喧囂打交時，他們反而靜靜的閒聊起來，由無關痛癢的事開始聊，聊到音樂，才發現大家的喜好原來這麼相近。
經過那一夜，Theo和Adam決定走在一起玩音樂，立即寫歌，並迅速簽了一間獨立label，在安排下參與了不少公開演出。但漸漸覺得不妥，寫的歌坊間反應普通，而且根本沒有足夠的歌去進行公開演出，於是冷靜下來從長計議，終於寫了一首《Wonderful Life》（後來被收錄在2010年的專輯《Happiness》），並拍了MV，在YouTube公開，結果掀起鉅大迴響。他們有了第一首hit song。
在知名度持續提升下，Hurts更成為了不少音樂媒體上其中一個最期待的2010年新名字；同年8月，在千呼萬喚下他們終於推出了《Happiness》，並火速登上多個排行榜的前列位置。
作為debut album，《Happiness》無疑是先聲奪人的——音樂風格極度明確，而Hurts也的確如實地復刻了Synthpop那份浪漫而低調的美麗：經歷過80年代新浪漫主義的老樂迷，聽著《Happiness》很難不產生一份懷緬感覺，即使從未接觸過Synthpop，Hurts譜出的高質素電子旋律也是吸引的——還有Theo的歌聲，他的聲音似乎就是為了Synthpop而存在的。（Hurts的MV也應記一功，他們深得80年代美學真諦，大量運用冷色調營造一份低調簡約美。）
《Happiness》不一定具有甚麼內涵深度，但肯定達到了悅耳這一點，同時配合上當年時尚界主張復辟80年代的外圍大氣候。
Hurts並沒有立即便交出第二張專輯賺多一筆。反而待至三年後，後繼專輯《Exile》才面世。
對於《Exile》，Theo事先張揚，創作專輯期間他反覆在讀美國小說家Cormac McCarthy書寫末日的小說《The Road》，因為這一次他想交出更dark的歌曲。
一開始的《Exile》，便來了一個「很Synthpop」的開場，Hurts始終還是Hurts，Synthpop依然是他們的主旋律。
之後的《Miracle》、《Sandman》、《Blind》，繼續Synthpop，集體懷舊時間，好聽但不算突出（尤其《Blind》的那種曲式和編曲，在80年代真的嚴重充斥流行樂壇）。
《The Road》大抵是專輯最特別兼最具野心的歌曲。一個低調的開場後，是Theo的高吭嘶叫——然後回復低迴的吟唱，之後再來另一個更激昂的段落，一直至尾，最後是接近半分鐘的澎湃純音樂，情緒被提升到最高點。如果要選專輯最深刻的一首作品，《The Road》絕對是首選。
緊接的《Cupid》，全碟最短的一首歌，但極精彩，精彩全在於那有型的80s式編曲。
至於專輯的後半部分，老實，是有點失焦和悶，沒有哪一首特別差，也沒有一首是特別好。
我深信，Hurts這張專輯還是會繼續受追捧，但真正的考驗是下一張——如果繼續復刻80年代感覺，是沒意義的。
也千萬別見到Hurts是玩Synthpop的二人樂隊，就把他們看成是新Pet Shop Boys。兩者，差得遠。出道超過30年的Pet Shop Boys，放眼的是現在，而不是只留戀過去。
小兵
(轉載自信報)
2013年3月12日 星期二
遊走在傷感小品和重型搖滾之間
題：繼續遊走在傷感小品和重型搖滾之間
在出道的第21個年頭，Eels交出了第10張專輯《Wonderful, Glorious》。
Eels是出道於上世紀90年代的美國樂隊，但樂隊的核心成員從來都只有Mark Oliver Everett一個。
Mark Oliver Everett有一個稱號，單字一個「E」。
早在Eels「組成」前，Mark Oliver Everett便開始用「E」這名義，先後在1992和1993年發表了兩張個人作品《A Man Called E》和《Broken Toy Shop》。
所以，嚴格來說《Wonderful, Glorious》應該是Mark Oliver Everett的第12張大碟。
真正由個人「轉型」為樂隊，是1995年的事。翌年，Eels發表了首張專輯《Beautiful Freak》——儘管專輯不是那些賣上好幾百萬幾千萬張銷量的暢銷大碟，但在90年代美國獨立音樂的發展裡，絕對是其中一張重要作品。
但更重要的肯定是1998年的《Electro-Shock Blues》。
這張專輯，是E先生對他本人家庭一連串慘劇的心情紀錄。他患有精神分裂的妹妹Elizabeth，在1996年自殺身亡；他的媽媽，則在兩年後死於肺癌。《Electro-Shock Blues》完全是他對兩名親人先後離去的感情總結，歌曲主題統統圍繞著死亡、自殺和癌症——但從那個印有一幅充滿童真味道圖畫的封套設計，根本完全看不出來（碟裡還有一首《Baby Genius》，則是寫給他那位早在1982年便去世的爸爸）。《Electro-Shock Blues》是E先生最悲痛的一次，而我，便是由這張專輯開始聽Eels。當然，不是任何人把自身慘事和盤托出便代表一定成功——事實是抽離了主題，《Electro-Shock Blues》本身也是一張動聽之作。（多提一點，死神似乎一直對E先生的家庭成員死纏不放，2001年，他的一位表親竟然搭上了911事件中那架撞向五角大廈的航機。）
如果《Electro-Shock Blues》吸引了一班人去聽Eels，發表在千禧的《Daisies of the Galaxy》，則成功把樂迷層面再拓展。《Daisies of the Galaxy》感覺恍如《Electro-Shock Blues》的對照，象徵著E先生從親人去世哀痛的愁緒中，找到了出路，他曾經這樣形容這兩張專輯的分別：「如果《Electro-Shock Blues》是一通在午夜打來而沒有人願意接聽的電話，那麼，《Daisies of the Galaxy》便算是酒店的morning call，跟你說早餐已經準備好。」
《Daisies of the Galaxy》除了有E先生最擅長的傷感ballad，還有一些難以分類、定義的趣怪搖滾小品，展示了E先生在樂器和類型融合上的功力；其中《I Like Birds》和《Mr.E's Beautiful Blues》都是令人難忘的佳作。到了現在，我還經常翻聽這張專輯。
當大眾以為E先生會沿用《Daisies of the Galaxy》的成功方程式製作下一張大碟，2001年的《Souljacker》是出乎意料的——他拋卻了之前一直採用的那種精緻小品方式，改投重型搖滾懷抱，結他變得骯髒，甚至連他本人也變成一個到處恰荒的流浪漢模樣。題材上，也不再局限於個人私密經歷，反而是E先生對外間事物的回應。坊間對《Souljacker》的評價很兩極。
經過了2003年那張相對保守的《Shootenanny!》，2005年的雙專輯《Blinking Lights and Other Revelations》，大概是E先生最有野心的一次，兩張專輯合共33首歌曲，交織成E先生的一次生命贊歌，也是類型上的一次整合。
《Blinking Lights and Other Revelations》後，E先生沒有推出新大碟，反而推出了兩張精選集《Meet the Eels: Essential Eels Vol. I》和《Useless Trinkets》，作為個人音樂事業的一次回顧。
重新上路。在2009至2010年，E先生交出了一個三部曲作品，分別是《Hombre Lobo》、《End Times》，以及《Tomorrow Morning》，而且各自針對著一個主題——《Hombre Lobo》是對欲望的考察；《End Times》是有關失去，尤其集中於離婚（E先生本人的確離過婚）和年齡的增長，是三部曲中調子最灰暗的一張，而封套更特別找來擅寫苦悶平凡人故事的美國獨立漫畫家Adrian Tomine負責。至於作為終章的《Tomorrow Morning》，主題是救贖，洋溢了一片樂觀感。三部曲中，我首選《End Times》。
事隔三年後的第10張專輯《Wonderful, Glorious》，儘管沒有大命題要講，也沒有甚麼新意念要進行，但有一點特別是：這一次的歌曲，統統是E先生跟樂隊成員（其實是合作多年的一班樂手）在他家中的studio，透過不斷的jamming來完成，不像過往單純由E先生先寫好，再夾。對比過去，無疑多了一份互動感。
歌曲方面，自然有必備的傷感ballad，像《Accident Prone》、《The Turnaround》、《On the Ropes》和《True Original》便是了，E先生唱腔中的那份只此一家的苦澀感，還是有能耐令人黯然神傷。
至於重型搖滾也不乏，《Kinda Fuzzy》、《Peach Blossom》和《New Alphabet》都極精彩。
壓軸的《I am Building a Shrine》和《Wonderful, Glorious》，一首低調優美一首輕快直接，尤其後者在結構上更頗堪玩味。
Eels先生第10張專輯，沒有超水準，但依然保持著一個高水準。
小兵
(轉載自信報)
在出道的第21個年頭，Eels交出了第10張專輯《Wonderful, Glorious》。
Eels是出道於上世紀90年代的美國樂隊，但樂隊的核心成員從來都只有Mark Oliver Everett一個。
Mark Oliver Everett有一個稱號，單字一個「E」。
早在Eels「組成」前，Mark Oliver Everett便開始用「E」這名義，先後在1992和1993年發表了兩張個人作品《A Man Called E》和《Broken Toy Shop》。
所以，嚴格來說《Wonderful, Glorious》應該是Mark Oliver Everett的第12張大碟。
真正由個人「轉型」為樂隊，是1995年的事。翌年，Eels發表了首張專輯《Beautiful Freak》——儘管專輯不是那些賣上好幾百萬幾千萬張銷量的暢銷大碟，但在90年代美國獨立音樂的發展裡，絕對是其中一張重要作品。
但更重要的肯定是1998年的《Electro-Shock Blues》。
這張專輯，是E先生對他本人家庭一連串慘劇的心情紀錄。他患有精神分裂的妹妹Elizabeth，在1996年自殺身亡；他的媽媽，則在兩年後死於肺癌。《Electro-Shock Blues》完全是他對兩名親人先後離去的感情總結，歌曲主題統統圍繞著死亡、自殺和癌症——但從那個印有一幅充滿童真味道圖畫的封套設計，根本完全看不出來（碟裡還有一首《Baby Genius》，則是寫給他那位早在1982年便去世的爸爸）。《Electro-Shock Blues》是E先生最悲痛的一次，而我，便是由這張專輯開始聽Eels。當然，不是任何人把自身慘事和盤托出便代表一定成功——事實是抽離了主題，《Electro-Shock Blues》本身也是一張動聽之作。（多提一點，死神似乎一直對E先生的家庭成員死纏不放，2001年，他的一位表親竟然搭上了911事件中那架撞向五角大廈的航機。）
如果《Electro-Shock Blues》吸引了一班人去聽Eels，發表在千禧的《Daisies of the Galaxy》，則成功把樂迷層面再拓展。《Daisies of the Galaxy》感覺恍如《Electro-Shock Blues》的對照，象徵著E先生從親人去世哀痛的愁緒中，找到了出路，他曾經這樣形容這兩張專輯的分別：「如果《Electro-Shock Blues》是一通在午夜打來而沒有人願意接聽的電話，那麼，《Daisies of the Galaxy》便算是酒店的morning call，跟你說早餐已經準備好。」
《Daisies of the Galaxy》除了有E先生最擅長的傷感ballad，還有一些難以分類、定義的趣怪搖滾小品，展示了E先生在樂器和類型融合上的功力；其中《I Like Birds》和《Mr.E's Beautiful Blues》都是令人難忘的佳作。到了現在，我還經常翻聽這張專輯。
當大眾以為E先生會沿用《Daisies of the Galaxy》的成功方程式製作下一張大碟，2001年的《Souljacker》是出乎意料的——他拋卻了之前一直採用的那種精緻小品方式，改投重型搖滾懷抱，結他變得骯髒，甚至連他本人也變成一個到處恰荒的流浪漢模樣。題材上，也不再局限於個人私密經歷，反而是E先生對外間事物的回應。坊間對《Souljacker》的評價很兩極。
經過了2003年那張相對保守的《Shootenanny!》，2005年的雙專輯《Blinking Lights and Other Revelations》，大概是E先生最有野心的一次，兩張專輯合共33首歌曲，交織成E先生的一次生命贊歌，也是類型上的一次整合。
《Blinking Lights and Other Revelations》後，E先生沒有推出新大碟，反而推出了兩張精選集《Meet the Eels: Essential Eels Vol. I》和《Useless Trinkets》，作為個人音樂事業的一次回顧。
重新上路。在2009至2010年，E先生交出了一個三部曲作品，分別是《Hombre Lobo》、《End Times》，以及《Tomorrow Morning》，而且各自針對著一個主題——《Hombre Lobo》是對欲望的考察；《End Times》是有關失去，尤其集中於離婚（E先生本人的確離過婚）和年齡的增長，是三部曲中調子最灰暗的一張，而封套更特別找來擅寫苦悶平凡人故事的美國獨立漫畫家Adrian Tomine負責。至於作為終章的《Tomorrow Morning》，主題是救贖，洋溢了一片樂觀感。三部曲中，我首選《End Times》。
事隔三年後的第10張專輯《Wonderful, Glorious》，儘管沒有大命題要講，也沒有甚麼新意念要進行，但有一點特別是：這一次的歌曲，統統是E先生跟樂隊成員（其實是合作多年的一班樂手）在他家中的studio，透過不斷的jamming來完成，不像過往單純由E先生先寫好，再夾。對比過去，無疑多了一份互動感。
歌曲方面，自然有必備的傷感ballad，像《Accident Prone》、《The Turnaround》、《On the Ropes》和《True Original》便是了，E先生唱腔中的那份只此一家的苦澀感，還是有能耐令人黯然神傷。
至於重型搖滾也不乏，《Kinda Fuzzy》、《Peach Blossom》和《New Alphabet》都極精彩。
壓軸的《I am Building a Shrine》和《Wonderful, Glorious》，一首低調優美一首輕快直接，尤其後者在結構上更頗堪玩味。
Eels先生第10張專輯，沒有超水準，但依然保持著一個高水準。
小兵
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2013年2月26日 星期二
美男的愛情故事概念
過去的我，是很抗拒Christopher Owens 這一類singer-songwriter 的——外貌柔弱美少年（即使他的年紀已經不算少年）。沒有什麼原因，抗拒就是抗拒。
幸好沒有再以貌取人，否則便缺失了認識和聆聽一位出色singer-songwriter的機會。現在式的Christopher Owens，離開了二人樂隊Girls，展開個人音樂事業，並發表了首張個人專輯Lysandre ；創作一直以來都得到不俗評價以外，出眾外型更獲邀擔任Yves Saint Laurent 2013 SS的模特兒。
非一般成長歷程
Christopher Owens擁有一個很不平凡的成長。他的父母是Children of God（加州一個異教團體）的忠心成員，長年跟隨教團過居無定所的放逐式生活。出生於邁亞密的Christopher Owens，早在兩歲便被父母帶到亞洲，周遊亞洲列國直至十歲，又輾轉隨團去到西歐生活。這種生活一直持續到Christopher Owens十六歲，他跟姊姊逃離了教團，並搬到美國德州定居。
在這段不尋常成長裏唯一及最大的得益，大概是他偶然間得到了一支結他，並學懂去彈，而待在教團的日子他最常彈的是Fleetwood Mac的歌。
可是，Christopher Owens並沒有像大部分音樂人般在青春年代展開音樂事業，反而是做了不同工作：在雜貨舖當通宵更店員、在餐廳打雜……二十五歲，他離開德州搬到三藩市，意外地擔任了樂隊Holy Shit 的隨團樂手；老實，Holy Shit 的音樂不怎麼樣，但隨團表演的經歷，讓Christopher Owens由單純的一個樂手，認識到一首歌是怎樣整合出來的；到2007年他終於有了一個明確意識：自己真正想做的其實是音樂。於是，開始積極創作。
這時候，Christopher Owens認識了Chet"JR" White，二人音樂喜好相近，走在一起組成了樂隊Girls——Christopher Owens主責創作和結他彈奏和演唱，Chet "JR" White則負責低音結他和後期製作，還有提供媽媽的車房進行創作。
由2007 年組成到2012 年拆夥，Girls 先後在2009年和2011年發表了Album 和Father, Son, Holy Ghost ，風格上，混合了一大堆來自上世紀五十至七十年代的古老搖滾類型：surf rock、psychedelic rock、country rock、garage rock 等等……而完成品則是不流於龐雜兼擁有悅耳旋律的lo-fi rock，Christopher Owens那把變化多端的嗓音，更為歌曲賦予了一份與別不同的質感。
愉悅愛情完全唱
Christopher Owens終於由一個以前長年不懂人情世故的「異鄉人」，走進了一個以資本主義主導的現實音樂世界；而當Girls兩張專輯也得到不俗迴響時，Christopher Owens卻在去年單方面宣布退出樂隊。首張個人作品Lysandre ，是一張野心頗大而感覺完整的concept album，而貫串專輯的核心命題，是他一段發生在Girls進行巡迴演唱時的愛情故事——但出來的效果絕不是什麼強說愁式的無病呻吟又或傷春悲秋，反而充滿了一份愉悅的感覺。
作為開場的一段抒情純音樂Lysandre's Theme ，除了為專輯提供了基調，也不時在緊接的歌曲中以不同形式反覆出現，而事實是這段main theme，動聽得單聽第一遍便會輕易入腦。
之後的歌曲，貫徹七十年代soft rock抒情風格，但Christopher Owens又會偶爾加點特別的編曲，令感覺帶點迥異，像Here We Go ，在長笛的主調突然加入一段電結他，不突兀之餘更出奇地配合。
至於New York City ，全曲以輕快的色士風作為主要樂器，最後卻接上一段Lysandre's Theme 作為結尾，效果又是極度配合。A Broken Heart 是首傷感ballad，而最後也以Lysandre's Theme 作結尾。單是這三首歌，便以三種形式演繹了這段main theme，展示了Christopher Owens在曲式的調度以及樂器配合上的能力。而以上能力，更一直運用和延續至專輯的最後。
Lysandre 已率先入選我今年心目中的其中一張最佳專輯。我亦同時期待Christopher Owens下一次的作品。
小兵
(轉載自信報)
幸好沒有再以貌取人，否則便缺失了認識和聆聽一位出色singer-songwriter的機會。現在式的Christopher Owens，離開了二人樂隊Girls，展開個人音樂事業，並發表了首張個人專輯Lysandre ；創作一直以來都得到不俗評價以外，出眾外型更獲邀擔任Yves Saint Laurent 2013 SS的模特兒。
非一般成長歷程
Christopher Owens擁有一個很不平凡的成長。他的父母是Children of God（加州一個異教團體）的忠心成員，長年跟隨教團過居無定所的放逐式生活。出生於邁亞密的Christopher Owens，早在兩歲便被父母帶到亞洲，周遊亞洲列國直至十歲，又輾轉隨團去到西歐生活。這種生活一直持續到Christopher Owens十六歲，他跟姊姊逃離了教團，並搬到美國德州定居。
在這段不尋常成長裏唯一及最大的得益，大概是他偶然間得到了一支結他，並學懂去彈，而待在教團的日子他最常彈的是Fleetwood Mac的歌。
可是，Christopher Owens並沒有像大部分音樂人般在青春年代展開音樂事業，反而是做了不同工作：在雜貨舖當通宵更店員、在餐廳打雜……二十五歲，他離開德州搬到三藩市，意外地擔任了樂隊Holy Shit 的隨團樂手；老實，Holy Shit 的音樂不怎麼樣，但隨團表演的經歷，讓Christopher Owens由單純的一個樂手，認識到一首歌是怎樣整合出來的；到2007年他終於有了一個明確意識：自己真正想做的其實是音樂。於是，開始積極創作。
這時候，Christopher Owens認識了Chet"JR" White，二人音樂喜好相近，走在一起組成了樂隊Girls——Christopher Owens主責創作和結他彈奏和演唱，Chet "JR" White則負責低音結他和後期製作，還有提供媽媽的車房進行創作。
由2007 年組成到2012 年拆夥，Girls 先後在2009年和2011年發表了Album 和Father, Son, Holy Ghost ，風格上，混合了一大堆來自上世紀五十至七十年代的古老搖滾類型：surf rock、psychedelic rock、country rock、garage rock 等等……而完成品則是不流於龐雜兼擁有悅耳旋律的lo-fi rock，Christopher Owens那把變化多端的嗓音，更為歌曲賦予了一份與別不同的質感。
愉悅愛情完全唱
Christopher Owens終於由一個以前長年不懂人情世故的「異鄉人」，走進了一個以資本主義主導的現實音樂世界；而當Girls兩張專輯也得到不俗迴響時，Christopher Owens卻在去年單方面宣布退出樂隊。首張個人作品Lysandre ，是一張野心頗大而感覺完整的concept album，而貫串專輯的核心命題，是他一段發生在Girls進行巡迴演唱時的愛情故事——但出來的效果絕不是什麼強說愁式的無病呻吟又或傷春悲秋，反而充滿了一份愉悅的感覺。
作為開場的一段抒情純音樂Lysandre's Theme ，除了為專輯提供了基調，也不時在緊接的歌曲中以不同形式反覆出現，而事實是這段main theme，動聽得單聽第一遍便會輕易入腦。
之後的歌曲，貫徹七十年代soft rock抒情風格，但Christopher Owens又會偶爾加點特別的編曲，令感覺帶點迥異，像Here We Go ，在長笛的主調突然加入一段電結他，不突兀之餘更出奇地配合。
至於New York City ，全曲以輕快的色士風作為主要樂器，最後卻接上一段Lysandre's Theme 作為結尾，效果又是極度配合。A Broken Heart 是首傷感ballad，而最後也以Lysandre's Theme 作結尾。單是這三首歌，便以三種形式演繹了這段main theme，展示了Christopher Owens在曲式的調度以及樂器配合上的能力。而以上能力，更一直運用和延續至專輯的最後。
Lysandre 已率先入選我今年心目中的其中一張最佳專輯。我亦同時期待Christopher Owens下一次的作品。
小兵
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2013年1月29日 星期二
由迷幻民謠開展的搖滾整合
或許現今搖滾真的再難有開創性，大家都只管在過去找不同的經典音樂類型來重塑。但重塑，也分高手和低手。
來自洛衫磯Silver Lake的四人樂隊Local Natives，他們最初要重塑的是Psychedelic Folk。
Psychedelic Folk最早可以追溯到上世紀60年代，代言樂隊首推The Byrds，他們由最初的單純Folk Rock，到迷幻熱潮爆發時加入了迷幻式彈奏，以Psychedelic Folk來回應那一個迷幻年代。然後，自然是追隨者眾。
迷幻除了體現在音樂上，說到底始終是Hippies的一種態度，一種在60年代作為反戰的生活態度。
當進入了70年代，全球政治局面不是穩定，但相對來說已經沒有一個重大戰役需要去反（反戰思潮也冷卻下來），作為迷幻守護者的Hippies已退下火線，而體現在流行文化上的Psychedelic Folk，也漸被認為不合時宜。搖滾已經隨著外圍氣候變遷，進入了另一個新紀元。
到了90年代，Psychedelic Folk才再次被年輕的音樂人重新挖掘出來，賦予新生命，即使已經不可能再成為甚麼主流，但有不少人就是願意樂此不疲地，去重塑這種可能比他們還老的搖滾類型。
Local Natives的三名原始成員Taylor Rice、Kelcey Ayer及Ryan Hahn，在同一所High School唸書時，已有走在一起玩音樂；後來，Andy Hamm和Matt Frazier相繼加入，五人便組成了Local Natives。
不得不提是，身為鼓手的Matt Frazier，對樂隊尤其重要。
跟一眾同樣玩Psychedelic Folk的當代樂隊的最大分別是，Local Natives很重視鼓擊——由首張專輯《Gorilla Manor》開始，鼓擊已經不僅止於一種伴奏方式，而可以是組成一首歌曲結構的重要部分，他們不少歌曲都會以強烈、沉實的鼓擊作為引導，引導以外，在整首歌曲中鼓擊更加是張揚的部分，所以當你聽Local Natives時，你會感受到強烈的節奏感，而不是只聽到其他同類型樂隊一味以抒情的Acoustic Guitar彈奏來貫串。
另一點較特別是，Local Natives有著三個主音，所以大部分作品都用上並很強調三重唱。三把聲音的重疊及交替，使樂隊的歌曲有著一種優美空間感。
《Gorilla Manor》（專輯名字來自他們五人曾經合租的一間屋名稱）先於2009年在英國推出，一年後才在美國正式發行。這專輯雖不足以令他們立即成為甚麼一線流行樂隊，但《Gorilla Manor》獲得近乎一致好評，甚至為他們贏得「西岸Grizzly Bear」的美譽（Grizzly Bear正是來自美國東岸紐約的Psychedelic Folk代表樂隊）。
後繼專輯《Hummingbird》足足相隔了三年多才推出。而成員也由五位變成四位，Andy Hamm退出了。
開場的《You & I》，以不停的沉厚鼓擊作為引領，而且貫串了全曲，一聽便是「很Local Natives」的歌曲，證明歷經了三年時間後，他們還是大家熟悉的Local Natives。
緊接的《Heavy Feet》和《Ceilings》，基調不變，抒情感覺更濃厚。
《Black Spot》較特別，特別在以緩慢低調作為開始，到最後一分多鐘，開始變得激昂，之前一直失蹤的鼓擊開始出現（Vocal部分也更用力），到最後更主導著歌曲。
《Breakers》和《Black Balloons》的密集鼓擊，則令歌曲透現著一點點Post Punk感覺。
Post Punk感更強的《Wooly Mammoth》，配合緊接著而來的激昂《Mt. Washington》，構成全張專輯的一個高潮位。
壓軸的兩首，《Columbia》和《Bowery》，則是最沉鬱的感傷時刻；而《Bowery》最後那長達一分鐘的樂器彈奏和鼓擊，則為整張專輯給予了一個精彩而難忘的結尾。
聽《Hummingbird》會發現，Local Natives已經不只是單純的一個Psychedelic Folk樂團，而是加入大量New Wave和Post Punk的感覺——其實早在首張專輯裡，他們已經cover了在1975年組成、著名美國樂隊Talking Heads的《Warning Sign》。你大概可以知道，Local Natives其實吸收了不少Post Punk和New Wave的養份。
透過《Hummingbird》的一次類型整合，他們正在給予自己更多的音樂可能性。
小兵
(轉載自信報)
來自洛衫磯Silver Lake的四人樂隊Local Natives，他們最初要重塑的是Psychedelic Folk。
Psychedelic Folk最早可以追溯到上世紀60年代，代言樂隊首推The Byrds，他們由最初的單純Folk Rock，到迷幻熱潮爆發時加入了迷幻式彈奏，以Psychedelic Folk來回應那一個迷幻年代。然後，自然是追隨者眾。
迷幻除了體現在音樂上，說到底始終是Hippies的一種態度，一種在60年代作為反戰的生活態度。
當進入了70年代，全球政治局面不是穩定，但相對來說已經沒有一個重大戰役需要去反（反戰思潮也冷卻下來），作為迷幻守護者的Hippies已退下火線，而體現在流行文化上的Psychedelic Folk，也漸被認為不合時宜。搖滾已經隨著外圍氣候變遷，進入了另一個新紀元。
到了90年代，Psychedelic Folk才再次被年輕的音樂人重新挖掘出來，賦予新生命，即使已經不可能再成為甚麼主流，但有不少人就是願意樂此不疲地，去重塑這種可能比他們還老的搖滾類型。
Local Natives的三名原始成員Taylor Rice、Kelcey Ayer及Ryan Hahn，在同一所High School唸書時，已有走在一起玩音樂；後來，Andy Hamm和Matt Frazier相繼加入，五人便組成了Local Natives。
不得不提是，身為鼓手的Matt Frazier，對樂隊尤其重要。
跟一眾同樣玩Psychedelic Folk的當代樂隊的最大分別是，Local Natives很重視鼓擊——由首張專輯《Gorilla Manor》開始，鼓擊已經不僅止於一種伴奏方式，而可以是組成一首歌曲結構的重要部分，他們不少歌曲都會以強烈、沉實的鼓擊作為引導，引導以外，在整首歌曲中鼓擊更加是張揚的部分，所以當你聽Local Natives時，你會感受到強烈的節奏感，而不是只聽到其他同類型樂隊一味以抒情的Acoustic Guitar彈奏來貫串。
另一點較特別是，Local Natives有著三個主音，所以大部分作品都用上並很強調三重唱。三把聲音的重疊及交替，使樂隊的歌曲有著一種優美空間感。
《Gorilla Manor》（專輯名字來自他們五人曾經合租的一間屋名稱）先於2009年在英國推出，一年後才在美國正式發行。這專輯雖不足以令他們立即成為甚麼一線流行樂隊，但《Gorilla Manor》獲得近乎一致好評，甚至為他們贏得「西岸Grizzly Bear」的美譽（Grizzly Bear正是來自美國東岸紐約的Psychedelic Folk代表樂隊）。
後繼專輯《Hummingbird》足足相隔了三年多才推出。而成員也由五位變成四位，Andy Hamm退出了。
開場的《You & I》，以不停的沉厚鼓擊作為引領，而且貫串了全曲，一聽便是「很Local Natives」的歌曲，證明歷經了三年時間後，他們還是大家熟悉的Local Natives。
緊接的《Heavy Feet》和《Ceilings》，基調不變，抒情感覺更濃厚。
《Black Spot》較特別，特別在以緩慢低調作為開始，到最後一分多鐘，開始變得激昂，之前一直失蹤的鼓擊開始出現（Vocal部分也更用力），到最後更主導著歌曲。
《Breakers》和《Black Balloons》的密集鼓擊，則令歌曲透現著一點點Post Punk感覺。
Post Punk感更強的《Wooly Mammoth》，配合緊接著而來的激昂《Mt. Washington》，構成全張專輯的一個高潮位。
壓軸的兩首，《Columbia》和《Bowery》，則是最沉鬱的感傷時刻；而《Bowery》最後那長達一分鐘的樂器彈奏和鼓擊，則為整張專輯給予了一個精彩而難忘的結尾。
聽《Hummingbird》會發現，Local Natives已經不只是單純的一個Psychedelic Folk樂團，而是加入大量New Wave和Post Punk的感覺——其實早在首張專輯裡，他們已經cover了在1975年組成、著名美國樂隊Talking Heads的《Warning Sign》。你大概可以知道，Local Natives其實吸收了不少Post Punk和New Wave的養份。
透過《Hummingbird》的一次類型整合，他們正在給予自己更多的音樂可能性。
小兵
(轉載自信報)
2013年1月15日 星期二
用聽覺所建立的西部印象
電影配樂的作用是什麼？就是幫電影建立一個印象、一個回憶。
像荷里活電影，不論成本高或低，都會專誠找人去製作配樂，但問題是，近年大部分荷里活所使用的配樂，作用僅停留於為電影加添一點額外聲響，至於印象，可以說是完全沒有的，更不要談在離場後還可以哼出片裏的配樂。
而事實是，在講求仔細分工的荷里活機制下，導演是不會參與配樂工作的。
昆頓塔倫天奴（Quentin Tarantino）不同。由他的首部導演作品《落水狗》（Reservoir Dog）開始，已經積極參與，他的做法是：乾脆用上自己喜歡的舊歌作為配樂，而被他揀選的，又往往能夠高度配合電影劇情和風格，甚至可以為電影add value。罐頭音樂，已成了塔倫天奴電影的重要組成部分。
借用經典
為什麼不找作曲家重新製作？塔倫天奴這樣解釋：他怕一旦用上單一音樂人的作品，而自己又不喜歡的話，便不得不把人家心血統統棄用。
所以，即使日後的電影有找專人製作配樂，一定會用上好多單位，每個單位又只會製作一或兩首。總之，從來不會讓單一音樂單位主導了塔倫天奴電影的配樂。畢竟，最透徹了解塔倫天奴電影的人，就只有塔倫天奴本人。
另一點較特別的是，塔倫天奴每部作品都明顯在指涉着一個或數個電影類型，例如《危險關係》（Jackie Brown）是對blaxploitation（一種流行於上世紀七十年代、以黑人觀眾為主要對象的類型電影）的致敬，被塔倫天奴選中作為配樂的音樂，也以funk和soul為主；又例如《希魔撞正殺人狂》（Inglourious Basterds），是對戰爭片、二戰片的重塑，音樂上也偏向古典，雖然離奇地選用了David Bowie為1982年電影《豹妹》所寫的搖滾歌曲Cat People (Putting Out Fire)。
至於新作《黑殺令》（Django Unchained），則明顯是一次對美國西部片，以及意大利「特產」Spaghetti Western（一種盛行於六十年代、由意大利模仿攝製的低成本西部片）的二十一世紀重塑，於是，soundtrack順理成章充滿了西部電影味道。
作為Spaghetti Western粉絲，塔倫天奴借用了好多齣經典「意大利粉西部片」的音樂，點題的main theme Django，透着一種蒼涼味，來自1966年的同名Spaghetti Western代表作Django，導演是已故意大利導演Sergio Corbucci，他生前最善於拍這類西部片，特色是極度暴力。
歷史作用
緊接的The Braying Mule和His Name Was King，則分別來自兩齣老舊電影，Two Mules for Sister Sara和Lo Chiamavano King。
新曲方面也有好幾首。黑人rapper Rick Ross主理的100 Black Coffins，是一首hip hop——明明是西部片卻又用上hip hop？要知道《黑殺令》的男主角是Jamie Foxx，電影可說是將blaxploitation的成分植入了西部片裏，一個黑奴向白人報仇的故事——戲未曾看，我未能知道這首歌配合畫面一併接收時效果如何，但這毋疑是一首上乘的hip hop作品，聽了一遍，已經深深印在腦海。
另一位有份交出作品的音樂人是John Legend，他的Who Did That To You?，帶着一份飄泊感。Anthony Hamilton，美國黑人singer-songwriter，則提供了一首極度配合電影主題的深情R&B Freedom。
不能或缺的還有Ennio Morricone。塔倫天奴本身極其尊崇這位已經年過八十的資深作曲家，在《希魔撞正殺人狂》已合作過一次。這一次，Ennio交出了Ancora Qui，並交由意大利女歌手Elisa演繹。
塔倫天奴是厲害的。他能夠在你還未入場前，已經用上新舊夾雜的音樂，先行為你建立了一個有關電影的深刻印象。
這張soundtrack極精采。同時也起了把電影歷史流傳、傳播開去的作用。
小兵
(轉載自信報)
像荷里活電影，不論成本高或低，都會專誠找人去製作配樂，但問題是，近年大部分荷里活所使用的配樂，作用僅停留於為電影加添一點額外聲響，至於印象，可以說是完全沒有的，更不要談在離場後還可以哼出片裏的配樂。
而事實是，在講求仔細分工的荷里活機制下，導演是不會參與配樂工作的。
昆頓塔倫天奴（Quentin Tarantino）不同。由他的首部導演作品《落水狗》（Reservoir Dog）開始，已經積極參與，他的做法是：乾脆用上自己喜歡的舊歌作為配樂，而被他揀選的，又往往能夠高度配合電影劇情和風格，甚至可以為電影add value。罐頭音樂，已成了塔倫天奴電影的重要組成部分。
借用經典
為什麼不找作曲家重新製作？塔倫天奴這樣解釋：他怕一旦用上單一音樂人的作品，而自己又不喜歡的話，便不得不把人家心血統統棄用。
所以，即使日後的電影有找專人製作配樂，一定會用上好多單位，每個單位又只會製作一或兩首。總之，從來不會讓單一音樂單位主導了塔倫天奴電影的配樂。畢竟，最透徹了解塔倫天奴電影的人，就只有塔倫天奴本人。
另一點較特別的是，塔倫天奴每部作品都明顯在指涉着一個或數個電影類型，例如《危險關係》（Jackie Brown）是對blaxploitation（一種流行於上世紀七十年代、以黑人觀眾為主要對象的類型電影）的致敬，被塔倫天奴選中作為配樂的音樂，也以funk和soul為主；又例如《希魔撞正殺人狂》（Inglourious Basterds），是對戰爭片、二戰片的重塑，音樂上也偏向古典，雖然離奇地選用了David Bowie為1982年電影《豹妹》所寫的搖滾歌曲Cat People (Putting Out Fire)。
至於新作《黑殺令》（Django Unchained），則明顯是一次對美國西部片，以及意大利「特產」Spaghetti Western（一種盛行於六十年代、由意大利模仿攝製的低成本西部片）的二十一世紀重塑，於是，soundtrack順理成章充滿了西部電影味道。
作為Spaghetti Western粉絲，塔倫天奴借用了好多齣經典「意大利粉西部片」的音樂，點題的main theme Django，透着一種蒼涼味，來自1966年的同名Spaghetti Western代表作Django，導演是已故意大利導演Sergio Corbucci，他生前最善於拍這類西部片，特色是極度暴力。
歷史作用
緊接的The Braying Mule和His Name Was King，則分別來自兩齣老舊電影，Two Mules for Sister Sara和Lo Chiamavano King。
新曲方面也有好幾首。黑人rapper Rick Ross主理的100 Black Coffins，是一首hip hop——明明是西部片卻又用上hip hop？要知道《黑殺令》的男主角是Jamie Foxx，電影可說是將blaxploitation的成分植入了西部片裏，一個黑奴向白人報仇的故事——戲未曾看，我未能知道這首歌配合畫面一併接收時效果如何，但這毋疑是一首上乘的hip hop作品，聽了一遍，已經深深印在腦海。
另一位有份交出作品的音樂人是John Legend，他的Who Did That To You?，帶着一份飄泊感。Anthony Hamilton，美國黑人singer-songwriter，則提供了一首極度配合電影主題的深情R&B Freedom。
不能或缺的還有Ennio Morricone。塔倫天奴本身極其尊崇這位已經年過八十的資深作曲家，在《希魔撞正殺人狂》已合作過一次。這一次，Ennio交出了Ancora Qui，並交由意大利女歌手Elisa演繹。
塔倫天奴是厲害的。他能夠在你還未入場前，已經用上新舊夾雜的音樂，先行為你建立了一個有關電影的深刻印象。
這張soundtrack極精采。同時也起了把電影歷史流傳、傳播開去的作用。
小兵
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2013年1月1日 星期二
她由古老搖滾時光而來
新晉唱作人Charlene Soraia，單憑一首舊曲翻唱便迅速引起外界注意。這究竟是好事還是壞事？
讓歌手煞有介事向外間說自己的專輯玩了什麼概念，又或曲與曲之間有什麼有機性聯繫的做法，已經不合時宜——尤其在這個單曲年代，大部分人都樂得在iTunes買歌了，會專誠以專輯作為欣賞單位的人已不多。所以，當Charlene Soraia一出道即坐擁一首hit歌，絕對有利。
為歌曲增值
問題是，這首hit歌Wherever You Will Go其實不屬於Charlene Soraia本人。原唱的是The Calling，一個已解散的洛杉磯post grunge樂團。歌曲在2001年推出，流行一時。Charlene Soraia把原曲的搖滾味完全消除，餘下的，是一首抒情ballad。對於原曲，我從來都不覺得怎麼樣，現在聽回甚至還覺得有點過時，反而Charlene Soraia的cover version的確做到了為歌曲add value。結果Wherever You Will Go被英國紅茶品牌Twinings選為廣告歌，提升了Charlene Soraia的人氣，連她在推出專輯前的單曲，也要用上這首歌，而且順理成章被收錄在debut album Moonchild中。
有理由相信，很多購買Moodchild的樂迷，都是衝着Wherever You Will Go而來，但這首歌，並不足以代表Charlene Soraia之全部。這位生於1988年、來自倫敦的二十四歲唱作女生，早在五歲已拿起爸爸的結他來（亂）彈，後來爸爸買了結他給她自學；從沒修過任何專業音樂課程的她，考入了The Brit School，身邊的同學包捉括今日的音樂紅人像Kate Nash、Adele……
上述成長小故事，只是為主人翁添加一點點傳奇味道，根本不太重要——真正重要是，Charlene Soraia情迷的音樂是不少八十後聽都未聽過的progressive rock！Progressive rock是一種盛行於上世紀六十年代的搖滾類型，是psychedelic rock的一個延伸發展。Progressive rock樂曲追求長篇大論，重視樂器的演奏和複雜配合，一首二十分鐘的樂曲，vocal可能只佔三數分鐘，可以說，絕少年輕音樂人會把這種古老音樂類型公開作為個人的音樂影響。
潛能待發揮
Charlene Soraia是個例外。她喜歡的樂隊包括了Pink Floyd和King Crimson，也曾經組過一個psychedelic樂團Electriq Mistress。Psychedelic和progressive rock的養份，真的可以在Moonchild中聽到。開首的When We Were Five，長達六分半鐘，便摻雜了progressive結構，當中所營造的空靈和靜謐，更叫我聯想起King Crimson經典專輯In the Court of the Crimson King——而事實是，In the Court of the Crimson King裏也有首歌曲叫Moonchild。
緊接的Daffodils、Lightyears和Rowing，則是folk song，簡單，動聽。Bipolar是一個輕快的過場，但我總認為效果有點突兀，Charlene Soraia唱來也有點勉強。
Postcards From iO是很精采的一曲，聽着，恍如把你帶回一個老舊的時光。在Moonchild，你可以聽到Charlene Soraia把她喜歡的或影響過她的東西，裁剪、拼貼、融合、變奏成屬於自己的東西，效果可能有點凌亂，但大概多等一或兩張專輯吧，她應該有能力做出整體凝聚力更高的作品。
至於Wherever You Will Go，被安放在專輯的壓軸，有着bonus track意味——老實，這首歌跟專輯明顯不太搭配，也絕對不足以代表這個倫敦唱作女生。
小兵
(轉載自信報)
讓歌手煞有介事向外間說自己的專輯玩了什麼概念，又或曲與曲之間有什麼有機性聯繫的做法，已經不合時宜——尤其在這個單曲年代，大部分人都樂得在iTunes買歌了，會專誠以專輯作為欣賞單位的人已不多。所以，當Charlene Soraia一出道即坐擁一首hit歌，絕對有利。
為歌曲增值
問題是，這首hit歌Wherever You Will Go其實不屬於Charlene Soraia本人。原唱的是The Calling，一個已解散的洛杉磯post grunge樂團。歌曲在2001年推出，流行一時。Charlene Soraia把原曲的搖滾味完全消除，餘下的，是一首抒情ballad。對於原曲，我從來都不覺得怎麼樣，現在聽回甚至還覺得有點過時，反而Charlene Soraia的cover version的確做到了為歌曲add value。結果Wherever You Will Go被英國紅茶品牌Twinings選為廣告歌，提升了Charlene Soraia的人氣，連她在推出專輯前的單曲，也要用上這首歌，而且順理成章被收錄在debut album Moonchild中。
有理由相信，很多購買Moodchild的樂迷，都是衝着Wherever You Will Go而來，但這首歌，並不足以代表Charlene Soraia之全部。這位生於1988年、來自倫敦的二十四歲唱作女生，早在五歲已拿起爸爸的結他來（亂）彈，後來爸爸買了結他給她自學；從沒修過任何專業音樂課程的她，考入了The Brit School，身邊的同學包捉括今日的音樂紅人像Kate Nash、Adele……
上述成長小故事，只是為主人翁添加一點點傳奇味道，根本不太重要——真正重要是，Charlene Soraia情迷的音樂是不少八十後聽都未聽過的progressive rock！Progressive rock是一種盛行於上世紀六十年代的搖滾類型，是psychedelic rock的一個延伸發展。Progressive rock樂曲追求長篇大論，重視樂器的演奏和複雜配合，一首二十分鐘的樂曲，vocal可能只佔三數分鐘，可以說，絕少年輕音樂人會把這種古老音樂類型公開作為個人的音樂影響。
潛能待發揮
Charlene Soraia是個例外。她喜歡的樂隊包括了Pink Floyd和King Crimson，也曾經組過一個psychedelic樂團Electriq Mistress。Psychedelic和progressive rock的養份，真的可以在Moonchild中聽到。開首的When We Were Five，長達六分半鐘，便摻雜了progressive結構，當中所營造的空靈和靜謐，更叫我聯想起King Crimson經典專輯In the Court of the Crimson King——而事實是，In the Court of the Crimson King裏也有首歌曲叫Moonchild。
緊接的Daffodils、Lightyears和Rowing，則是folk song，簡單，動聽。Bipolar是一個輕快的過場，但我總認為效果有點突兀，Charlene Soraia唱來也有點勉強。
Postcards From iO是很精采的一曲，聽着，恍如把你帶回一個老舊的時光。在Moonchild，你可以聽到Charlene Soraia把她喜歡的或影響過她的東西，裁剪、拼貼、融合、變奏成屬於自己的東西，效果可能有點凌亂，但大概多等一或兩張專輯吧，她應該有能力做出整體凝聚力更高的作品。
至於Wherever You Will Go，被安放在專輯的壓軸，有着bonus track意味——老實，這首歌跟專輯明顯不太搭配，也絕對不足以代表這個倫敦唱作女生。
小兵
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